众文网1.求一篇《视觉传达与设计》的毕业论文,3000字左右
本文在对视觉传达设计师各个创作阶段进行了详细分析的基础上，从视觉传达设计师的非数字化创作时期及数字化创作时期出发，将个人创作的完全独立时期、合作创作时期和主导创作时期进行比较，得出了创作独立性不是一个单纯的线性发展的历史，而是随着时代不断发展变化的事件。
文章最后讲述了关于认识创作独立性对于我们规划未来的现实意义。 在上个世纪二十年代，书籍设计者维岑斯创造了“视觉传达设计师”这个名称，形容“使印刷传达有结构和视觉形式的个人活动”①行为。
它的意义在很大程度上预示了视觉传达设计师工作方式的独立性。从传达设计开始的一个人独立工作的创作方式，到现在由自己决定创作概念并同他人合作的创作方式，设计师们的创作状态有了很大的变化。
如何正视这种变化，正确认识到自己的创作独立性所处的状态，从而帮助我们更好的发展，是非常值得我们关注和思考的。 一 独立创作的视觉传达设计师 1.1 非数字化时代的视觉传达设计师 在数字化设计高度发展以前，每一个设计师在设计创作时，基本上从头到尾都是一个人包干。
他们通过一个人去探索主题的计划性，掌握用颜料绘画不容许有失误的技术能力，进行个人创作，直至完成作品。他们这种独立创作状态和现在处于学习阶段的视觉传达者的创作状态极其相似。
正如我们所知，视觉传达设计的历史并不长，很多的设计师现在依然从事着设计工作。例如：日本的田中一光、福田繁雄、户田正寿、南部俊安，波兰的Wieslaw Walkuski等。
在欣赏他们的作品时不难发现，虽然不是在同样的时间、地点进行创作，但他们都具有相同的特征，即扎实的手绘功底，以及从他们独特的个人视角诠释的设计作品。正如户田正寿所说：“多少年前，在设计创作时，我基本上从头到尾都是一个人包干的。”
②他们所处的正是非数字化时代的视觉传达设计师的一种普遍状态，即在创作概念、制作过程上拥有主控性的独立创作状态。相对与他们，数字化时代的创作者的独立性就有了些限制，但仍有这样的一部分人群拥有创作独立性，视觉传达学习者、独立创作的设计师占拥有创意独立性人群的绝大部分。
1.2 数字化时代的视觉传达学习者 社会的不断发展，使越来越多的人通过学习关于视觉传达的知识，掌握了如：Photoshop、FreeHand、Illustrator、Coreldraw这样的数字处理软件，期望能就此走入视觉传达的设计世界。他们大多通过进行假的设计课题，或参与非商业性质设计比赛的方式来学习。
在这种脱离了市场运作的状态下，他们也同样拥有对创作概念上的主控性。最普遍的例子就是在学校学习的平面设计专业的学生，当然还包括喜欢视觉传达这个活动的人。
在中国平面设计在线设计长廊的竞赛传真③中的16个展示中，设计者不仅是设计师们，还有更多处于学习阶段的人们。对于同一个比赛命题，正是因为有了创作者在创作概念上的主控性，才有了这缤彩纷呈的设计。
想在结束学习后继续保持其创作独立性，就需要定准自己的目标，是与人合作还是进行个人创作。最好能多观察数字化时代的独立创作者的创作与运营方式，结合自身的实力求发展。
1.3数字化时代的独立创作者 同视觉传达学习者有所区别的是，数字化时代的独立创作者大多是应运市场要求和个人愿望而诞生的个人工作室的创立者，或大型设计公司的设计总监、艺术指导类的设计师。在市场的双向选择下，这些创作者依照客户的要求进行着设计创作，他们同样拥有对设计创作概念上的主控性，有时还不仅如此。
户田正寿认为“作为艺术指导，首先要做的工作是决定创作概念，定了概念之后，就要挑选合适的创作人员。挑选创作人员时最重要也是最关键的事，是一定要合适那个创作概念的。
否则，即使那人再优秀，也还是不用为好。②”从他的观点中不难发现这类人的创作独立性已经发生了改变，更多的是对关键事宜的独立思考，且其垄断和主控性在此得到了一定的体现。
不过这并不是说他们不需要合作，脱离社会的设计是不存在的。 以上三类视觉传达设计师虽在创作方式上有所不同，但数字化时期和非数字化时期的设计师有一个本质上的相同点，就是他们都是独立的创作者。
但正如历史的发展不是一成不变的一样，设计师的独立性也是不能用是否数字化来区分的，它始终是个发展的事件，独立性的变化和发展趋势就是对这种螺旋形运动的事件的分析。 二 视觉传达设计师创作独立性的变化 成为一个视觉传达设计师就如同其他专业的人一样，都有一个学习的过程，因此从历史的普遍性上讲，他们大多都有过如下的几个时期：技术上学习，思想上独立的创作状态→技术上合作，思想上也合作→技术上合作，思想上独立的创作状态。
我们不难发现这其中有个循环的变化。但设计师的这种循环和一般时间的那种线性链接的循环是迥然相异的，不光是设计师个人上的不同，更大的不同在于现代社会融合的趋势使得设计师们的独立创作状态，在不断的复杂互渗之中有别与最初的独立状态。
2.1个人创作——即完全独立状态 这是一种完全按照个人的意念、愿望来进行创作的状态。学生的创作和部分设计师的意念创作，还有。
2.视觉传达毕业论文怎么写?
