众文网1.求关于话剧演员和想象力的论文
基础篇 1、舞美设计 舞美设计是仅次于剧本的重要。
一部戏，可以根据排练来设计舞美，也可以根据舞美来设计舞台走位，调度，也可以两者相互磨合。但是，在我而言，我一定是建议设计舞美之后，再来谈舞台调度，然后再舞台调度中发现需要修改的再改。
一部戏，有需要场景变化的，有不需要的，但是，场景的变化不是舞美的变化，场景变化了十个，有时候，一个舞美就可以了，有时候甚至暗场都不需要。有时候，场景没有变化，可能舞美也会需要变化了，来突出一些导演的意图。
具体来说，现实主义或者偏重于现实的戏，一般要求舞美比较真实，伴随着场景的变化也需要舞美的变化。对于大学生戏剧大量的超现实、先锋的戏来说，舞美反而可以虚化。
个人非常喜欢有几块木块，可以沙发，可以床，可以楼梯，这点可以借鉴戏曲的一桌两椅的运用。 在设计舞美的时候，一定要注意支点，每一个支点都可以是表演的中心。
这里就要导演预先设计舞台调度，并且考虑到如何利用整个舞台区域。设计好支点，为后面的演员表演会打下很好的基础。
舞美的更换有时还会影响到整个戏的节奏。对于扬之水的《sayo-nara》来说，频繁地更换舞美有时候并不是那么必要的，一个并不是非常现实主义的话剧，保持统一的舞美风格，把场景虚化，利用表演来创造场景（尤其是酒吧，家，还有公车的场景，应该可以更加虚化），或许会更好。
当然，利用人和灯光作为舞美，是这个戏非常不错的地方。 这里尝试给出舞美设计的几个基本方法步骤。
（1）确定剧本、导演、舞美风格； （2）估计有多少场景，需要换多少舞美； （3）根据导演、剧本、舞美的情况，看是否需要变更场次，融合舞美，最终目的是把握整部戏的节奏； （4）设计支点、预设舞台调度； （5）与演员磨合。 2、舞台调度 舞台调度与舞美设计密不可分，属于上层建筑与经济基础的关系。
舞美是静态的，舞台调度是将舞美用活。 如何让演员在舞台上舒服地表演，如何又让观众很舒服地看着表演，如何又在不经意间表现出导演的意图，这是舞台调度要解决的问题。
舞台调度，首先必须让演员舒服。演员要能够从一个位置走到另一个位置，要让演员走得有道理，演员入戏了，他会感觉这么走有道理还是没道理，而导演，也一定要让演员走得有道理，有时候，演员不入戏，导演就可以要求演员这么走，一直走到入戏，感觉舒服，有时候，演员入戏了，还是觉得不舒服，导演就必须让演员走自己的走台，因为这说明有问题的是导演。
舞台调度，必须充分地利用舞台的各个位置，有人把舞台分为6个或者9个区域，从离观众和中心的远近进行划分。经过舞美设计的舞台，也重新划分了舞台，舞美当中设计的支点也会分布在不同的位置，有远离观众，有接近观众。
充分地适时地用好这些支点，把戏当中的紧张的地方，松弛的地方，重要的人物，次要的人物，安排好位置，并且根据剧情让他们在适当的位置间走动。这样的舞台调度才能够让观众舒服。
导演的意图是最后才需要的。当一个导演，需要一个人从舞台的中后方，走到舞台的前方，沿着阶梯一级一级地走下来，他想表现什么，如果反之，他又想表现什么，当然，这些我们将在后面在谈到。
关于这一点的学习，大家最好的办法是看经典话剧。仅就这次大话节来说，《永远的微笑》就是一个很好的例子，非常专业的舞台调度设计。
有层次，符合剧情。大家可以仔细看看这些经典话剧的舞台调度，包括如何利用支点，如何符合剧情发展，如何扩展整个舞台，演员走来走去是不是舒服，是不是有道理。
3、演员的表演技巧 演员要演好角色，最主要的问题就是体验和表现。除去专业所需要的语言功底不去说，如何体验角色和表现角色，是校园戏剧的两个必要课题。
