众文网1.对女性意识比较了解的盆友我的论文题目是《查泰来夫人的情人》康妮
《潘多拉的匣子》女性意识的觉醒 戴锦华和孟阅合著的《浮出历史地表》也是一部女性主义的力作。
另外黑人女性主义研究可以看看托尼·莫里森。 波伏娃的《第二性》 张京媛编的《当代女性主义文学批评》，里面有蛮多女性主义名家的文论选段，比如埃莱娜西苏，同时也擅长精神分析。
《小妇人》和《关于女人》看女性意识的觉醒。 理性与悲情：李少红影视作品中的女性意识【全新】 丁玲作品中的女性意识—《现代教育教学探索杂志》 少女杜拉的故事--一个少女性意识的觉醒历程【弗洛伊德心理学经典名著，未阅新书特惠】 女性意识的觉醒之路——《鳏夫的房产》 萧红与姜敬爱小说的女性意识研究——小说《生死场》和《人间问题》 《雨中的猫》是海明威作品中一篇充满女性意识和象征手法的佳作。
2.从女性主义视角解读麦克白夫人谁能帮我写一个以上论文题目的大纲,
摘要：莎士比亚四大悲剧的《麦克白》，描写了麦克白从人性上走向堕落的过程。
长久以来，麦克白夫人都是是作为诱导唆使其丈夫走向堕落的因素出现，被人视为文中的第四位女巫，而本文则从其女性的心理角度来对麦克白夫人进行剖析，以揭示这个女性形象的深层情感及悲剧命运。 关键词：麦克白夫人；麦克白；莎士比亚；女性；悲剧。
在《麦克白》这部悲剧中，人们往往将麦克白视为一个被命运和欲望置于绝地的悲剧人物，将其作为全剧中牺牲最大的悲剧人物。而他的妻子则历来作为诱忖教唆其丈夫走上不归路的恶妇最终不明不白的死去。
而在我的眼中，却有一个优雅而绝望的女人形象呈现在眼前，不禁让我联想起中的Bree，那本是一个完美的女人，拥有温暖的家庭，优秀的丈夫，富足的生活，拥有着仿佛所有女人都渴望的生活。而事实上，她却始终活在自己内心与现实的矛盾与斗争之中，承受着生活的压力，编织着一个个谎言支撑着生命，却还要眼睁睁的看着所有的谎言都以最残酷的方式被揭开，生命对于她们，就像一个绝望的玩笑。
3.急
在离德国科隆不远的西比希城，约翰娜·玛克司夫人可是个响当当的人物。早在9年前的1994年，当时70高龄的她，经过长达6年的刻苦攻读完成了学业，就以优异的成绩获得了科隆大学的教育学硕士文凭。9年之后的今天，玛克司夫人又在年近八旬的79岁时，完成了长达200页的博士论文，论文的题目是：“如何度过晚年——学习使老人永远充满活力”，最后被科隆大学授予教育学博士学位。小城的市民们，无不对这位孜孜不倦的老人赞叹不已，由此她还当选为该城“最伟大女性”。而前不久，玛克司夫人作为嘉宾，参加了德国著名电视主持人迪沃累克主持的一次脱口秀节目。于是全国范围的观众都认识了这名戴着大框架眼镜、说话有条不紊又颇富幽默感的老人。
玛克司夫人退休之前长期在一家公司任职，是个活跃、开朗的女士。退休之后，不甘寂寞的她先是上了一个法语班。后来在报上看到科隆大学招收老年大学生的广告，便勇敢地报名成为正式大学生，当时她已满65岁。她披露，第一学期的学习让她最难以适应。因为小时候上中学时，课程和课表都是由学校或教师制定的，而这回，一切都得自己安排。在度过最初的难关之后，她越学干劲越大，而且凭借着年轻时积累的丰富知识和打下的良好的学习基础，成绩居然在班上经常遥遥领先。平时她和年青人一样身穿运动装或牛仔服，还常常和同学们一起参加游戏或体育运动。她坚持每周参加一次。她在入学的第三年就学会了电脑操作，还积满了所需要的足够学分。不过她并不忘记时不时忙里偷闲回家操持家务，并尽量抽空陪伴夫君进餐。同学们惊奇地发现，在她念书期间，竟然做到了学习、家庭两不误！
