众文网1.求摄影构图的意义和基本要求论文~
摄影构图的基本要求卡蒂埃—布勒松 ---论摄影构图
“构图”一词源于拉丁语，其本来意思为结构、组成或联结，而在摄影中则是指画面的安排，确定画面内各个组成部分的相互关系，以便最终构成一个统一的画面整体。这也就是摄影者为了表达思想内容而创造的整个造型结构，其中包括光与影，线条与色调等造型要素的组合。
迄今最负盛名的摄影构图大师，也许是法国著名摄影家亨利.卡蒂埃—布勒松。在长期的摄影实践中，他锻炼出了一双极其敏锐的眼睛，以至于他拍出的照片常常带有信手拈来的风格，但却都是深思熟虑的结构协调的作品。有趣的是，他的大部分作品都是用50nlm的标准镜头拍摄的，而极少用351nm或99mm等镜头拍摄。在摄影构图方面，布勒松有许多精辟的见解。l952年，他在《决定性的瞬间小—文中指出：
“一幅照片，要把题材尽量强烈地表达出来的话，必须严格地建立起形式之问的联系。摄影隐含有辨识功能，就是把真实事物世界的节奏辨识出来。眼晴的工作，就是在大堆现实事物中，找出特定的主体，聚焦其上。照相机的任务，只不过是把眼睛所作的决定记录在胶卷上而己。正如对绘画作品一样，对待摄影作品，我们也是将它当作整体来观看和感受的，而这个整体，我们只须一瞥便可把握。在摄影 作品中，构图实际上就是眼睛所见到的不同元素的同时组合和有机组织的结果。由于内容和形式是不可能分割的，因此，构图是不可能事后补上的，不可能作为一种补贴在基本素材之上的事后设想。换句话说，构图必须具有必然性。
“摄影具有新的可塑性，就是主体运动时瞬间出现的线条所形成的。我们配合着运动而进行拍摄，仿佛运动本身就是按照着自己的预定方式展露着的生命似的。但是，在运动的过程中，会有特别的时刻，当这一瞬间出现时，动态进行中的各项因素都处于平衡状态。摄影的任务，就是要抓住这一瞬间，将其中的平衡状态把稳，并凝结动态的进行。”
布勒松认为：“摄影家的眼睛，永远都在评估出现在他眼前的事物。他只须移动1毫米的几分之一，便可以把线条吻合起来。他只须稍微屈膝，便可以将透视改变。把照相机放置在离主体近一些或远一些，他便可以刻画出某一细节——这细节，既可能相得益彰，也可能喧宾夺主。然而，对照片进行构图所需的时间，几乎是跟按动快门的时间一样的短，因为两者同是条件反射而已。
“有时，你得拖延一会儿，以等待适当的时机出现。有时，你会感到眼前的景物万事俱备，几乎可以拍成好照片了，只是还缺一点什么。缺的究竟是什么呢？也许，有人突然走进你的视线范围。你透过取景器，追踪他的行动。你耐心等待着，最后终于按下了快门。你抱着大功告成的感觉（虽然你不知道为什么），满意地离去了。以后，为了落实这种感觉，你可以把影像印成照片，细心分析照片中的几何图形。如果快门是在决定性的瞬间按下的话，你会观察到，原来你已本能地将某一几何模式捕捉下来了。要是没有了这几何模式，照片就会令人感到乏味，缺乏生气。”
布勒松指出：“构图是我们永远必须全力以赴的首要任务。然而，在拍摄的那一瞬间，它却只能从直觉中产生，因为我们当时是在捕捉稍纵即逝的时刻，而且，它所牵涉到的种种相互关系，都处在运动之中。应用黄金分割时，摄影者除了自己的眼睛之外，便没有什么规矩准绳可以遵循。任何几何分析，任何将照片之繁化为线条形式之简的工作，都只能在照片拍摄冲印之后进行。但是此时所能做的只是于事 无补的事后检查而已。我希望永远都见不到摄影机的取景器装上构图格出售，磨砂玻璃上也不会画上黄金分割的线条。” 布勒松是十分反对对拍摄好的照片进行任何剪裁的。
他认为：“对一幅好照片进行剪裁，那就无疑等于将正确的比例关系抹杀掉。况且，构图差的照片，能够通过暗室放大机将其剪裁而改为成功的例子，是绝无仅有的。因为，这样一来，当时视觉上的完整结合已不复存在了。关于照相机的角度，已有很多人讨论过了，然而，唯一有效的角度，只是几何构图上的角度，而不是由摄影师为了取得什么效果而俯伏在地上，或做些滑稽可笑的动作所得到的无中生有的角度。”