本文在对视觉传达设计师各个创作阶段进行了详细分析的基础上，从视觉传达设计师的非数字化创作时期及数字化创作时期出发，将个人创作的完全独立时期、合作创作时期和主导创作时期进行比较，得出了创作独立性不是一个单纯的线性发展的历史，而是随着时代不断发展变化的事件。文章最后讲述了关于认识创作独立性对于我们规划未来的现实意义。
在上个世纪二十年代，书籍设计者维岑斯创造了“视觉传达设计师”这个名称，形容“使印刷传达有结构和视觉形式的个人活动”①行为。它的意义在很大程度上预示了视觉传达设计师工作方式的独立性。从传达设计开始的一个人独立工作的创作方式，到现在由自己决定创作概念并同他人合作的创作方式，设计师们的创作状态有了很大的变化。如何正视这种变化，正确认识到自己的创作独立性所处的状态，从而帮助我们更好的发展，是非常值得我们关注和思考的。
一 独立创作的视觉传达设计师
1.1 非数字化时代的视觉传达设计师
在数字化设计高度发展以前，每一个设计师在设计创作时，基本上从头到尾都是一个人包干。他们通过一个人去探索主题的计划性，掌握用颜料绘画不容许有失误的技术能力，进行个人创作，直至完成作品。他们这种独立创作状态和现在处于学习阶段的视觉传达者的创作状态极其相似。正如我们所知，视觉传达设计的历史并不长，很多的设计师现在依然从事着设计工作。例如：日本的田中一光、福田繁雄、户田正寿、南部俊安，波兰的Wieslaw Walkuski等。在欣赏他们的作品时不难发现，虽然不是在同样的时间、地点进行创作，但他们都具有相同的特征，即扎实的手绘功底，以及从他们独特的个人视角诠释的设计作品。正如户田正寿所说：“多少年前，在设计创作时，我基本上从头到尾都是一个人包干的。”②他们所处的正是非数字化时代的视觉传达设计师的一种普遍状态，即在创作概念、制作过程上拥有主控性的独立创作状态。相对与他们，数字化时代的创作者的独立性就有了些限制，但仍有这样的一部分人群拥有创作独立性，视觉传达学习者、独立创作的设计师占拥有创意独立性人群的绝大部分。
1.2 数字化时代的视觉传达学习者
社会的不断发展，使越来越多的人通过学习关于视觉传达的知识，掌握了如：Photoshop、FreeHand、Illustrator、Coreldraw这样的数字处理软件，期望能就此走入视觉传达的设计世界。他们大多通过进行假的设计课题，或参与非商业性质设计比赛的方式来学习。在这种脱离了市场运作的状态下，他们也同样拥有对创作概念上的主控性。最普遍的例子就是在学校学习的平面设计专业的学生，当然还包括喜欢视觉传达这个活动的人。在中国平面设计在线设计长廊的竞赛传真③中的16个展示中，设计者不仅是设计师们，还有更多处于学习阶段的人们。对于同一个比赛命题，正是因为有了创作者在创作概念上的主控性，才有了这缤彩纷呈的设计。想在结束学习后继续保持其创作独立性，就需要定准自己的目标，是与人合作还是进行个人创作。最好能多观察数字化时代的独立创作者的创作与运营方式，结合自身的实力求发展。
1.3数字化时代的独立创作者
同视觉传达学习者有所区别的是，数字化时代的独立创作者大多是应运市场要求和个人愿望而诞生的个人工作室的创立者，或大型设计公司的设计总监、艺术指导类的设计师。在市场的双向选择下，这些创作者依照客户的要求进行着设计创作，他们同样拥有对设计创作概念上的主控性，有时还不仅如此。户田正寿认为“作为艺术指导，首先要做的工作是决定创作概念，定了概念之后，就要挑选合适的创作人员。挑选创作人员时最重要也是最关键的事，是一定要合适那个创作概念的。否则，即使那人再优秀，也还是不用为好。②”从他的观点中不难发现这类人的创作独立性已经发生了改变，更多的是对关键事宜的独立思考，且其垄断和主控性在此得到了一定的体现。不过这并不是说他们不需要合作，脱离社会的设计是不存在的。
以上三类视觉传达设计师虽在创作方式上有所不同，但数字化时期和非数字化时期的设计师有一个本质上的相同点，就是他们都是独立的创作者。但正如历史的发展不是一成不变的一样，设计师的独立性也是不能用是否数字化来区分的，它始终是个发展的事件，独立性的变化和发展趋势就是对这种螺旋形运动的事件的分析。
3.视觉传达毕业论文怎么写?