这里，个人认为专业演员和业余演员的区别并不是那么明显，经过一定训练的人，还是可以达到一定的专业水准的。 我看过很多校园戏剧的演员的表演，体验，始终是一个问题。
有些人很有表现力，但是仔细感受就知道，他的内心有多少东西，又有多少是和这个角色紧密联系的。绝大多数演员的习惯，包括很多很不错的演员就是，用自己的大脑去控制自己的语言和身体，入戏，是在于自己与别人的交流，体验到角色的内心，注意不是理解，是很难很累的。
体验，实在是一个很神秘的词汇。对于一个人来说，如何才能体验的别人的感受，甚至是一个虚构的人的感受呢？ 一个是经历，个人的喜怒哀乐。
一个人对于自己的喜怒哀乐才能够有真正的体验，这样的体验才有可能使自己在舞台变得自然，才有可能生活在舞台上。 一个是观察，观察别人的喜怒哀乐。
与此相关的是，想象，想象别人的喜怒哀乐，想象别人在一定情景下的反应。看了很多校园戏剧，一些好的演员体验，更多的是理解角色和塑造角色的过程。
然后，再在角色中倾入自己的感情，所以，在第一次演出的时候，你觉得他演得很精采，但是后期倾入感情的时候会需要一定时间，会有一定难度。当然，也有另一种表演方式，他通过自己的肉体慢慢进入角色，他让自己变成角色，让角色成为自己身体的一部分，这样的演员比较慢热，一开始似乎离角色比较远。
2.我想写一篇关于悬疑话剧灯光艺术特点分析的论文
虽说我不是学这个专业的，但是我想我可以帮你一把。
灯光的调射，根据的应该是剧情。
韩式灯光法则1：灯光的调射根据剧情的变化会随之变明变暗变深变浅，所以必须要掌握了剧情的发展，灯光才能调的显出现场的氛围。
灯光艺术的特点在于，我感觉是在这个地方。
韩式灯光法则2：灯光的艺术特点，最重要的是气氛氛围，如果灯光调的不好，那气氛自然会下降，至于演得好不好，那就另当别论了。
灯光的光，你们有没有注意？
韩式灯光法则3：光的明暗深浅色彩，必须要符合这部话剧的特点。光，那自然是光线。而灯和光不同，光线的调整远远比灯更重要的许多。光掌握的是方位，技巧和光的强弱。
不同的话剧灯光会有不同的效果，悬疑话剧，灯光明显是要暗淡一些。
韩式灯光法则4：调整灯光的人必须要注意力集中，才能把灯光调整好。灯光的强弱自然重要，因为不同的强弱效果会有不一样的氛围，注意，我说的没有跑题。灯光的艺术和调整灯光的人是有共同特点的。
你可知灯光两个字是什么意思？
灯光释义：灯的亮光。佛法的光辉。指舞台上或摄影棚内的照明。
灯光设计的作用：
室内灯光出了照明外，还要让房间舒适温暖，安全放松。当然灯光的装饰作用，也是显示居住者风格的好东西，这一点在后来参观的最后的样板间里太强烈的展示出来了。
灯光设计中所要避免的明与暗或者暗与明之间过度的变化，产生眩光，让眼睛很舒服。灯光不足，给人的昏暗，恐怖，与阴凉的感觉。灯光过强，直射眼睛，让人产生眩光。与昏暗背景的变化。
明与暗之间的突然变化，指的是从电视的强光到昏暗的背景，直射的工作灯
首先达到满足灯的功能，达到明亮照明，保护我们可贵的眼睛，其次，气氛烘托，光影交错，美好变化。
此段，我比较讲的是强光，稍微的你可以进行更改，毕竟是悬疑话剧，灯光淡一些就好了，它还不是惊悚片，不用太暗。
亲，可以了吗？自己的想法，请勿喷！^_^小女子不才！满意的话，满意回答。
3.怎样写童话剧我要写一篇关于童话剧的论文
儿童话剧是一门综合艺术，通过轻松愉悦的表演，孩子在语言、艺术、社会各个领域都能得到发展和提升。