2.求摄影构图的意义和基本要求论文~
摄影构图的基本要求卡蒂埃—布勒松 ---论摄影构图 “构图”一词源于拉丁语，其本来意思为结构、组成或联结，而在摄影中则是指画面的安排，确定画面内各个组成部分的相互关系，以便最终构成一个统一的画面整体。
这也就是摄影者为了表达思想内容而创造的整个造型结构，其中包括光与影，线条与色调等造型要素的组合。 迄今最负盛名的摄影构图大师，也许是法国著名摄影家亨利.卡蒂埃—布勒松。
在长期的摄影实践中，他锻炼出了一双极其敏锐的眼睛，以至于他拍出的照片常常带有信手拈来的风格，但却都是深思熟虑的结构协调的作品。有趣的是，他的大部分作品都是用50nlm的标准镜头拍摄的，而极少用351nm或99mm等镜头拍摄。
在摄影构图方面，布勒松有许多精辟的见解。l952年，他在《决定性的瞬间小—文中指出： “一幅照片，要把题材尽量强烈地表达出来的话，必须严格地建立起形式之问的联系。
摄影隐含有辨识功能，就是把真实事物世界的节奏辨识出来。眼晴的工作，就是在大堆现实事物中，找出特定的主体，聚焦其上。
照相机的任务，只不过是把眼睛所作的决定记录在胶卷上而己。正如对绘画作品一样，对待摄影作品，我们也是将它当作整体来观看和感受的，而这个整体，我们只须一瞥便可把握。
在摄影 作品中，构图实际上就是眼睛所见到的不同元素的同时组合和有机组织的结果。由于内容和形式是不可能分割的，因此，构图是不可能事后补上的，不可能作为一种补贴在基本素材之上的事后设想。
换句话说，构图必须具有必然性。 “摄影具有新的可塑性，就是主体运动时瞬间出现的线条所形成的。
我们配合着运动而进行拍摄，仿佛运动本身就是按照着自己的预定方式展露着的生命似的。但是，在运动的过程中，会有特别的时刻，当这一瞬间出现时，动态进行中的各项因素都处于平衡状态。
摄影的任务，就是要抓住这一瞬间，将其中的平衡状态把稳，并凝结动态的进行。” 布勒松认为：“摄影家的眼睛，永远都在评估出现在他眼前的事物。
他只须移动1毫米的几分之一，便可以把线条吻合起来。他只须稍微屈膝，便可以将透视改变。
把照相机放置在离主体近一些或远一些，他便可以刻画出某一细节——这细节，既可能相得益彰，也可能喧宾夺主。然而，对照片进行构图所需的时间，几乎是跟按动快门的时间一样的短，因为两者同是条件反射而已。
“有时，你得拖延一会儿，以等待适当的时机出现。有时，你会感到眼前的景物万事俱备，几乎可以拍成好照片了，只是还缺一点什么。
缺的究竟是什么呢？也许，有人突然走进你的视线范围。你透过取景器，追踪他的行动。
你耐心等待着，最后终于按下了快门。你抱着大功告成的感觉（虽然你不知道为什么），满意地离去了。
以后，为了落实这种感觉，你可以把影像印成照片，细心分析照片中的几何图形。如果快门是在决定性的瞬间按下的话，你会观察到，原来你已本能地将某一几何模式捕捉下来了。
要是没有了这几何模式，照片就会令人感到乏味，缺乏生气。” 布勒松指出：“构图是我们永远必须全力以赴的首要任务。
然而，在拍摄的那一瞬间，它却只能从直觉中产生，因为我们当时是在捕捉稍纵即逝的时刻，而且，它所牵涉到的种种相互关系，都处在运动之中。应用黄金分割时，摄影者除了自己的眼睛之外，便没有什么规矩准绳可以遵循。
任何几何分析，任何将照片之繁化为线条形式之简的工作，都只能在照片拍摄冲印之后进行。但是此时所能做的只是于事 无补的事后检查而已。
我希望永远都见不到摄影机的取景器装上构图格出售，磨砂玻璃上也不会画上黄金分割的线条。” 布勒松是十分反对对拍摄好的照片进行任何剪裁的。
他认为：“对一幅好照片进行剪裁，那就无疑等于将正确的比例关系抹杀掉。况且，构图差的照片，能够通过暗室放大机将其剪裁而改为成功的例子，是绝无仅有的。