二 视觉传达设计师创作独立性的变化 成为一个视觉传达设计师就如同其他专业的人一样，都有一个学习的过程，因此从历史的普遍性上讲，他们大多都有过如下的几个时期：技术上学习，思想上独立的创作状态→技术上合作，思想上也合作→技术上合作，思想上独立的创作状态。
我们不难发现这其中有个循环的变化。但设计师的这种循环和一般时间的那种线性链接的循环是迥然相异的，不光是设计师个人上的不同，更大的不同在于现代社会融合的趋势使得设计师们的独立创作状态，在不断的复杂互渗之中有别与最初的独立状态。
2.1个人创作——即完全独立状态 这是一种完全按照个人的意念、愿望来进行创作的状态。学生的创作和部分设计师的意念创作，还有一些为自己进行个人推广而进行的创作状态都属于这个范畴。
追求和表现自己独特的观念、认识，并创作出能有效体现设计思想的作品，是这种创作状态存在的根本原因。维也纳的设计师卓思乐认为：“设计必须有个人风格，并传送艺术信息，个人的演绎最为重要。”
④他的话在很大程度上描述的正是个人创作状态的设计师们的心里所想。这种状态如果向极端发展就会造成设计师的理想与市场的脱离，但如果发展得好就会获得巨大的成功。
我在对艺术资源网世界设计师中列举的54名设计大师的统计中发现，仅有丹·赖辛格、塔帕尼·阿尔托姆、小岛良平、约瑟M·特里亚、松永真5位设计师在设计公司或广告部门工作过，其余的49名设计师要么在学校任职，要么就在毕业的时候就创立了自己的工作室或协会。他们大多都通过参加各种国际性展览来展现自己，其作品也大都被各博物馆和美术馆收藏。
这可以说是个人创作状态成功方式的具体例子。当然，我们也不能忽视事物的背面，随着社会的发展设计被放到了一个很高的位置上。
于是，一些设计师便产生一种“救世主”的心态，似乎一切问题都可以通过设计来解决，他们往往认为自已的思想走在普通消费者之前，而消费者根本不懂设计，因而不屑于了解消费者的思想，反而责怪消费者不懂得欣赏自己的设计，就象一个孤芳自赏的“现代艺术家”。沃尔特·格罗庇乌斯在1922年就曾意识到这点：“我们都很清楚。
我们周围的事物都不是孤立存在的，而是以我们发展中的哲学为后盾的。”⑤包豪斯也曾意识到这点——“一旦包豪斯失去与外部世界的工作及其工作方式的联系，它将成为怪人的避难所。
学校有义务训练那些清楚地了解他们所生活的世界的本质的人和那些有能力用他们的综合知识和想象力来创造能够象征这世界的典型形式的人。”⑤因此，我们应尽量避免进入这样盲端的个人创作当中。
应当记住设计最终是为传达信息，传播资讯，与客户、技术人员以及更多的相关人员的合作能够更好的实现设计的最终目的。至于怎么样既保持创作独立性又能实现最佳的传播，在合作创作及主导创作的分析中有详细的说明。
2.2 合作创作——参与创作但服从创作概念的制作 合作创作讲的就是合作，同客户合作；同设计同行合作；同需要我们的人合作。它同个人创作有着一种承接的关系，当然那种“我如何去想，决定了我怎么去设计”的想法在此是绝不适用的。
随着社会分工的细化，进入公司后的设计师大多从事的是局部的设计与调整，对于创作概念的决定上处于被动的位置上。只有在设计师在做自我推广时，才恢复到独立创作的个人状态中。
当个人创作状态的学习者初融社会时，就会面临这样一个需要转变态度的时期。 自动装置（伦敦皇家美术学院研究生视觉传达课程的产物）认为：“设计必须与客户合作，必须鼓励对话与增长创意，以建立吸引人们目光与注意力的支流。
每个设计都以平等的方式处理，每个解决方案都是一个不断发展中的对话的自然而然的产物。”⑥“骑工作室”始终把同客户的交流作为他们创作过程中的重要方面。
在《非常设计——世界著名工作室作品展例》所列举的42个工作室里有5个象这样明确指出同客户合作重要性的工作室。在与客户合作的基础上最大的变化就是创作概念的主控性上的转移。
大多没有社会实践经验的设计师，最初进入公司的时候只是整个设计流程中的一个工作部分。从文案创意到设计中的美工、设计师、美术指导都是服从于创作概念的。
如果说一个设计分为：构思过程--创造事物（或产品）的意识，以及由这种意识发展、延伸的构思和想法。行为过程--使上述构思和想法成为现实，并得以最终形成客现实体（或产品）的可行性判断和形成过程。