我园尝试将童话剧创编引入孩子的语言教学活动，从孩子喜爱的动画片卡通角色为切入点，引导孩子结合已有经验体验童话剧创编的乐趣。童话剧的游戏活动包含剧本的创编设计、舞台布置、道具准备、集体排练、正式演出等，这都是各种能力的体现，是最富有教育性、趣味性、娱乐性的活动，当然也就成为最受孩子欢迎的文艺活动了。
快来看看我们的精彩表现吧！ 我爱表演：孩子们通过肢体语言展现对角色的感受。每个孩子都是 天生的表演艺术家！ 我来编剧：孩子们认真的态度和整合自己生活经验的能力是令人感动的。
这是孩子在讨论和绘制情节。 创编童话剧应该是孩子自主自愿的一种创造性活动，我们尽力建构轻松、活泼的活动氛围让孩子构思创造，别出心裁，标新立异，发挥创造潜能。
我会导演：孩子正在布置场景进行创编表演。最重要的是孩子们愿和 的主动意不断的挑战自我，这都是 最美的历程。
孩子在创造性戏剧活动中，要把自己完全放置到某一个角色上，揣摸角色的心理，自己创作对白，自由地表达自已内心深处的思想、感受，这样使得孩子自身的创造力得到了充分的发展。同时在扮演中孩子更能分享到别人的感受和认知，会逐渐改变他们对周围事物的偏见。
随着表演次数的增加，孩子们的情感得到释放和宣泄，攻击性强的孩子变得会越来越平和，胆小紧张的孩子则变得越来越勇敢了。 粉墨登场：经过了许多辛苦的准备，到了我们正式演出的时候。
漂漂亮亮， 热热闹闹，都是我们努力的结果。我们需要大家鼓励的掌声和我们精彩的演出一起合奏！孩子园童话剧创编活动是开放式的，不同的孩子群体因为经验情感、智力结构的差异完全有可能在同等条件下产生完全不同的情节解读，形成多种的剧本。
所以创编童话剧活动要坚持以孩子为主体，在教师提供的开放性情景下用表演的形式释放情绪情感，重整认识经验，升华并完善自我，在认知迁移中拓展孩子们。
4.关于舞蹈的论文
【舞蹈艺术的意蕴和意境】 舞蹈是时空表现艺术和动态造型艺术，它以艺术化的人体动作，即通过人体富有协调性、韵律感、审美化的动作、姿势、造型、动作组合和动作过程来表达内心情感，是人类审美意识和情感表达在人体动态形式中的对象化，是舞蹈艺术劳动的具体成果。
动作是舞蹈艺术最基本的语言。在舞蹈艺象的特定情境中，构成动作的姿态、节奏、速度、空间走向、动作力度与情感强度的统一所体现的情感倾向，以及动作在运动中的“力效”，在音乐、舞美等多种手段的配合下，可以表现不同的情感，塑造不同的人物性格和形象，展示无数复杂的心境和情感冲突，使舞蹈艺术在连绵不断的起伏跌宕中展示内容，表现人物情感，创造各具特色、生动鲜明的舞蹈艺象，具有造型美、流动美、情感美的巨大欣赏价值。
舞蹈表演要求以简代繁，以少总多，讲究生动传神，即强调通过外在形象的塑造传达出内在的神韵，抒发主体的胸臆情怀。从整体追求上看，含蓄蕴藉，追求神似，注重当众展现人物的灵魂和情感，注重整体效果的传神写意。
虚拟的动作表演重在动作的高度美化和感情的充分抒发，创造出剧情需要的舞台环境和氛围，使舞蹈表演更加自由，拓宽表现生活的领域，超越有限的“实境”，营构无限的“虚境”，创造出一种超脱、空灵、古朴、高雅的审美境界。 表现手法的突出特点是夸张、变形，追求超乎常形之上的艺术真实，旨在调动观众的想象，共同完成审美意象的创造，因而具有独特的艺术魅力。
舞蹈艺象通过舞蹈语言和整体的舞蹈形象，来显现出一种内在的生气、情感、灵魂、风骨和精神，而这就是我们所说的艺术作品的意蕴。 优秀的审美艺象应当具有比艺术形象本身更加深广隽永的内涵，这种内涵蕴藏在艺术形象内，只有凭借欣赏者的细心体察、玩味、感悟、领会，才能真正认识和理解。