因为，这样一来，当时视觉上的完整结合已不复存在了。关于照相机的角度，已有很多人讨论过了，然而，唯一有效的角度，只是几何构图上的角度，而不是由摄影师为了取得什么效果而俯伏在地上，或做些滑稽可笑的动作所得到的无中生有的角度。”
3.浅谈摄影中的构图艺术（要论文）
一、总体概念： 一个好的构图，是一幅作品的核心，构图的气功与否直接决定了是否能够成为一幅好的 前提条件。
个人认为占到整个创作的50%，这也是使用同样的相机，在同样的地方，每一个都 能够拍出不同的作品的首要原因。 从构图的角度要讲，主要讲的是简洁（也就是简单明了，直奔主题），即宜少不宜多，宜 简不宜繁，宜大不宜小，宜缺不宜满。
下面我就这几个方面一一作以说明。 简洁： 也就是说构图的时候要简单明了，使用读者一眼能看出你要拍什么。
拍摄主体要居于首 要地位。 宜少不宜多： 拍摄时，根据环境所限，可能会有许多主体，我们就要根据个人意图，取主去次，选择 自己的拍摄目标，主体以一到三个为佳，如果超过三个则会分散注意力，使图片失去拍摄目标。
宜简不宜繁： 也就是尽量不要去所提出的拍摄过于繁杂的东西，很难于抓住主体，如果拍摄目标比较 复杂，你可取其中的一部分进行拍摄，从小处着手，以小景来表现大景，达到自己的拍摄目的。 宜大不宜小： 在许多时候，我们没有拍好一个物体，主要的原因是我们离的不够近，没有把目标拍大， 比如拍摄荷花，一枝荷杆、一朵荷花、一片残叶都能够构成一美丽的图画，而我们一般很难 离的更近。
如果你的精神可佳，难议你站在水里，站在荷花边上，我想你一定能找到非常好 的拍摄角度。 宜缺不宜满： 对于初学者来说，最容易犯的问题就是把整个画面拍的满满的，很少的空隙，这其实是 最可怕的问题，你最少得为画面留出三分之一的空来，例如图二的1、2、4部分。
二、风景构图 一般情况下我们在构图的时候可以把画面分为上下左右三 等份共九个部分，如图一、图二所示。 图一： 此主题相关图片如下： 图二： 此主题相关图片如下： 风景构图讲究有天有地，有前有后，有主有次，为方便我 将一幅图片的九个部分从一到九排序。
1、在构图中你必须保留天，也就是说要能看到天空或者空的 地方，按按照经验一般保留至2、3块空白， 如图一保留近四块（1、2、4、5），图二保留三块（1、2、4） 。 例： 2、主体要居于首要地位，同时还需要从体来进行配合，在这 里最需要注意的就是在风景构图中主体千万不能居中，如果居 中则构图显示呆板，没有活力。
（如图一选择主楼做为主体，同时选择后面的小楼补足左下方 的空缺） 3、要表现主体的最美的一面。 如图一，在拍摄的时候，因为当时的天非常蓝，我选择蓝天做 背景，而主体的楼如果从正面拍，则会形成一排平行的柱子， 不美观，从一个半侧面取景，人坐在地上从下向上拍，使柱子 边形成一条曲线，为这张图增加了活力。
4、在构图时，一般主体的主要部分需要占到画面的2/3或者 1/3，通常情况下，在选择竖图构图时，我们选择主体占到画面 的2/3，在选择横图构图时，我们选择主体占到画面的1/3，最需 要注意的就是主体不能占到画面的1/2，那样画面就会失去平衡 ，缺少美感。在原则上，黄多分割线构图是最佳的方法，也就 是主体的一边通过画面的黄金分割线。
5、当然，对于一线特殊的景物，根据实际需要我们可以打破 常规，构造一些特殊的构图，但一些原则性的东西还是需要注 意的。 例：这张是我用四张图片制作的全景图 三、微距构图 1、其实个人认为，微距构图是摄影构图中最简单的了，玩微距主要玩的是镜头与相机 功能。
比如我用过奥林巴斯C4000，具有超微距功能，其最近拍摄距离为2CM，这样你 就可以拍出非常棒的微距，比如苍蝇，比如蚂蚁。 例： 2、在微距构图上可以突破常理，使主体居中从而突出主体是一种非常不错的方法。
例：这是草丛中的一棵小蘑菇 3、微距的目的是从细微之处见精华，所以你并不一定要将主体拍全，只取其中的一 部分更能突出主体，比如拍摄花蕊，比如一片树叶的叶脉。当然，这对你的镜头要求 就非常高了。