实现过程--以最合目的性、实用性和经济价值为目标贯穿于整个设计活动.并将完成的事物（或产品）实现其所应有的综合价值。处于合作时期的设计师大多就只是行为过程的执行者。
这个时期也许压抑了很多设计师的个人化语言，但我们依然有展示自己的空间。台湾有一个名为“垃圾桶里的创意”的设计比赛，所有只要你自己认为是好的设计，不论是被主管还是老师枪毙过的作品都可以参加。
它宽泛的参赛资格（只要对创意工作有兴趣，不分社会人士或学生，黑秀网会员或非会员皆可参加。⑦）就是为了提倡不论在什么时期都应重视个人的创意，而这正是对创作概念主控性追。
4.视觉传达设计论文
原发布者：龙源期刊网
摘要：视觉传达设计简单的说就是通过视觉媒介表现传达给观众的设计，其最早的表现形式为平面设计。但随着数字化媒体技术的发展和广泛应用，视觉传达必须要在新媒体、新技术、新工具的影响下，开始向多元化创新的道路迈进，以达到更好地将信息传达给受众并对受众产生一定影响。
关键词：视觉传达；设计；创新
设计艺术发展的过程本身就是一个不断创新、不断进化的过程。视觉传达设计就是平面设计随科学技术发展而不断进化、演变、创新而成的以视觉媒介为载体，利用视觉符号表现并传达信息的设计。因此，视觉传达设计作为传递信息的一种手段，那么如何有效的、无误的将信息传达给受众是设计者们必须思考的问题。但是，在21世纪科技高速发展的今天，视觉传达设计如果仅局限于将信息有效、无误地传递出去，那无疑的很快就会被受众们淘汰。既然，静态视觉设计已经不能满足新世纪的要求，那么将创新作为研究重点，以创新的角度审视视觉传达，最终使视觉传达设计发生质的变化同时能准确无误地传达信息。
托马斯·彼得斯说：“距离已经消失，要么创新，要么死亡。”在这个信息大爆炸的时代，千篇一律无法满足不同人群的审美需要，有独特的创意尤为重要。视觉传达设计也不例外，只有不断打破旧的思维模式，不断改变创新，才能历久弥新。如今在社会经济利益的驱动下
5.视觉传达毕业论文怎么写?
书籍封面设计技巧 书籍装帧设计是专门的学科，如果展开了说，应该是一本书的内容.因为它绝不仅仅单指图书封面的设计，而是包括开本、纸张、四封、扉页、内文、环衬、护封、页码、印刷、装订等整体塑造图书的过程。
作为文字编辑，当然不以设计为主业，但是，掌握一定的设计知识，有利于与设计人员的沟通，能够更好地把握自己所编图书的整体风格和品位。在这里，我无意对设计作理论上的阐释，只想结合文字编辑在工作中遇到的一些实际问题，提取几个关键的概念，谈点个人体会，希望能够帮助文字编辑对书籍设计有一个概括性的了解。
简单地说，就是六个字，五个词和五句话。一、这六个字是：点、线、面、黑、白、灰。
1.点、线、面，是构成设计语言的基本要素。在设计师眼中，一切空间的存在，都是由点、线、面组成的。
它们互相交织、融合、衬托，形成一种秩序和韵律。书装设计就是运用点、线、面的天地。
如一个字、一个小的图形就是点，一行整齐排列的字就是线；一个图形是面，一片文字也是面，而面的边缘还是线。版式设计，纯粹就是运用点、线、面来组织。
2.黑、白、灰，是指设计作品的明暗关系。任何视觉艺术，不管其形态多么复杂，变\化多么丰富，归结起来，都是在体现黑、白、灰之间的相互关系。
处理得好，看起来就舒服；否则，就会给人以灰暗、杂乱的感觉。在书籍设计中，处理好黑、白、灰\的关系尤为重要\。
3.点、线、面与黑、白、灰并不是孤立存在的，它们往往是一种形态的不同表述方式。比如在一块版面上，字块的地方由密集的线组成，构成灰面，插图或重标题形成了黑，四边就形成了白。
一个版式设计的好坏与否，很大程度在于这几个关系处理得如何。 4.版式设计最基本的要求是要方便读者阅读，它能与文字内容很协调，对理解内容有帮助，使人阅读时感到很舒服；但它又不越位，似乎并不存在，不会影响人的阅读过程和情绪。
版式的技巧在于看不出技巧，而不是独立于文字之外，让读者突出地感受到它。版式设计的关键在于运用点、线、面和黑、白、灰的协调手段，调整好版芯和四边空白的比例，选用适当的字体和行距。
要注意配合读者阅读的节奏，加强篇首页和章节标题的设计，字体不可太花，一般情况下在一个版面中变化不超过四种。如无特殊要求，最好不要在四边空白处随意安放图案，因为那样，表面上看起来活泼，实则会分散读者的注意力。