玛克司夫人的博士论文研究的是老年妇女如何才能安度晚年。玛克司夫人曾深入多个养老院和普通家庭，采访了34名终身学习的老年妇女。由于她是她们的同龄人，她们几乎毫无例外地向她倾诉了二战遗留在自己心灵深处的创伤，以及进入老龄之后感觉到的孤独、失落等负面情绪。而正是老年时代孜孜不倦的学习，她们的晚年生活异常充实和快乐，有的还因此而克服了酗酒、吸毒或依赖药物。她认为，进入老年后大脑的“锻炼”尤为重要，如背诵歌词和外语单词就是很好的锻炼大脑的方式。在论文中她强调，每个人都会变老，这是不可避免的自然规律，但如何度过晚年却可以由自己决定。除了坚持学习外，另一关键是坚持运动。她建议所有老人都选择至少一种力所能及的运动，并力图避免只说不做。她的口号是：天天锻炼，使自己年轻10岁！
时下，玛克司夫人每天都会收到大量来信，其中也不乏来自年轻人的。一名30多岁的少妇在信中写道：听了您老人家的故事，我们再也不怕变老啦！
4.求一篇世界名画鉴赏的论文
呵呵 可以直接选择一个方面写 我原来就是这样写的……一下例文 祝你好运 蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题。
自问世至今，将近五百年，后人不知做过多少品评和揣测，留下越来越多的迷局。当今，世上有研究《蒙娜丽莎》的专著数百部，而有近百名学者将此画作为终身课题。
时间的推移不会使疑团得到解决，只会随着研究的深入，将更多的疑惑留给后人。 人们过分地喜爱她。
无止境地探讨她那难以觉察的、转瞬即逝然而亘古不变的微笑，那洞察一切而又包容一切的眼神，那端庄沉稳的姿态，高贵而朴素的装束，以及无懈可击的完美构图。人们惊叹：列奥纳多，惟有列奥纳多，上帝一样的智慧，才能采集那么多美的元素，将众多美好合为一个完美。
于是，美、智慧、永恒，三位一体，极致的搭配，再无超越的可能。就这样，蒙娜丽莎带给人们无限美好的遐想，也给人们无限沉重的压力。
人们既愿意栖身她的庇荫，吸取滋润的营养；又渴望走出她的阴影，呼吸自由的空气。多少年了，无数醉心绘事的人，都为这一重矛盾所困扰。
这是一个神话，它与达·芬奇无关，完全是后人制造的。神话像雪球，随着时间的推移不断滚动，无限膨胀，最终连神话的制造者也被吞没。
如今，蒙娜丽莎坐在卢浮宫一处显要的位置，隔着厚厚的防弹玻璃，每天以我们熟知的、神秘而永恒的微笑迎候数以万计的来访者。这些朝圣般的观众心中装着各式疑问，他们渴望通过这一张温柔娴静的脸庞读出答案，然而离开时却将更多的问题带走。
问题是五花八门，许多与蒙娜丽莎并无关系。有人会问：蒙娜丽莎究竟是画中人的名字，还是微笑的别称？画中人究竟是银行家乔.贡多的妻子，还是伊萨贝尔王妃？此画确有真人模特，还是凭想象画成？画中人物没有眉毛，这是当年佛罗伦萨的审美时尚，还是像某人所说，其人正在怀孕，是妊娠反应？画中人是否刚经历流产的伤痛，所穿衣裳是丧服？蒙娜丽莎那令人迷惑的表情真的是微笑吗？难道不是面部麻痹症造成？蒙娜丽莎到底是男是女？其原型是否就是达.芬奇本人？问题越问越离奇，距离画本身越来越遥远，不仅无助于解读该画，反而将人不断引向迷途。
其实，有些问题已经构成了对《蒙娜丽莎》的亵渎，只是提问者尚未觉察。蒙娜丽莎是男是女，这还用得着问吗？任何一个对性别有感知的人都不该对此产生疑问，可是有人偏要提出如此荒唐的问题。