例：这是一个寺院的下水道出口 4、在微距构图时要注意的还有使背景尽可能的虚化，使用相对纯色的背景，比如背 景整体偏暗或整体偏亮。 例： 5、在微距构图时使用相同的物体，一明一暗，一主一从（或一主几从），通过对比 更能增强视角效果。
例： 6、当然，无论如何构图，由于在微距摄影时相机与主体的绝对距离非常近，这时相 机的一点点振动都会影响成像的锐度与清晰度，所以绝对建议在拍微距时使用三角架， 并使用自拍功能。还有因为是小景，给你的人工布景造成了非常大的方便，也许在你 的沙发上，在餐桌上，你都可以人工布出非常棒的景色。
同时，微距摄影对于数码相机来说具有绝对的优势，一般数码相机的微距功能都在10CM 以下，而普通的单反最近距离基本都在20CM以上，而120以上的大画幅相机基本都在60CM 以上，相比较而言，数码相机具有非常大的优秀，那么快快拿起你的相机，拍拍身边的 一只打火机、一块手机、一只茶杯、一盒火柴、一片树叶，你会有惊人的发现。 四、建筑构图 1、从数码相机和单反相机的角度来讲，拍摄建筑物是非常不合适的，因为拍出的建筑物 会变形，最好使用移轴相机。
但是，那好东东一般人可是玩不来的，非常需要的精力太大。 其实我们也可以。
4.求构图学论文,关于"美术学绘画中的构图规则"\"形式中的文化底蕴
其实，用不着对绘画艺术做深入地研究，我们也会很清楚地知道东西方不同民族在绘画艺术方面存着的巨大差异，没有一个人会把意大利人的油画和中国人的水墨画混为一谈，只要远远地瞟上一眼，就能做出准确地判断。
因为它们风格迥异，给人的视觉以完全不同的感受。 西方绘画十分讲究透视法，所谓透视法，简单地说，就是用线条或色彩在平面上表现立体空间的方法。
世界是立体的，西方人没法不观察到这一点，然后他们聪明的大脑指挥他们灵巧的双手在白纸、画布和墙壁上如实地记录下他们看到的一切，西方写实主义绘画尤其强调对细节的刻画和还原生活的特性，他们严格地按照物体在同一空间中的大小比例进行描绘，也就是说，是按照近大远小，近高远矮的基本原理进行创作的。 所以物体在平面上也能呈现出具有长、宽、高三维空间感觉的立体效果，生动、逼真，给人以身临其境的感觉。
而东方绘画则不大讲究这些，在东方画家的意识中几乎没有透视的概念（但令人意外的是，埃及绘画竟然也与东方绘画一样，是一种平面的效果）。他们对透视的原理置之不理，我行我素地画了几千年这样的“平面画”，而且自得其乐。
试想，如果让一位西方画家，或者就是习惯了西方绘画的人去观赏东方绘画，他们会觉得大倒胃口，会奇怪东方人怎么不懂得运用光影造成的明暗关系来表现立体感，他们会觉得这简直就是小儿画，物体是贴在纸上的，完全没有悬在空间中的感觉。 这就是东西方审美之差异造成的迥异画风。
西方画家历来注重关注现实，善于表现生活中的真实场景，即使是虚构的一个情景也会用写实的笔法加以描绘，让人觉得真实可信。文艺复兴时期的绘画更加注重对人文思想和现实生活的表现。
本维纽图·塞林奈在表现一个庆典场面的时候极尽写实之能，他捕捉细节的能力叫人叹服，画面中一个体态臃肿的妇人款步走来，不慌不忙地在一个宫殿的门口聆听乐手们的演奏，她神态安详而自得，在悠扬轻缓的旋律中，她起开金光四射的盐罐，从里面取出一点盐来。 你分明觉得这是个活动的场景，而不是一个静止的画面。
这幅画在当时受到了普遍的欢迎。但严格说来，这幅画是不符合透视法的，所以它在绘画史上没有什么地位，因为在保罗·乌切洛（1397----1475）之后，没有表现透视关系的绘画，就不被认为是一幅好画了。
而伦勃朗的那幅著名的《解剖课》不仅成功地运用了透视法，还极为生动逼真地刻画了人物，表现了细节。画面中八个人物情态各异，栩栩如生。
解剖室里，学生们正在全神贯注地聆听老师的讲解。他们也许是第一次这么近地观察死去的同类，那僵硬的四肢和惨白的皮肤让他们好奇、害怕、紧张。