二、五个词是：字体、图形、色彩、构图、格调。 1.字体在封面中应作为图形来处理，所以，除了字意的准确外，更多地要考虑它在整体构图中的位置和字形、大小、疏密、风格。
我个人体会是慎用手写体字和不规则形字体。不是不能用，而是难度较大，不如印刷体来得保险。
因为选用印刷体，即便不太合适，也差不到哪去，但手写体用不对，就会对整体设计带来致命的伤害。 2.图形分具象和非具象两类，要根据书的内容加以选择。
如纪实性的，宜选用具象的；如浪漫题材的，宜选用非具象的。而且选取的图形一定要和文字相互搭配，构图取势和主体风格上应一致。
3.色彩是先于文字和图形打动读者的视觉第一语言，每本书的主色调应该符合文字内容的基本情调和作品的风格。虽然每个人对色彩的感觉是有差异的，但对色彩的象征含意的认识毕竟有共同性，如白色代表纯洁，蓝色代表浪漫，紫色代表神秘，绿色代表生命等等。
我们可以依据人们对色彩的普遍的认识和感觉来确定书的主体色调。 4.构图有一些基本模式，应该牢记在心，以便在此基础上灵活运用。
它的规律重要的有三点：一是对称，是指将设计元素以中轴线或中心点同形同量的均匀分布。它的长处是稳定、庄严，适用于内容比较严肃的图书。
但它同时也存在缺少变化、单调呆板的缺点。二是均衡，均衡的原则是等量不等形。
是指将设计元素不等距离摆放，而是有大有小、有轻有重、有远有近，给人心理上的平衡感。成功的均衡处理既在情理之中，又在意料之外，令人感到活泼、轻松、生动、有趣。
能够突出体现图书的内容精神和设计者的艺术品味与聪明智慧。三是对比，对比是指将不同质和量形成的相反的东西放置在一起，给人产生视觉上的区别和差异，如大小、高低、粗细、远近、疏密、黑白、繁简、虚实等等。
应用对比方式可使画面产生变化和节奏感，使主次分明，大得更大，小得更小，形象更为突出。但对比也要讲求度，画面应有整体感。
如果只讲对比不讲协调，就会显得零乱，花哨，没有中心，失去美感。 5.尽管设计者都在运用相同的艺术规律，但作品呈现出的格调却是差别很大的。
古人云：什么病都医得，惟俗不可医。书是雅的东西，切不可等同于一般商品。
应该体现设计者独特的创意，而不是电脑效果的大拼盘。现在国际上图书设计的流行趋势，越来越倾向简约朴素、优美高雅的风格，应该引起我们的反思和关注。
三、我要对封面设计说的五句话是： 1.宁简勿繁。 简洁可使设计意图明确，而明确的图形会具有很强的视觉冲击力。
要尽量用少的设计元素营造丰富的画面。去掉一切多余的东西，不要把设计语言说完，要把想象的空间留给读者。
我们有些编辑总想在封面上表达太。
6.求篇 视觉传达的论文 4000字左右 急需
视觉传达设计系统在多语种边境民族地区的
应用现状和发展趋势
谭有进
（中央民族大学北京邮编：100081）
摘要： 在经济全球化的语境下， 以视觉信息传达系统极为发达的北京等中心城市作为
参照，比照边境多民族地区在本领域的应用情况。该系统总是从经济文化中心向边缘地区逐
步推进，呈现出国际性、边缘性和民族性。视觉设计传达系统渐趋标准化。另一方面，边境多
民族地区的文化体系受到外来文化的冲击，边缘化趋势加剧。
关键词：边境多民族地区视觉信息传达应用趋势
中图分类号： G2 文献标识码：A 文章编号：1006 - 9410(2007) 04 - 0013 - 04
引言：
在全球化的文化和经济背景下， 研究视觉传
达在非都市地区或非主流区域的应用， 显得十分
重要。我们认为：大都会的视觉传达系统比其他区
域都要发达， 而来自边境多民族环境中的可能还
处于原生态向系统化过渡的一种状态。因此，研究
视觉传达在该类区域的应用， 就具有案例解剖的
学术价值。
从定义上看，设计就是具有美感经验、使用功
能的造型活动。而视觉传达设计就是用视觉因素
来沟通、说服的造型活动。对经济实体来说，更有
效地管理企业对外部的视觉信息传达， 才能产生
最大经济效益。对于公共管理部门来说，有效准确
的视觉信息传达，对服务大众、改善投资环境和提
高管理水平，也是很有帮助的。
1. 各层次区域的表现特点
对考察对象进行层次化的梳理， 主要是从中
你好，我检索到了相关论文资料，需要的话请加我QQ,497267666，谢谢
7.毕业论文《论视觉传达设计的不可替代性》nbsp;2500字的开题报告怎
我国现行学科分类是长期受计划经济模式影响的产物，既缺乏科学依据又层次混乱。