有人说蒙娜丽莎给人的感觉是中性的，至少她不会给人产生性的诱惑。试问，难道惟有性感才能构成女性美吗？如此，一幅肖像画与一幅色情照片又有多大区别？无疑，蒙娜丽莎是美的，她的美充分体现在人性美上，而不局限于女性特征；或者说，她的美已经超越了性别阻隔，但这并不等于连性别都分辩不出。
对于显而易见的事实还要发出荒唐的疑问，若不是别有用心也是无聊之极了。面对一幅分明令人愉悦的肖像却偏要说甚么面部麻痹症，这简直令人愤慨。
蒙娜丽莎表情是僵化的吗？瞬间的表情被定格就说成僵化，那真是荒唐透顶。微笑是难以描述的，专注中不自觉的微笑，友善的微笑，欣慰的微笑，或是略带嘲讽的微笑，那是每个人不同情绪下的感受，但笑意是毫无疑问的。
至于有人感到蒙娜丽莎的微笑是常人难以企及的，因而断定此画不是以真人为模特，而是完全凭想象画成，这种论断也纯属多余。人们惊叹达.芬奇卓越的绘画技巧：画中人由面部五官到双手，再到身体的其他部分，包括衣着穿戴，每一处都那么真实可感，几乎伸手可及，这是凭空想象无法完成的。
倘若没有真实人物作参照，达.芬奇纵然有天大的才气也不可能画得如此生动细腻。有人要问，画中人的眼神、她的笑意是那么遥远和不辩深意，那是其人所独有的吗？为什么今人就摹仿不出？其实这样的问题很好解答。
每一个了解绘画的人都懂得，肖像画并不等同于人物原型。一幅好的肖像画首先要体现作者与表现对象间的互动；画家将自己的智慧、情感、人生理念、精神渴求等等都融铸进了画中人物，这样观众从画面上读到的肯定比真实人物要丰富的多。
我们了解了达.芬奇的生平，认识了他在诸多领域的非凡造诣之后，上述问题也就迎刃而解。既如此，那么画中人究竟是谁的妻子、叫什么名字就不重要了，她是达·芬奇全部艺术才情的汇聚，也是他理想人格的集中体现。
从这个意义上说，她不是任何人的妻子，她是一个超乎常规限定的完美人性。我们可以理解蒙娜丽莎为达.芬奇的精神肖像，但要说是以他本人为模特就显得太庸俗化了。
有人通过电脑技术将达.芬奇的自画像与蒙娜丽莎作以对照，发现两者的基本结构惊人地相似，于是断定该画是以他本人为模特。其实这是吹毛求疵。
相似不等于吻合，当然完全吻合是不可能的，正如画中人与真实人物也非完全相同；然而不同的人总有相似之处，并且相似性是主要的，差异却是微小的；更何况每一个画家描绘他人时总会不自觉地把自己的形象带进画面，因为画家对自己最熟悉；这点想来达.芬奇也不会例外。说到这些，其余的问题也就无须解释了。
如果我们多读一些画，多接触一些画家，那么不着边际的问题就不会提出来了。 驳斥了上述一些问题，不是说围绕《蒙娜丽。
5.我的一个朋友的夫人,硕士报送博士,到国外学习一年,回来后,作论
抑郁症是扰乱你生活的一种情感障碍性疾病。
它可能会影响你的全身。抑郁症影响到你的思维，情绪，行为和你的自我感知方式。
抑郁症亦能在很多方面改变你，例如： 对他人的观感，对工作环境或社会环境感觉，甚至是有关一些诸如你的外表，房子，衣服等。 人与人各有不同，从而抑郁症症状也因人而异。
以下一种或多种症状你听起来很熟悉吗？ • 几乎每一天都情绪抑郁。 抑郁情绪和泣不成声都是抑郁症症状。
然而，很多抑郁症患者感觉麻木，并不伤心。 •在你的日常活动中兴趣/乐趣缺乏和缺乏内驱力。
抑郁症使人对平时被视为很重要的事情漠不关心。 你可能不得不强迫自己完成该做的事情。
甚至对一桩小事情似乎也是一种负担。很多抑郁症患者说自己是厌烦和懒惰的；尽管他们无睡眠问题，他们还总是感到疲劳。
性趣减弱也很普遍。 你可能常常感到胸闷，心慌。
去医院检查也常常查不出原因。 •胃口改变。
抑郁症可导致胃口增加或减少，所以抑郁症患者的体重可能增加或降低。 •睡眠问题。