你似乎可以感觉到，此时，他们的下巴和胡须都在微微地颤动。当老师讲解停顿的短暂间隙，解剖室里寂静无声，只能听到手术刀切割尸体时发出的奇特声音。
伦勃朗把他们的内心感受和外在表情刻画得惟妙惟肖。 同西方画家一样，东方画家们也用肉眼观察世界，他们所见到的也一定和西方画家所见到没有什么两样，都是立体的、彩色的，但他们表现在画面上的却与现实世界完全不同。
东方的画家们丝毫也不在意表现主体的比例是否恰当，人物的五官看上去是否逼真。他们有另一种非凡的本领，他们注重营造意境——这种东西往往是现实中并不存在，而仅存乎其心的。
他们更注重主观感受的表达，他们是一群生活在梦幻中的“不切实际”的人，他们浪漫而又单纯。 也许他们觉得复制或照搬生活是愚蠢的，而艺术要表现的是经过眼睛的过滤，并且搀杂了心灵的感受之后再加以变形的世界，这就是我们看到的最能够代表东方绘画艺术的中国画家的水墨丹青——一种更加隽永、诗意、悠远和空灵的平面视觉艺术。
在中国传统的文人画里这种倾向表现得尤为突出，他们凭直觉挥洒，并不把技法放在第一位，他们认为过分强调技巧会妨碍他们思想与灵感的自由表达，他们只求神似，而不象西方画家那样注重素描和写实功力的培养，并以一种尊重科学的态度来对待形似的问题，而中国的画家们要的只是“写心”而非“写实”。 中国古人常说：“诗中有画，画中有诗”，诗画一体，是他们追求的高妙境界。
虽然不讲透视，但中国画的技法同样十分高超，在东方佛教绘画中，只用线条和色块表现而不讲透视的壁画，依然巧夺天工。东方画家用一种十分简单的颜料和简洁的笔墨，一挥而就，甚至就只用一种墨汁，一支毛笔，就能完成一幅妙趣横生的写意画。
注意，这里“写意”这个词十分重要。它只是在书写一种心情，而不是刻意强调人物与景物的真实性。
中国画家画一条鱼只需要两三笔，而且他们绝不画水，水是没法画的，但没有水鱼一样在水里畅游，你似乎还能感觉到鱼尾在柔软地摆动，十分传神。中国画家在勾画人物时还经常忽略面部的特征，甚至根本就不画出五官来，但人物个性依然鲜明。
中国画不象西洋画那样将画面排布得十分饱满，讲究“留白”，大量的空白留出了许多想象的空间，而且给视觉一种疏、爽之感。这种简洁明快而又意韵清远的绝技，实在令人叹服。
因此我们可以说，以中国为代表的东方古典艺术家不是因为没有掌握透视。
5.求几篇景观设计毕业论文的范文
1、课题背景介绍 临沂市位于山东省东南部，素有“山东南大门”之称，下辖3区9县，面积1。
72万平方公里，人口1000万，是山东省面积最大、人口最多的行政区。临沂城水资源丰富，纵贯南北的沂河、柳青河、青龙河和横穿东西的祊河、涑河等5条河流在中心城区交汇，位于临沂城区段的沂河橡胶坝长1248米，为世界之最，已被列入世界吉尼斯记录，上游形成的沂蒙湖水面130万平方米，湖水碧波荡漾，面积相当于两个杭州西湖，2001年被国家水利部评定为国家级水利风景区。
过去由于只注重工业经济的发展，城市建设和环境保护等工作被忽略，市区滨河地段杂草丛生，1片荒芜；挖沙船到处挖沙，使河边变得坑坑洼洼，脏乱不堪；1些不法单位拉来建筑垃圾倾倒在沂河及涑河沿岸的堤坝上，许多工厂将废水也排放到河里，使河水变得浑浊不堪，污染严重，无法饮用。不少居民也将生活垃圾倾倒在这里，使河边变成了垃圾场，1到夏天，熏人的气味扑面而来，严重影响了居民的生活和城市形象。
为了适应经济的发展，扩大城市建设规模，合理利用充足的水资源，同时改善人们的生活环境，提升城市品位，临沂市政府决定投入巨沂资规划建设临市区内的滨河区域。 2、课题拟设计研究的主要内容、实验方案 在上述情况的影响下，我这次所报的毕业设计课题为“临沂市沂河沿岸（局部）景观设计”，所以滨水空间的规划、绿化和景观设计是这次课题设计研究的主要内容。