1998年将装潢艺术设计、染织艺术设计、陶瓷艺术设计、室内与家具设计、装饰艺术设计、环境艺术设计、服装艺术设计等7种专业合并为“艺术设计“一个专业，是对设计教育发展的倒行逆施，如不抓紧纠正，必将产生更为严重的负面影响。高等教育应当着力培养日益细分的职场所需要的专业人才，视觉传达设计是紧随时代发展的，由多学科交叉融合而形成的多种细分专业所构成的学科类（也称二级类）。
视觉传达设计的特殊性，该学科类各专业的相互关联性和学科归属性，决定了这种学科类的地位是不可替代的。关键词：视觉传达；学科；专业；艺术学；设计学随着中国的开放改革和社会主义市场经济体制的构建，更加凸显出我国高校的设计教育明显滞后于社会经济发展的现实需要，也滞后于现代设计的实践活动。
这个问题，长期以来没有能够得到根本解决，并且矛盾愈加突出。视觉传达设计的教育则表现得尤其明显。
承认视觉传达设计的学科地位，尽快建立起适合中国传统文化与现代科学技术相结合的，形成有利于生产力高效益发展的视觉传达设计教育体系，是现阶段以及今后相当长的一段时期我们国家社会经济发展的需要。1.前提：艺术学和设计学都有作为一级学科门类的必要条件和充分理由教育部1998年颁布的《普通高等学校本科专业目录》与此前一年的《授予博士、硕士学位和培养研究生的学科、专业目录》的学科分类基本一致，分设哲学、经济学、法学、教育学、文学、历史学、理学、工学、农学、医学、军事学、管理学十二个学科门类。
学科门类下设二级学科“类“，再下是“专业“若干种。这种分类是长期受计划经济模式影响，思想还没有得到解放的产物。
既缺乏必要的科学依据，层次也是混乱的。居然把艺术学划在文学门类，把体育学划在教育学门类，显然是对这两个学科的独特性缺乏了解。
著名设计教育家尹定邦1999年初对此就进行了尖锐的批评：“设计学则是既有自然科学特征又有人文学科色彩的综合性的专门学科。就这一点而言，传统的学科划分规范就显得过于拘谨和迂腐。
“①完善社会主义市场经济体制是党的十六大提出的重要任务。中央还提出在十一五期间要深入实施科教兴国战略和人才强国战略，把增强自主创新能力作为科学技术发展的战略基点。
科学发展观是符合客观规律、实事求是、切合实际的发展观，学科的再分类不能继续沿用计划模式的老路。社会主义市场经济体制下的学科分类，不应当是“指令性“的，而应该是“指导性“的。
每个学校应当根据自身学科建设和市场情况，确定专业和院系的设置，不应受到学科分类的束缚。但是我们又不得不看到，学科分类在我国现阶段仍然有着特殊重要的作用。
因为学科分类往往是计划的依据，对于院校、专业、学位的设置有着直接的影响。因此，教育改革首先必须触动学科分类这一敏感问题。
著名经济学家钱颖一博士提出的学科分类改革思路，既具有科学性，也符合中国国情：“我建议学科分类做如下改变，仍保留12个门类，但做重新划分。在基础学科层次分为3类：（1）自然科学（即目前分类中的理学）；（2）社会科学（包括目前分类中的经济学、法学中的政治学和社会学、教育学中的心理学等）；（3）人文（包括目前分类中的文学、历史和哲学）。
在实用学科层次分为8类：（4）工学；（5）农学；（6）医学；（7）法学；（8）教育学；（9）管理学；（10）军事学；（11）艺术学；（12）体育学。“②nbsp;nbsp；将艺术学确定为实用学科层次的一级学科门类，是科学地正视了艺术学学科的独特性，有利于学科发展和国际交流。
1998年的专业目录在十二个学科门类下设二级类71个，把专业种数由504种减少至249种，调减幅度为50.6%，艺术类中其他学科的专业种数也只是减少了一半。但是，却把随着改革开放而方兴未艾的我国产业发展急需的，“既有自然科学特征又有人文学科色彩的“，招生总量占艺术类60%以上的装潢艺术设计、染织艺术设计、陶瓷艺术设计、室内与家具设计（部分）、装饰艺术设计、环境艺术设计、服装艺术设计（部分）等7种专业，一股脑合并为“艺术设计“一个专业。
且不论随着我国改革开放，这些年这些专业的发展和社会的需求，就算与其他学科门类同步“调减“，也没有必要非把7个专业变为一个专业。使得各个学校都很无奈，不得不按“专业方向“招生和组织教学。
这种“改革“完全是倒行逆。
8.谁能给我视觉传达实习报告啊