艺术意蕴是优秀舞蹈艺象通过生动感人的艺术形象，传达出的深刻的人生哲理或思想内涵。一般来讲，艺术意蕴还不完全是由舞蹈形象体现出来的主题思想，它是比主题思想更加形而上的东西，是一种只可意会不可言传的超越言象之外、自然含蓄、天机妙悟、悠然神会、绵绵不尽、余味无穷的哲理和诗情，它也是优秀舞蹈艺象具有不朽艺术魅力的根本原因。
意境，主要是指抒情性舞蹈艺象中呈现的那种情景交融、虚实相生的形象系统及其所诱发和开拓的审美想象空间。意境分虚实，虚实相生是意境创造的结构特征。
实境是指生动、逼真表现出来的景、形、境，即“如在目前”的“象”。虚境是指由实境引发的想象的空间，它一方面是原有形象在联想中的延伸和扩大的“象外之象”；另一方面是伴随着由具象引发的想象而产生的对情、神、意的体味和感悟的“象外之旨”，其意蕴虚涵，具有暗示性，只能领悟，不能直陈。
虚境是实境的升华，它体现着实境创造的意向和目的，体现着整个意境的艺术品位和审美效果，居于灵魂和统帅的地位，“无形君有形”。但再好的虚境也必须落实到实境的具体表现上，“真境逼而神境生”，“有形发未形”，虚境要通过实境来创造。
就意境创造的表现特征看，意境创造又是情、景结合的艺术，“景无情不发，情无景不生”，“情与景会，景与情合”，意境是在景中藏情、情中见景和情景交融中创造的。 借用王夫之的话说：“情、景名为二，而实不可离。
神于诗者，妙合无垠。巧者则有情中景，景中情。”
舞蹈艺术也是如此。韵味无穷，则是意境的审美特征。
“韵味”，是指意境中所蕴含的那种咀嚼不尽的隽永的意蕴和综合美感效应。意境是创作主体和欣赏主体共同创造的多层次、整体的、动态的、空间的意象，是作者得于心、观者会于意的产物。
艺术主体的创造是意境创造的基础和前提，欣赏主体在接受中的再创造，是意境创造的复现、衍生和深化。意境的整体性象征具有朦胧性、模糊性。
创作主体的个性、创作的时代性与欣赏主体的个性、欣赏的时代性之间的差异，形成同一艺术意境在创造和再创造的时代、历史背景中的意蕴的变异性。 同一艺术意境可以生发出多种不同的阐释，从而构成意境的多义性。
意境美的创造是有抱负的舞蹈艺术劳动者刻意的审美追求。 应当指出，舞蹈艺象的三个层次的美具有相对独立的意义，每一个层次都有着自身的审美价值。
在舞蹈艺象的层次构成中，任何一个艺象都必须具有艺术语言和艺术形象这两个层次。 意蕴，不是每个艺象都有。
有，也不是每个欣赏者都能体悟到。能体悟到的，也有深度和广度上的差别。
有的舞蹈艺象，或者有独具特色的艺术语言，或者有生动感人的艺术形象，或者有发人深思的艺术意蕴。但是，真正优秀的舞蹈艺象，必须是用生动传神的舞蹈语言、塑造出内蕴着隽永深邃意蕴的栩栩如生的舞蹈形象的结构有序、有机融合成的一个完美整体。
从某种意义上说，这样的舞蹈艺象才能传世不朽。 舞蹈艺象不仅讲究动作、结构安排的对称、均衡，而且注重场面的丰富变化与和谐统一。
还要借助服饰、道具、灯光和象征性的舞美设计，特别是音乐的烘托和渲染，形成多层次的美感效应，产生震撼人心的巨大感染力，综合体现多方面的舞蹈美。 欣赏者通过对多。
5.怎样写童话剧我要写一篇关于童话剧的论文
儿童话剧是一门综合艺术，通过轻松愉悦的表演，孩子在语言、艺术、社会各个领域都能得到发展和提升。我园尝试将童话剧创编引入孩子的语言教学活动，从孩子喜爱的动画片卡通角色为切入点，引导孩子结合已有经验体验童话剧创编的乐趣。童话剧的游戏活动包含剧本的创编设计、舞台布置、道具准备、集体排练、正式演出等，这都是各种能力的体现，是最富有教育性、趣味性、娱乐性的活动，当然也就成为最受孩子欢迎的文艺活动了。快来看看我们的精彩表现吧！