许多抑郁症患者失眠，常表现为入睡困难，浅眠多梦，易惊醒，以及早醒（凌晨 2-3点便醒来，再难入睡）。 早醒往往是抑郁症病人的特征性症状之一。
另外一些抑郁症患者可能睡得太多，或他们除了正常的夜间睡眠之外还需要经常性的磕睡。 • 焦虑或坐立不安。
抑郁症患者经常是坐立不安和焦虑，有时达到激越的程度。焦虑可以引起缺乏耐心和愤怒，并且既使是低度的压力，也使人难以应付。
• 疲乏或s浑身无力。 • 负罪感，无用感和无安全感。
抑郁症患者通常对自己，周围世界和未来感觉消极。他们可能对往事有负罪感。
很多抑郁症患者感到自己无用，认为抑郁症是对他们做过的或未做事情的一种惩罚。抑郁症可以导致不安全感和对他人的依赖，亦可以导致不修边服和不讲个人卫生。
• 难以集中精力和正常思维。 抑郁症使人难以清晰地思维和作出甚至是很小的决定。
抑郁症患者常常不能轻易地集中精力。患者工作和日常生活变得没有效率，挫折感和厌恶感就可能出现。
• 大多数抑郁症患者都有不同的躯体症状，感到浑身不适。 •自杀念头 很多抑郁症患者想到以死来解脱痛苦。
患者经常为了结束痛苦，受罪和困惑而产生死亡的念头和行为。s 如果你有想伤害自己和他人的念头时，请马上找精神专科医生就诊。
如果你或你关心的人有上述四种或更多的症状达两周以上；症状严重到干扰日常活动，或有自杀念头；那么请去看精神专科医生，以便作出正确的诊断。 你或你爱的人可能正在饱受抑郁症症状的折磨 如果你有抑郁症，那么伤害你的症状也可能伤害到你的家庭，你的工作表现和你的人际关系。
牢记：这是一种真实疾病的真实症状。不要沉溺于自责及糟糕的感觉。
相反，你应去看医生，谨遵医嘱，以使你早日回归正常生活。
6.求一篇世界名画鉴赏的论文
评圭多•雷尼的《黎明》 圭多•雷尼（1575-1642年）是博洛尼亚画家，他最初生活在博洛尼亚的佛兰德斯画家卡尔外特的学园，跟一位培养了一批优秀的博洛尼亚画家的老师学艺。
接着，他又是在当地另一所学园，也就是17世纪意大利最著名的卡拉齐学园，跟卡拉齐兄弟学到了一手精湛的素描和构图本领，这对他的画风产生了明显的影响。另外，到古代美术和文艺复兴美术的中心罗马参观，也对他有很大影响，特别是盛期文艺复兴大师拉斐尔的艺术，更是令他神往。
17世纪的意大利画坛，有好几股潮流，其中之一就是古典的潮流，雷尼可以说是这股潮流的中坚力量。雷尼的风格，以甜美优雅著称，从《黎明》不难感受到他的这种特点。
《黎明》是雷尼在罗马画的一幅天顶壁画。熟悉意大利绘画的人都知道，意大利是壁画之乡，罗马更是壁画的陈列馆，处处有大师的精品；而雷尼崇拜的拉斐尔最美的壁画也在这里，或许他画《黎明》时，心目中始终闪动着这位古典大师的形象。
像拉斐尔的《巴尔纳斯山》一样，《黎明》是从希腊罗马神话获得启示的，这类题材是当时极为盛行的画题，古典倾向的画家更加离不开它。这幅作品是在红衣主教贝佳斯的委托下创作的，这幅作品《黎明》描绘的是曙光女神阿斯塔特、月神塞莱内和太阳神阿波罗，通过古典艺术对这些神的兄弟姐妹进行了描画，这幅作品是圭多•雷尼来到罗马两次脆古典艺术的研究的成果，很明确的表明了圭多•雷尼对古典艺术的追求，对纯粹的爱和美的追求。
横长的画面，由一条从左向右移动飘升的动态曲线确定着构图。飞在最前方的女性形象，是罗马神话中的黎明女神奥罗拉（这幅画的原名就是《奥罗拉》），她是由希腊神话中的黎明女神厄俄斯转化来的。