视传系学生专业实习报告——我在淘宝网的日子
一次偶然的机会，让我在天空论坛上，看到淘宝网招聘实习生的帖子，怀着试一试的心态提交了人生第一份个人简历和作品集。刚提交简历2个小时以后，淘宝网的HR（人力资源部）打来电话，让我第2天上午9点去公司面试。接完电话，当时真的感觉很意外，能去面试了那就有一半的机会了，因此自己那晚准备了很多，心想机会就一次，不能放弃，明天一定要努力。 第2天早早的来到公司坐在前台等待。公司位于文2路西湖国际科技园，离学校有些远，转了3趟车才到。虽然路程远了点，但如果能进来实习，再辛苦对我来说也没什么。9点到了，HR的人带我去了一个小会议室。给我面试的有2个人，一个是HR的，一个C2C渠道拓展部的（也就是以后我的师父）。他们问我的第一个问题：“你为什么想来实习”。我回答到：“学校学的东西，迟早是要走向社会的，来实习是想好好的锻炼自己，多学东西……”然后他们又问到：“你谈谈对商业广告的看法”。这个问题完全就靠平时课堂上听的一些东西来回来，我也说了一大串，不知道他们满意不。他们又看了我的作品集，在我的作品上提了很多的问题。最后就问了些我软件怎么样，工作量很大，能不能够吃得消等等。40多分钟的面试结束了，我对自己的面试还是比较满意的，但不知道成功与否了。只是在等待…… 过完5.1长假，原本不报希望的，突然接到了HR打来的电话，通知我下周上岗了。那时的心情很高兴。马上给家人打电话，告诉他们这个好消息。当我告诉了他们后，他们不支持，认为我现在大2去实习会耽误学习。因为去实习，每周都会耽误一半的时间。机会就一次，错过了就没了，不管怎么样我也得抓住这次机会。那几天就一直在和家人，学校做工作。家人和学校看我那么固执，也就勉强同意了。从那时起我就公司学校2边跑，虽然累了点，但是过得的确很充实。 刚去的第一个月，我的任务是展示设计。现在淘宝网推出了新的一种购物模式---实体店铺目录代购，就是说需要我设计实体店铺的平面图和室内装修的效果图。这对我一个大2的学生来说，难度似乎是大了点。但是有师父的耐心指导，还是让我慢慢的做了出来。最开始的平面图我是直接在纸上画好草图，再用CorelDraw做出来的。由于淘宝网的电脑安装软件有限制，就只有用microsoft visio做平面图。 第二个月，我的任务是网店的设计，这对我来说又是一个挑战。就是设计还是没问题的，问题就在设计出来的东西要弄到网上去。这就需要用到Dreamweaver，这个专门做网页的软件。晚上就在网上看教程，白天就在公司做。先设计好，然后到Photoshop里去切片，再把切好片的小图片上传到相册里去，最后到Dreamweaver里编辑代码。 第三个月，我的任务就是一些物料的设计。因为在我以前设计的实体店铺都已经全部装修完了，现在就需要在店铺里面贴一些海报，促销DM之类的东西。在学校我们学的是软件是CorelDraw和Photoshop，我做这些也都是用这两个。在这个月里，我学到的东西就是跟印刷有关的。我们做出的都是要印刷成册投放的，因此在编排的时候特别要注意出血线，颜色准确值，材质等。要保证在电脑看的，跟拿到手里的效果一样。 第四个月，我的任务是目录的设计，通过前面3个月的工作，渐渐的也熟悉了，做起来也是比较轻松的。目录设计是个比较庞大的任务，也是个长期的任务的，这个主要就是排版。怎么在一张纸上放更多的产品，但是又不乱，阅读性又强；怎样的排版最能达到促销效果；最样的排版最能让顾客有购买欲望……这些都是需要我在编排中去解决的。在这个月里，我学到的就是：在商业的设计中，更多的需要考虑大众的审美角度。记得我刚做的几张，自我感觉很好，认为运用了很多构成法则，比较有个性。但作为广大的消费者来看，就不认为好了，他们认为怎么样看起来舒服有购物欲望，这才是好的目录设计。 第五个月，我的任务依然是目录设计。从这个月开始，目录设计全部得用Adobe Illustrator 软件做，这是印刷公司要求。因为AI印刷出来的东西，误差会很小，颜色相对要准确的多。特别是文字，如果在PS里8号以下的字，印刷出来有点糊，清晰度不够，阅读起来会很吃力；如果在AI里就不会出现这种情况了。现在的大广告公司，作图软件都是AI,CorelDraw处于半淘汰的状态了。因此这个月里，更多的还是要把AI学好用熟练了。 时间过的也真快，5个月很快就过去了。总结一下，感觉自己学到了不少东西。但设计的路程还很漫长，而我也是刚刚启程。