我爱表演：孩子们通过肢体语言展现对角色的感受。每个孩子都是 天生的表演艺术家！
我来编剧：孩子们认真的态度和整合自己生活经验的能力是令人感动的。这是孩子在讨论和绘制情节。
创编童话剧应该是孩子自主自愿的一种创造性活动，我们尽力建构轻松、活泼的活动氛围让孩子构思创造，别出心裁，标新立异，发挥创造潜能。
我会导演：孩子正在布置场景进行创编表演。最重要的是孩子们愿和 的主动意不断的挑战自我，这都是 最美的历程。
孩子在创造性戏剧活动中，要把自己完全放置到某一个角色上，揣摸角色的心理，自己创作对白，自由地表达自已内心深处的思想、感受，这样使得孩子自身的创造力得到了充分的发展。同时在扮演中孩子更能分享到别人的感受和认知，会逐渐改变他们对周围事物的偏见。随着表演次数的增加，孩子们的情感得到释放和宣泄，攻击性强的孩子变得会越来越平和，胆小紧张的孩子则变得越来越勇敢了。
粉墨登场：经过了许多辛苦的准备，到了我们正式演出的时候。漂漂亮亮， 热热闹闹，都是我们努力的结果。我们需要大家鼓励的掌声和我们精彩的演出一起合奏！
孩子园童话剧创编活动是开放式的，不同的孩子群体因为经验情感、智力结构的差异完全有可能在同等条件下产生完全不同的情节解读，形成多种的剧本。所以创编童话剧活动要坚持以孩子为主体，在教师提供的开放性情景下用表演的形式释放情绪情感，重整认识经验，升华并完善自我，在认知迁移中拓展孩子们。
6.我想写一篇关于悬疑话剧灯光艺术特点分析的论文
虽说我不是学这个专业的，但是我想我可以帮你一把。
灯光的调射，根据的应该是剧情。韩式灯光法则1：灯光的调射根据剧情的变化会随之变明变暗变深变浅，所以必须要掌握了剧情的发展，灯光才能调的显出现场的氛围。
灯光艺术的特点在于，我感觉是在这个地方。韩式灯光法则2：灯光的艺术特点，最重要的是气氛氛围，如果灯光调的不好，那气氛自然会下降，至于演得好不好，那就另当别论了。
灯光的光，你们有没有注意？韩式灯光法则3：光的明暗深浅色彩，必须要符合这部话剧的特点。光，那自然是光线。
而灯和光不同，光线的调整远远比灯更重要的许多。光掌握的是方位，技巧和光的强弱。
不同的话剧灯光会有不同的效果，悬疑话剧，灯光明显是要暗淡一些。韩式灯光法则4：调整灯光的人必须要注意力集中，才能把灯光调整好。
灯光的强弱自然重要，因为不同的强弱效果会有不一样的氛围，注意，我说的没有跑题。灯光的艺术和调整灯光的人是有共同特点的。
你可知灯光两个字是什么意思？灯光释义：灯的亮光。佛法的光辉。
指舞台上或摄影棚内的照明。灯光设计的作用：室内灯光出了照明外，还要让房间舒适温暖，安全放松。
当然灯光的装饰作用，也是显示居住者风格的好东西，这一点在后来参观的最后的样板间里太强烈的展示出来了。灯光设计中所要避免的明与暗或者暗与明之间过度的变化，产生眩光，让眼睛很舒服。
灯光不足，给人的昏暗，恐怖，与阴凉的感觉。灯光过强，直射眼睛，让人产生眩光。
与昏暗背景的变化。明与暗之间的突然变化，指的是从电视的强光到昏暗的背景，直射的工作灯首先达到满足灯的功能，达到明亮照明，保护我们可贵的眼睛，其次，气氛烘托，光影交错，美好变化。
此段，我比较讲的是强光，稍微的你可以进行更改，毕竟是悬疑话剧，灯光淡一些就好了，它还不是惊悚片，不用太暗。亲，可以了吗？自己的想法，请勿喷！^_^小女子不才！满意的话，满意回答。
7.以舞台为主题写一篇文章600字
1.