她的前方，仍是昏暗的世界，她的后方，则是一派壮丽的曙光。从她回顾的眼神和脚的指向，自然地跟中央的一组奔马联系起来，而顺着马缰绳，立即会发现驾车的太阳神阿波罗。
于是一切都清清楚楚了，原来画家要表现的是黎明时分，太阳升起，黑暗正在消退，光明将降临大地。 在表现这个景象时，雷尼选用了富于视觉感染力的节奏和色调。
黎明女神、马匹、太阳神及牵手前行的少女，共同构成了向前迅速推进的动势，而这些形象又全都笼罩在橘红的暖色调中，几乎完全挤掉了右边那一点点暗色。象征和寓意的处理，美妙地实现了画的主题。
画面上，那组飘然行进的少女，称得上是雷尼笔下最优美的形象。理想的造型、流畅的线条、精心的组合，一切都显得那么自然、那么和谐、那么均衡，确是纯粹的古典风范。
难怪在推崇古典美术的时代，很多艺评家认为他是仅次于拉斐尔的大师，温克尔曼把他与希腊完美的雕刻家普拉克西特利斯相提并论，雷诺兹认为他的美的观念优于任何一位画家，“神圣的圭多”成了他的称号。当然，这些早已过去，没人再顶礼膜拜他，可他的优秀作品仍然值得观者驻足。
同时也可以知道，圭多雷尼在很大程度上是受到了拉斐尔的影响，在这个波伦亚派的巨匠的杰作的基础上，人们把圭多雷尼的古典主义作品与拉斐尔的古典主义作品一同称赞了，认为两人在画面上展示出了演剧性，都表现的恰到好处，绘画中圭多雷尼加入了丰富的色彩，展现了他独特的审美观，很大的程度上触动了之后的波伦亚派的画家古鲁西诺，后来画家古鲁西诺也描绘了与圭多雷尼这幅作品《黎明》相同的主题。
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1/4 《拾穗者》是十九世纪法国杰出的现实主义农民画家米勒（1814--1875）中年以后的作品，于1857年完成。
它是最能够代表米勒风格的一件作品，它没有表现任何戏剧性的场面，只是秋季收获后，人们从地里拣拾剩余麦穗的情景。画面的主体不过是三个弯腰拾麦穗的农妇而已，背景中是忙碌的人群和高高堆起的麦垛。
虽然看不清她们脸上的神情，但从那些朴实辛勤的身影不难想象出一张张坚毅的面庞。这三人与远处的人群形成对比，她们穿着粗布衣衫和笨重的木鞋，体态健硕，谈不上美丽，更不好说优雅，只是谦卑地躬下身子，在大地里寻找零散、剩余的粮食。
然而，这幅内容朴实的画作却给观众带来一种不同寻常的庄严感。 这是一幅十分真实的，亲切美丽，而又给人以丰富联想的农村劳动生活的图画。
画面上，米勒使用了迷人的暖黄色调，红、蓝二块头巾那种沉稳的浓郁色彩也融化在黄色中，整个画面安静而又庄重，牧歌式地传达了米勒对农民艰难生活的深刻同情，和米勒对农村生活的特别挚爱。 从中不难看出画家对劳动的甘苦，特别是“汗滴禾下 土，粒粒皆辛苦”的意义是有着切身的深刻体验的。
整个作品的手法极为简洁朴实，晴朗的天空和金黄色的麦地显得十分和谐，丰富的色彩统一于柔和的调子之中，它像米勒的其它代表作一样，虽然所画的内容通俗易懂，简明单纯，但又绝不是平庸浅薄，一览无余，而是寓意深长，发人深思，这是米勒艺术的重要特色。 据说站在米勒作品面前，多情的人会闻到野草和土地的气息，夹杂着牛粪的味道，会对着画面上一个土疙瘩掉眼泪，而勾起对乡村生活无限美好的畅想。
飒爽的秋风阵阵袭来，吹走了夏日的闷热，带来一丝丝的凉爽。这阵秋风吹过一座座山川、吹过一条条溪流，吹过一片片麦田，将麦田染成一片金黄。
麦子褪去了生长期的绿意盎然，到处散发着成熟的气息。田野上，农民们忙碌着，把成熟的麦子割下，打成一捆捆的沉甸甸的麦垛，负于马车之上，即将被运往粮仓。