水是人们生活中必不可少因素，自古以来就被赋予多种属性，被当作理想人格的的1种象征，使得其在性、情、景、意交融中充满了生命的灵性；在中国古代文化中，水逐渐成为1种根源性的隐喻，是代表自然与城市“合1”的最好模型。可以说水是古代除了封建礼制以外，对城市规划特色形成起作用的最重要的因素。
其作用从饮用、灌溉、运输发展到现在的提供活动、景观的载体，故滨水空间的性质也在不断变化。 在全球化背景下，我国当前进入快速城市化阶段，城市建设也陷入了不断趋同、特色危机重重的窘境；在工业化时期几近湮灭的水的特性再次成为刺激城市生命力的重要因素。
因此在这次设计中应充分利用城市与水的“骨架”与“血肉”关系，因地制宜，融合水与空间、文化的时空联系，塑造出城市的特色与个性，使城市绿化面积扩大，景观更加秀丽宜人，市区环境质量得到全面改善，最终形成“水在城中游，城在水中立，水体与绿地相互依托并融为1体的丰富多彩的、富有地方特色的滨水生态城市”而贡献1份力量。 实验方案： 通过对课题所涉及的地区进行实地测量考察，以及搜集查阅相关资料，对设计的方案进行综合严密的验证。
从设计理念、设计原则、风水分析、构图分析、植物配置几大方面展开工作，并在老师的指导下设计出合理的方案。 设计理念：沂河贯穿临沂市区，是离城市公共密集地区较近的生态系统之1，是 城市向乡村延伸，乡村向城市渗透的区域，这种渗透体现的是1种人与自然的对话，在本方案中，以人与自然的和谐统1为设计理念。
设计原则：A、生态原则：维持沂河生态环境是进行城市建设的基本门槛。 B、适应自然和社会运动周期的原则：关注人的活动周期和季节 变化，创造出适应季节变化的景观。
C、经济原则：通过设计对环境的改造，创造更舒适的生活环 境，实现其使用价值，同时也带动周围的土地升值。 风水分析：风水上讲究，曲生吉，直生煞，在本方案中，以曲线（主路）来化解直线带来的煞气。
构图分析：本方案设计设计地段位于沂河和其最大支流枋河交汇处，河道比较弯曲，因此在设计中，以北斗7星为主构图元素，根据人文和地理将其分为3个区域： A区：古文化区，临沂市是1座历史悠久的城市。古称琅琊，距今已有2400年历史。
闻名中外的汉代帛画和《孙子兵法》、《孙膑兵法》竹简等，就出土在临沂市银雀山下。我国许多历史文化名人，如春秋时期的曾子、子路，战国时期的荀况，东汉珠算发明家刘洪，西汉经学家匡衡，3国时期著名军事家诸葛亮，东晋书圣王羲之，南北朝文艺批评家刘勰，唐代书法家颜真卿等，有的出生于此，有的在这里生活过，都留下了难以湮灭的印迹。
B区：自然生态区，以沂河自然风光为主题，以生态亲水公园为中心，形成适合休闲娱乐的场所。 C区：沂蒙革命精神区，临沂市是著名的革命老区。
革命战争年代，沂蒙人民为抗击外来侵略和中国革命的胜利作出了巨大的贡献和牺牲，3万沂蒙的优秀儿女献身疆场。车轮滚滚的支前队伍、送子送郎参军的动人场面、红嫂的感人故事、名垂青史的台儿庄战役、孟良崮战役记下了这1段光荣的革命业绩。
植物配置：从人性化、乡土性、生态原则3方面进行植物配置。 3、相关文献综述 中国建材出版社出版，汤振宁编著的《城市河道景观设计》1书，以大量实景照片向我们展示了北京，上海，韩国等地的1些优秀河道景观设计，本书内1些优秀设计作品的作者分别为具有丰富施工经验和设计经验的专业人士，使该书具有很好的实用价值，同时该书也具有较强的实用性和前瞻性，给我这次所做的课题提供了很多的参考。
上林国际文化有限公司编著，华中科技大学出版社出。
6.浅谈摄影中的用光艺术 浅谈摄影中的构图艺术
摄影中的用光 摄影是需要依赖光线去塑造形象和创造画面的，没有光线，我们便看不到客观世界存在的景物。
光线主要包括四种特性——光线的强度，光线的性质，光线的方向性，光线的色彩。 我们主要讲一讲光线的方向性，也就是我们常说的顺光、侧光、逆光、顶光照明。