不是蝴蝶缭绕飞舞，雄鹰振翅搏击，帷幕静静地拉开：
灯光乍亮，若大的剧院里面，那将上演关于青春的名叫 《奋斗》的话剧，戏剧中的人物开始登上舞台，观众入座。
十四五岁的季节，那扇关于青春的门“吱吱”地打开。门后是青春的舞台，我们，已然成为这台上的主角。开始登台，走入青春，爸爸妈妈、老师朋友看着我们，期待着我们美好的未来。舞台上进行着：
舞台上的每个人都尽心尽力地扮演着自己的角色。他们演绎着话剧，也演绎着自己的人生。舞台上，他们在奋斗着，为自己的事业打拼，为自己的理想打拼，剧中的人充满着青春的气息与活力。精湛的演技，投入的表情，经典的话语，赢得了观众一阵又一阵热烈的掌声。
我们既已步入青春，便要开始新的征程，初三时，我们已清楚明白理想是什么，掩藏于白花花的试卷，厚厚的书堆之间，我们的身上没有投下的璀璨灯光，我们只是默默地静静地生活。当时间在风的尾巴上一跃而过，我们又已然坐在高三的教室里，窗明几净，安静清爽。依旧是千篇一律的生活，却没有厌烦，因为心中总有那么一梦，美好得让我们愿意拼尽全力地奋斗。这段日子过得平凡，虽然平淡，但也真真切切地演绎着，在我们青春的舞台上。有过泪水也有过欢笑，有过痛苦也有过快乐，有过颓丧也有过振奋，这是真实而丰富的一部“奋斗史”。依旧记得，为了那将到来的期末考，老师不辞辛劳地守在教室里，回到家里，妈妈轻轻地送来一杯蜂蜜水；朋友传来一张纸条，写着安慰的话。他们一直默默地关注着我们。帷幕落下了：
舞台上的话剧成功结束了。演员们讲完了他们的奋斗，立于台中央，深深地向观众鞠躬。掌声过后，舞台落幕了，观众离席了，话剧散场了。
高考过后，大学毕业，我们便站在了青春的尾巴上了。那时的我们已演绎完我们的青春奋斗，我们在上也实现了自己的理想。那时的我们也会深深地向我们的观众鞠一躬，表示我们的感激。
也许我们青春的舞台会落幕，但我们奋斗的舞台永不落幕。
2.
每个人的心中都有一个舞台，心有多大，舞台就有多大。 ———题记也许，你只是理所当然地享受着父母的关爱，而从无心注意他们两鬓上日益斑白的发丝；也许，你只是运用自己过人的智慧，将商场上的对手打得狼狈不堪，甚至倾家荡产，而此时，你会说，“这是竞争”，而你可曾想，这会招来更多的“虎视眈眈”。 也许，你只是为了自己的一些蝇头小利，而欺诈行骗，到头来众叛亲离，却喜滋滋地沉醉于自己苦心得来的”战利品”上。 也许…… 也许，在自己心中的舞台上，你一直是一个独舞者。 宇宙由一个微小粒子爆炸开来，从此浩浩苍穹间出现了一个美丽的地球，人类出现、繁衍，从原始茹毛饮血的时代渐渐发展而来，形成了社会，有了文明。 可是，人”个体”的本性决定了他不可能只看到别人，而心中不装着自己，他也会有私欲。然而，事物往往都会有一个“度”，人总是生活在一个群体之中，老是眼中只有自己，而不留给别人立锥之地的话，那么，他将永远生活在“自我”中，直至孤独地死去。 古代的帝王天子集专权于一身，可是他若没有“海纳百川，有容乃大”的气魄，他若不把百姓装在心中，那么，他很可能就是“覆水之舟”了。而我们现代人更应如此，毕竟，我们没有一呼百应的专权，我们总是要生活在人群中间，我们总希望得到别人的关爱，那么，就别做那个独舞者，看到自己也看到别人。 凭栏回首，我们付出了什么得到了什么，赠与了什么收获了什么都无关紧要，只要心中装着他人就无怨无悔；倚闾眺望，我们将做些什么将得到些什么，眼中看到什么心中藏着什么都无关紧要，只要看到自己也看到他人就无愧于心。 每个人心中都有一个舞台，而在上面舞者，要看舞台有多大，而舞台有多大，要看你心有多大！
8.关于影视表演与话剧表演的差异论文
浅谈话剧表演与影视表演的异同话剧是舞台的艺术，是将宽广的现实生活抽象、浓缩到一个小小的舞台上。
布景、灯光、道具等一切舞台元素的设计，都不是为了在舞台上复制真实的生活，而是创造一个经过了抽象和浓缩的生活场景。夸张和渲染，让舞台上的生活场景迥异于真实的生活，但将这夸张的场景设置在剧场这个特殊的建筑形式中，并用“第四堵墙”将观众隔离时，舞台上的场景就有了自己的逻辑，没有观众会因为舞台布景的夸张而批评话剧的“真实性”——总而言之，话剧的世界就是一个经过了抽象和浓缩的夸张的世界，演员的表演也势必要融入这个特殊的舞台世界中，与舞台上的情境融为一体。