麦子收割过后略显突兀的田野上，几个农家妇人她们穿着粗布衣衫和笨重的木鞋，弯腰低首，仔仔细细不放过每一个角落的搜寻着，将那些被遗落在田间的麦穗小心翼翼的轻轻拾起。米勒是十九世纪法国现实主义在师，他的大量的以农民题材为主的油画、素描、版画至今仍给我们深刻的启示与鼓舞。
2/4 这幅画原来的题目是《八月》。表现的是一个收获场面使富饶美丽的农村自然景色与农民的辛酸劳动形成了对比。
接近米勒的几位社会活动家看到了这幅画中可贵的真实，建议画家修改构图直至最后前景上只剩下三个拾穗粒的农妇形象。这一修改，竟使作品产生了惊人的社会效果。
发人深思的是，《拾穗者》何以能产生如此大的震动？米勒的一位艺术辩护人朱理·卡斯塔奈里曾这样来描述这幅画：“现代艺术家相信一个在光天化日下的乞丐的确比坐在宝座上的国王还要美；„„当远处主人满载麦子的大车在重压下呻吟时，我看到三个弯腰的农妇正在收获过的田里捡拾落穗，这比见到一个圣者殉难还要痛苦地抓住我的心灵。这幅油画，使人产生可怕的忧虑。
它不象库尔贝的某些画那样，成为激昂的政治演说或者社会论文，它是一件艺术品，非常之美而单纯，独立于议论之外。它的主题非常动人，精确；但画得那样坦率，使它高出于一般党派争论之上，从而无需撒谎，也无需使用夸张手法，就表现出了那真实而伟大的自然篇章，犹如荷马和维吉尔的诗篇。”
出身于农民家庭的米勒，从小就对大自然和农村生活有种特殊的浓厚感情，他时刻希望着能用自己的画笔向世人展现出法国农民纯朴而勤劳的形象。 米勒相信，艺术是一种爱的使命，而不是恨的使命。
当他表现穷人的痛苦时，并不是向富人阶级煽起仇恨。他所要做的，只是尽力弄懂如何用平凡细微的东西去表现崇高的思想，因为那里才蕴藏着真正的力量。
而要将这一切和谐、自然地表现出来，不仅需要画家的眼睛和手，更需要他的整个身心！ 米勒一般采用横的构图，让纪念碑一般的人物出现在前景的原野上。三个主体人物分别戴着红、蓝、黄色的帽子，衣服也以此为主色调，牢牢吸引住观众的视线。
她们的动作富于连贯性，沉着有序，布置在画面左侧的光源照射在人物身上，使她们显得愈发结实而有忍耐力。或许长时间的弯腰劳作已经使她们感到很累了，可她们仍在坚持。
尽管脸部被隐去了，而她们的动作和躯体更加富于表情——忍耐、谦卑、忠诚。 3/4 在他眼里，大自然有着“无穷无尽的壮观”。
米勒在这幅画中试图把我们引入土地的深处，在开阔而又静穆的景观中去感受她的沉重与充实，倾听她深沉宁静的呼吸，体会她朴实顽强的生命，体会土地与土地上的农民自然般运行的命运。 像米勒这样，以凝重质朴，造型简约的概括力，来极富表现力地塑造平凡人物。
他表现的是人和大地的亲密关系，是史诗所不能达到的质朴平凡。我们从这三个穿着粗布衣衫和沉重木鞋的农妇身上感到一种深沉的宗教情感，在生存面前，人类虔诚地低下他们的头。
虽然远处飞翔的鸟儿依旧烘托出田园诗般的意境，但我们知道田园生活不可能是理想化。
8.中国名画鉴赏论文
名画 有着深远影响和价值的画，就是名画。
一方面所谓的价值体现在作者本人的绘画功底上，有价值的画其作者的绘画功底一定是精湛的，是超凡脱群的，最起码也要有自己的风格，跟别人与众不同，这样才会受到关注。其次，光有精湛的水平也是不够的，还要在画面上体现一种精神，一种思想，也就是说要托画言志，用艺术的手法表现一种有高度的，更深一层的东西。