9.视觉识别设计论文
1//////视觉识别系统设计
企业形象识别系统是英文“Corporate ldentity Sestem”的中文翻译，简称CIS，其理论的发源地一般认为是在美国。
50年代中期，美国IBM公司在其设计顾问：“透过一些设计来传达IBM的优点和特点，并使公司的设计在应用统一化”的倡导下，首先推行了CI设计。
60年代初美国一些大中型企业纷纷将能够完整树立和代表形象的具体要素是作为一种企业经营战略，并希望它成为企业形象传播的有效手段。
70年代CI理论引入日本，少数有远见的企业先行导入CI，并逐渐产生了功效。
进入80年代，中国南方一些企业也开始CI尝试。广东太阳神集团被认为是中国最早导入CI-S的企业，通过视觉元素的展现，较好的体现了企业经营理念和经营风格。
CIS包括三部分，即MI（理念识别）、BI（行为识别）、VI（视觉识别），其中核心是MI，它是整个CIS的最高决策层，给整个系统奠定了理论基础和行为准则，并通过BI、VI表达出来。所有的行为活动与视觉设计都是围绕着MI这个中心展开的，成功的BI与VI就是将企业富有个性的独特的精神准确的表达出来。
BI直接反映企业理念的个性和特殊性，包括对内的组织管理和教育、对外的公共关系、促销活动、资助社会性的文化活动等。
VI是企业的视觉识别系统，包括基本要素（企业名称、企业标志、标准字、标准色、企业造型等）和应用要素（产品造型、办公用品、服装、招牌、交通工具等），通过具体符号的视觉传达设计，直接进入人脑，留下对企业的视觉影象。
2//////如果你以前没有接触过VI，建议先看看其它公司的VI手册，相信你就能明白了。
3//////VI手册的尺寸可以自己定，一般用大度16开的比较多。
4//////VI的作用可以参看第一条，说白了，就是让人们能够产生一种视觉效应，就是统一的画面格式，一看就知道是哪个品牌或企业。
5//////VI里的内容，如信纸、明信片、牌匾等，可以自己定尺寸，也可以用比例来规定宽高比，然后由客户负责校对。
10.谁知道视觉传达专业的毕业论文怎么写
NO.1：构图图形的层次感 图形和元素之间的层次感，可以在干扰视觉的同时，突出自身所想体现的主题，这种表现方式往往是比较直接而且有效的方式。
我们所说的这种视觉干扰是在分散欣赏者多余视线的同时，更能注意到这一设计的主题上，为这种干扰方式所产生的图形是这个主题的辅助图形。 NO.2：构图的视觉线牵引 利用色彩或者元素来牵引欣赏者的视觉，让欣赏者随着设计师的的思维去思考和观看作品。
现在存在的大多数作品都是运用点、线、面来引导，以图形和元素出现的引导方式的作品比较少见。就像下面的这个图形，视觉的中心是中间的那一条白色的色块，及当中的文字，而在上下的张图片的交接处出现的那条蓝色的线段，就在牵引欣赏者的视觉移动到图形中的文字和其他的小的图形上。
NO.3：色彩诱导 主体色块运用了红色和灰色，而大背景的白色块和红色行成了强烈的对比，灰色在平衡色彩的强烈对比的同时，也和红色起了一定的对比重用 NO.4：明暗诱导 利用由光感折射、光感捕捉、动态光感及明暗差异性的一些共性来衬托主题。 NO.5：瞬间捕捉 利用眼睛感官的瞬间接受、来捕捉视觉点。
NO.6：抓突破点 突破图形图象本身的视觉平衡点来达到视觉要求 运用图片素材的本身来寻找设计的突破点，依据图形自身所产生的空间感，光感，等一些突出的地方，来加以利用，从而突出设计的主题。 NO.7：比例大小 依据事物本身的比例关系，在等比的关系上追求视觉上的平衡关系、突破事物本身的等比关系，进而推出自身的视觉重点以求突破。
就如一些夸张漫画那样，一个大头小身子的人物形象，一种夸张的歪曲正常比例的方式，在不经意间往往能收来奇效。 NO.8：依据欣赏者的接受能力，及平常所说的感情，利用平时生活的一些元素，充分考虑欣赏者对图形的认可能力，以自然美及突破普通接受能力的残酷美来打动欣赏者的情感，以获得人们对图形的记忆。
NO.9：视觉幻象 利用视觉幻象得空间感来突出整体设计的视觉中心。 NO.10： 抽象的表现方式 运用色彩的对比突出主题的同时，也起到了一定的娱乐性，这样的作品容易让人有好感，而且比较不容易忘记。