1、顺光照明这是一种效果最平的一种光，它不利用拍出被摄体的立体感和空间深度感，缺少生气。 2、侧光照明效果有明显改善，被摄体的产生明暗变化显出立体感和表面质感，它比较符合人们正常的视觉习惯，所以，在摄影中被广泛的利用。
3、逆光照明它能够勾画出对象的形状，使之与背景分开。在对象的形状边缘形成明亮的亮线，能够渲染所要表达的气氛，丰富和活跃画面。
运用逆光照明进行拍摄时，适当加用辅助光照亮阴影部分，再者要注意利用背景衬托被摄对象边缘的明亮部分，如用“傻瓜”相机，利用强制闪光模式。 4、顶光照明的效果使画面呈现出一种酷热感，在人物的眼眶、鼻子和下巴下面造成浓重的投影，对人物的形象起着丑化作用，很显然，这类的照片是没有人愿意欣赏的，改变顶光效果可以使人物头部向上仰或带一顶花边草帽等。
高反差人像摄影中的用光 2006-5-11 15:32:49 拍摄一张高反差的、没有正常影调间距的肖像，是黑白人像摄影中一种有趣的尝试。它能通过运用反差分明的、硬的光线，塑造出一些鲜明而动人的形象。
要获得这种高反差人像，除了在曝光和显影上需要相当的技巧外，对拍摄时的布光方面也有一定的要求。美国摄影家J·米切尔和J·汉纳姆在《暗房摄影》杂志的一篇文章中，提出了一种简单的布光方法： 可使用直射光或散射光作照明，一般用一个灯或两个灯为好。
为拍摄方便起见，最好使用聚光灯，这样可以直接观察光效。当然也可使用闪光灯。
在大多数情况下，只使用一个灯就够了。如果被摄者的头发很黑，那么就可以使用第二个灯直 接照亮被摄者的头发或从其身后照明，以产生一个较亮的 轮廓，从而使对象与背景区分开来。
为了达到动人的效果，可以尝试着用侧光或45度角度的 光线来照明被摄者。侧光仅照亮被摄者的半边面部，而45度光则可照亮大半边脸，并且在正对光源的面颊部分造成一 个三角形亮部。
这种高反差效果以暗色的、未照亮的背景 显得最佳c为使影像更好地与背景区分开来，可将被摄者的 头部用光勾亮一点： 逆光剪影人像实际上也可算是一种高反差人像摄影。 英国摄影家M·基普林指出，逆光照片就是被摄体背着光 源所拍摄出来的轮廓影像效果。
通常摄影胶片感受、表现 色调的宽容度是很有限的。与之相比，人的眼睛对色调的 感觉范围却要宽得多。
这样，在照片上，较暗的物体就能在 较亮的背景的衬托下以剪影的方式跃然而出。 拍摄逆光剪影照片，常常用日光作光源，但也可以根据 摄影师的方便或喜好用任何光线作光源。
基普林认为，以 日落之后或日出前的天空作背景拍摄逆光剪影照片是很理 想的。 为了能在底片上产生很好的逆光剪影效果，照片上最亮部分与最暗部分的比例通常为50:1。
用幻灯片拍摄时尤其应当如此，因为其色调宽容度更窄。/luntan/yutian/09.htm 商业摄影中的平面构成。
7.急求一篇平面设计毕业论文,字数在3000字以上
在我的书架上，那些印刷精美的、封面设计漂亮的书籍总是摆在我最安全而现眼的地方，因为我特别关心它们，生怕那本书从书架上不小心落下来摔坏了书脊或折了书页，也许这和我是学艺术设计的原因有关吧，的确我比较喜爱优秀的设计作品，漂亮的书籍封面也能吸引我的眼球让我为之掏钱据为己有，逛书店时，看到印刷、设计都十分漂亮的书时，不管有用还是无用，我都会掏钱买之，这可能是不受理智控制的吧，但有时会受金钱的约束，呵呵。
简单的说我喜爱书，更喜爱漂亮的书籍装帧，容我拙论自己一些关于书籍装帧艺术方面的认识，希望能得到同行、老师的认同和指教。 支持！！！采纳吧！！！书籍几乎几乎每个家庭都有，但是并不是每个人都能理解书籍装帧艺术，这是不是就象人们天天都住在房子里而不是每个人都理解建筑艺术一样呢？比较实用的东西往往都被忽视其艺术价值。