所以，不能照搬真实的生活，而必须表现一种抽象、浓缩之后的生活。 影视表演则是镜头的艺术，最终的成品是经过了摄影和剪辑的渲染的影视作品。
影视创作者会通过景别切换、镜头运动等方式，放大剧中的关键信息，让观众随时能够看到必要的信息。影视的空间以实景为主，尽量让观众能够身临其境。
总而言之，相对于话剧来说，影视的世界是一个真实的世界，演员的表演也务必要符合这个真实世界的逻辑。影视表演相对于话剧表演来说，它不需要那么夸张，更接近于我们日常生活中的语言和动作。
因为话剧表演具有抽象性和浓缩性，相比真实生活而言，它是夸张、简略的。每一出话剧在编剧阶段就进行了高度的压缩，创作者要仔细推敲每一句台词、每一个动作，直到把所有的“废话”都剔除干净，以保证呈现给观众的每一刻都包含着必不可少的信息。
演员的表演，正是用自己的肢体和语言将这些必不可少的信息表达清楚。所以在话剧表演中，不能含糊其辞、暧昧不清，每一个动作、每一句台词都要清清楚楚地呈现给观众，否则会损失剧本的连续性。
所以话剧的表演无比要口齿清晰、铿锵有力，情绪低落或高涨的时候，要用比真实生活夸张的动作和语言将饱满的情绪传达出来，这就是话剧表演的分寸。 而影视表演的分寸则以平实为主，镜头会帮助演员呈现动作和表情的种种细节。
比如一个吃饭的动作，在话剧表演中，必须夸张地运动脸部肌肉，而在影视表演中，导演会切入一个较小的景别，银幕前地观众能够很清楚地看到演员脸部肌肉的运动，大快朵颐或细嚼慢咽，只需跟现实生活一致即可。 话剧表演在舞台上进行，它的受众是坐在舞台下的、“第四堵墙”后面的观众。
对于剧场中的观众而言，舞台始终是一个整体，想要让他们辨别出该看哪儿、不该看哪儿，则必须通过演员的表演去引导。 影视表演的受众是银幕前的观众，引导他们的目光的是摄影机的景别。
演员不必担心自己的表演过于“温吞”，摄影师和剪辑师会通过技术手段让那些日常的动作具备高度的戏剧性。 话剧表演是连续的、一次性的，一旦错误没有修正的余地，所以每一个动作都要经过精心的设计，演员的站位、表情、台词都要事先进行多次排练，直到滚瓜烂熟。
这也决定了演员在表演过程中不能有一刻松懈，必须集中注意力，全身心地投入角色。 而影视的表演则是片段式的，表演的错误和不到位可以通过在此拍摄来弥补。
它的最终目的是将这些“片段”组合成一个整体。所以影视表演在连续性上的要求不如话剧那么高，但同时它也带来了一个新的问题：即演员如何衔接情绪。
可能上一场是拍摄婚礼，下一条即是拍摄葬礼，演员必须在各种不同的情绪中来去自如，这也对演员的“入戏”能力提出了更高的要求。 虽然有诸多操作上的区别，但话剧表演和影视表演还是有很多共通之处。
首先，无论是话剧表演还是影视表演，都属于表演这一艺术范畴，他们的最终目的都是塑造一个完整、饱满的角色，以契合剧情的表意。在理解角色方面，话剧表演和影视表演没有区别，都要进行深入的研读和推敲，直到能够体会角色的每一个动作、每一句台词。
体验到十分，演出十分，就是好角色；体验到三分，演到十分，就会假大空。 其次，剧作风格决定表演样式。
无论是话剧作品，还是影视作品，都有悲剧、喜剧、正剧之分，在不同的剧种中，表演的风格都要做相应的调整。 我国的表演艺术教育以前苏联戏剧大师斯坦尼斯拉夫斯基创造的“斯氏”表演体系为主，斯氏的表演体系注重“体验”，注重由内向外开发角色，先理解角色的内心世界，再把角色的内心世界外化为动作和台词，正如斯氏本人说的那样：“如果说历史世态剧的路线把我们引向外表的现实主义，那么，直觉和情感的路线却把我们引向内心的现实主义”。
我在扮演话剧《那一方灿烂星空》中王庆平一角时，就恪守了这一由内而外的表演原则，对王庆平的内心进行深入的理解，再外化为舞台上的表演。剧中，王庆平要面对大妈、将军、连长、士兵四个个性迥异的人物，我就仔细推敲了王庆平与这些角色关系的疏近，从理解人物关系着手，让我在不同的场次里做到更准确的表演。