比如说毕加索的格尔尼卡，它的价值就在于用新颖，深刻，抽象的表现手法将残酷的战争诠释的淋淋尽致，把战争的发人深省剖析开来给人看，这种影响是可以穿越肤色，穿越种族，穿越时间和空间的，是有深刻的历史高度的，同时画家自身的画技也不容忽视，所以说它是有价值的。再比如米勒的晚钟，虽然表现的是两位普普通通，穿着朴素，也许并没有什么高学历的勤劳农民，但是他们脸上那种对于上帝的虔诚，那种对于平凡生活的热爱，被米勒用饱含着感情的笔触描绘出来，用其影响力和感染力诠释着价值的内在。
另一方面有些作品之所以成为名画，是因为它所要表达的内涵是永恒的，虽然诞生在那个时代，但是也同样是生活在现代的我们共同追求的大主题，配合着当时的时代背景，加上画家主观的表现提炼，这样创作出来的作品便被称为名画，因此它有着深远影响。 而中国传统名画又有她独特的历史、内涵和魅力。
绘画是人类凝固的历史，无声的语言，是民族文化的重要承载体。以绘画史为框架，纵向展示中国绘画的长卷。
画作种类除绢、帛、绫、纸为质地的卷轴画作品，还广泛涵盖了岩画、壁画、版画，甚至器物装饰图案。山水、花鸟、人物，兼容并包；长卷、立轴、册页、扇面，异彩纷呈。
原作岁月，融入现代视觉理念，传统绘画带给您全新的视觉感受，令您叹为观止、爱不释手。简洁、流畅的文字语言，讲述大师生平、画派流变，揭示画作的主题、意境、技法、布局，带您以专家的眼光赏画、品画，带您步入壮丽辉煌的中华绘画艺术殿堂。
名画集鉴赏、收藏、资料和研究价值于一体，为不同年龄、职业、文化层次的读者找到一份心灵的契合。 纵目千秋，华夏水墨纳气藏神；通观四海，中国绘画卓然独立。
黑白相生，天水云烟隐约如幻；青绿杂染，人间华彩浓丽如泼；形神毕备，草木虫鱼意趣如真。化繁为简，情景意态精炼如歌；笔尽意存，纸墨芳华万古长新。
先秦之古朴浪漫，两汉之朴拙厚实，魏晋之绚烂庄严，隋唐之瑰丽精湛，五代之雄浑悠远，宋元之飘逸隽雅，明清之豪纵古拙，乃至近现代百花齐放之热烈，无不可追本溯源，清流别派。源流既别，则继承与发展、沿袭与变革、学习与创新，轨迹历历，韵致永永，神采悠悠矣！ 传统的中国山水画以自然风物为摹写对象，名山大川，风景佳胜，田野村居，楼观舟桥，都市园林，历史胜迹，悉可人画。
其形则远近山川，咫尺千里；其色则青绿水墨，辉煌清雅；其法则皴染点泼，积破浓淡；其风则南北分宗，雄伟萧散。极擅体现中国人“天人合一”的自然观和审美观，成为中国画蔚然最大宗。
山水画发创于魏晋六朝玄言清淡，坐乱世而怀渺远，在笔墨挥洒中得遂卧游天下，鹏程万里之志。 精美的中国花鸟名画由唐至现代具代表性与影响力的名作，足以展示中国花鸟画辉煌的艺术成就。
花鸟画以自然状态下和想象中的动，植物为描写对象，草木虫鱼，花卉蔬果，翎毛飞禽，鳞介走兽。一姿一态，一拂一动，为画家细心捕捉，无不神采飞扬，绚烂至极。
它集中体现了中国人与自然生命息息相通，惺惺相惜的诗意关联，更充分展示了压抑千年却充动不变的东方世界里，永远活泼，生生不息的生命热情和生活情趣。中国人的情感状态与人格个性，虽经千年时间的洗涤，磨蚀而常新。
人物画则以活生生的人物和人体为描绘对象，它随着人的产生而产生，并随着人的生活日渐丰富多彩而丰富多彩。风俗历史，肖像仕女，释道隐士，传说故事，无不关注着人的生活，生活的人。
一颦一笑，一举手一投足，坐卧走奔，嬉游劳作；或神秘或寂寞，或自得或痛楚，或狂或庄，或怒或嗔，或喜或忧，或放或敛，中国画都能在简劲中写形，于朴素里传神。人物画是中国画里最直接观照现实，直面人生的画科，凝视这些画面，三千年中国社会的历史变迁和世相百态染指而来。
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