如果从"书籍装帧"的完整意义上来认识，完全可以说，没有书籍装帧就不可能有书籍，这甚至是精神离不开躯体相同的，即使把"书籍装帧"狭限在美术范围内，没有书籍装帧，书籍也将流于简陋而缺乏美感，白纸白皮的形貌是不难想象的。 在"书籍装帧"里诸多名词我不想一一解释，诸如早期的文字产生以前的结绳记事，到我国古代的简、策、韦编、丝编、籍、线装、书眉等等，相信热爱书籍装帧的朋友也是知晓一二的，有些人把"书籍装帧艺术"误解为仅指封面设计和扉页环衬的设计，至多在把插图包括在内，这种理解虽不全面，但却也说明封面、插图和扉页在书籍装帧设计中占有突出的地位。
这里我主要谈谈在封面设计上自己的一点体会，①封面是书的外貌，它既体现书的内容、性质，同时又给读者以美的享受，并且还起了保护书籍的作用。封面设计它包括书名、编著者名、出版社名等文字和装饰形象、色彩及构图。
如何使封面体现书的内容、性质、体裁，如何使封面能起着感应人的心理、启迪人的思维作用，是封面设计中最重要的一环。②封面设计的造型。
造型要带有明显的阅读者的年龄、文化层次等的特征。如对少年儿童读物形象要具体、真实、准确，构图要生动活泼，尤其要突出知识性和趣味性；对中青年到老年人的读物，形象可以由具象渐渐转向于抽象，宜采用象征性手法，构图也可由生动活泼的形式转向于严肃、庄重的形式。
③封面设计的色彩。色彩是由书的内容与阅读对象的年龄、文化层次等特征所决定的。
鲜丽的色彩多用于儿童的读物；沉着、和谐的色彩适用于中、老年人的读物；介于艳色和灰色之间的色彩宜用于青年人的读物。另外书的内容对色彩也有特定的要求，如描写革命斗争史迹的书籍宜用红色调；以揭露黑暗社会的丑恶现象为内容的书籍则宜用白色、黑色；表现青春活力的最宜用红绿相间的色彩。
对于读者来说，因文化素养、民族、职业的不同，对于书籍的色彩也有不同的偏好。 书籍装帧设计需要象其它装潢设计一样. 经过调查研究到检查校对的设计程序。
首先向知识的企业主--作者，或者文字编辑.了解原著的内容实质。并且通过自己的阅读、理解、加深对自己所要装帧对象的内容、性质、特点 和读者对象等等作出正确的判断。
假如你是一名编辑就需要对书籍的形态拟出方案。解决开本的大、小、精装、平装、用纸和印刷等问题。
对于一个设计者而言。所关心的更应是如何在既定的开本、材料和印刷工艺条件下。
通过想象.调动自己的设计才能.并使其艺术上的美学追求与书籍"文化形态"的内蕴相呼应。不只是停留在政治书籍要庄重大方.文艺书籍强调形式多样，儿童图书追求天真活泼 。
更要求进一步深入，达到对书稿理解尺度与艺 术表现尺度在创作中的充分的和谐性表现。以丰富的表现手法、丰富的表现内容.使视觉思维的直观认识（视觉生理）与视觉思维的推理认识（视觉心理）获得高度统一.以满足人们知识的、想象的、审美的多方面要求。
书籍装帧既是立体的，也是平面的，这种 立体是由许多平面所组成的。不仅从外表上能看到封面、封底和书脊三个面，而且从外入内， 随着人的视觉流动，每一页都是平面的。
所有这些平面都要进行装帧设计，给人以美的感受。 有人用建筑艺术比喻书籍装帧。
建筑艺术 是空间艺术、静的艺术，然而它通过布局，可以产生韵律，造成一种流动的感觉。书籍装帧也是如此，通过封面、环衬、扉页，步步接近正文。
这一连续的欣赏过程，犹如在游览中国的园林。进入园门，逐步引向深入，曲径通幽。
最后进入正殿。在正殿中又透过插图这扇窗户.看到文字中所记载的主人翁的形象、活动、环境等。
这种由外入内不断行进过程，则根据不同类型，不同体裁风格的书籍内容.产生不同的韵律变化；感情色彩比较浓厚的文艺书，变化形态应大些、活泼些；而严肃的理论专著，设计中则要求层次分明、有严谨的秩序感。 当然说道最后，对于书籍装帧设计，每个设计师都会有自己的侧重点，和想法，有的注重色彩的使用，用抽象的图形和个性的色彩来表达书的内容，有的注重造型的完整来述说一本书的故事，这就象我们静物写生一样，同样一组静物不同的几个人画就会有几幅不同的画面，因为他们所看到的。
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