影视表演也一样。在电视剧《特战先锋》中，我扮演地下党员“书生”一角。
但这个角色不同于以往我们见到的大义凛然的革命工作者，他为了隐藏自己的身份，总是收敛起自己的智慧，用“若愚”演绎“大智”。在仔细地推敲了角色的所思所想之后，我。
9.求关于舞台音响方面的论文
（一）合理运用音响设备，发挥音响效果技能。
自然声源发出的功率是有限的。在离声源较远的地方，声压级迅速降低，同时由于存在环境噪声，声音就听不清楚，甚至于完全听不到。
因此，在厅堂和广场内要用扩声系统来将演员的微弱音频信号，通过技术处理器传送至听众。而音响合量的好坏不仅和放大设备的技术有关，而且还依赖于声源的声学特性以及传声器和扬声器所处环境的声学条件。
在通路的增益足够大时，系统就会失去稳定性并过滤到自振状态。自振频率通常在可听范围内，产生啸叫。
这种信号的畸变非常严重地影响舞台气氛的展现音响效果，破坏演员舞台气氛的展现情绪的投入。 长期以来，音响一直混同于扩声，偏重于电声转换和信号的放大。
这是由于对声学问题重视不够，忽略了声源和听众周围环境的声学特征以及听觉得心理感觉对音响技师的影响。实践证明，音响效果的好坏，是舞台气氛的展现成功的基础。
他能根据不类型的演员嗓音条件，通过高、中、低补偿和音频衰减以及周边设备的调试，而取得理想的音响效果，在演员嗓音条件欠佳的情况下，亦能起到改善和弥补的作用。 音响效果的使用，在舞台艺术中占有十分重要的地位，它是剧情、人物的个性息息相关。
效果的出现，不但对演出情境的营造、舞台氛围的渲染、戏剧悬念的设计有着至着重要的作用，而且能使观众在欣赏过程中有一种身临其境的感觉。 （二）注重音响效果的生活性、形象性、可行性 音响效果是舞台艺术的重要表现手段，观众在剧院里除了用眼睛观看，不要用月一朵去倾听。
音响效果是听觉上的点染，是辅助演出的另一种艺术手段，从这种意义上来说，音响效果是艺术中的另一种“语言手段”。所以，我们在创作过程中，要重视音响效果的使用。
音响效果既要准确，又要精练。在使用音响时，剧中人物处在不同场所，就要不同处理。
我们往往在实践中会忽略这一点：前后音域一样，没有远近之感。有此则相反，一开声音太大，则违背了生活规律。
再者，上场与下场的声音大小一样。因此，我们在工作时，首先要领悟剧情，对剧中的人物个性，以及剧情的发展，必须热记，该渲染的必须加以点化，不能误导观念，同时要精练。
（三）音响效果要生动、易懂 既来源于生活，又富有艺术性，使观众在看不到任何形象时，能一听就明自，就要联想，就能将听觉迅速构成一幅画面。任何一种演出样式都是综合性的舞台气氛的展现，每一个舞台形象的再现都是艺术综合的结果。
音响效果的综合作用，就是把舞台上具有音响性质的各个部分综合起来，树立一个完整的“音响形象”，在纳入到舞台气氛的整体形象之中，使观众能获得一个可感的立体形象。如果不对舞台音响进行艺术综合，那么，这样的舞台音响必定是单一的、零散的、破碎的。
例如在安徒生童话音乐剧《卖火柴的小女孩》中，主角小女孩倦缩在黑暗的墙角时，音响效果出现的风雪声，给观众感觉是一个寒冷的风雪交加，饥寒交迫的场景，随着小女孩划亮一根又一根的火柴，音响效果风雪声渐渐淡弱.消失，火柴的温暖赶走了黑暗，驱散了寒冷。由于效果的出现，渲染了舞台气氛，不知不觉地将观众吸引到剧情中去。
五、结论 音响效果在舞台气氛中的作用，逐渐被人们所重视，随着社会的发展，科学技术的不断进步，千变万化的新型音响设备涌现出来，这就要求我们更新观念，接受新事务，掌握新设备的功能和技巧，进一步挖掘和总结经验。一方面，在理论上弄清楚，另一方面，用理论去指导实践，不断提高自身的艺术修养等等。
只有这样，才能在舞台气氛中，把音响效果达到理想的最佳状态。让人们观赏完圆满的舞台气氛的展现之后，真正的感受到音响效果是十分重要的，是令人难忘的。
在成功的舞台气氛的展现中，音响效果应摆在举足轻重的位置。