山水画毕业论文5000字(有关国画的毕业论文)

1.有关国画的毕业论文

我是06年的国画毕业,毕业5年了只记得大概了,你全当参考吧!

当年的论文要求是: 请结合自己的国画专业(因为国画里还可以细分很多如山水、花鸟、人物),选一幅古代名画详细分析其优劣并阐述自己的观点,可以从正反几方面去论述,字数3000。请注明参考文献和关键词。

1、本科毕业论文格式要求:

装订顺序:目录--内容提要--正文--参考文献--写作过程情况

表--指导教师评议表

参考文献应另起一页。

纸张型号:A4纸。A4 210*297毫米

论文份数:一式三份。

其他(调查报告、学习心得):一律要求打印。

2、论文的封面由学校统一提供。(或听老师的安排)

3、论文格式的字体:各类标题(包括“参考文献”标题)用

粗宋体;作者姓名、指导教师姓名、摘要、关键词、图表名、

参考文献内容用楷体;正文、图表、页眉、页脚中的文字用宋

体;英文用Times New Roman字体。

4、字体要求:

(1)论文标题2号黑体加粗、居中。

(2)论文副标题小2号字,紧挨正标题下居中,文字前加

破折号。

(3)填写姓名、专业、学号等项目时用3号楷体。

4)内容提要3号黑体,居中上下各空一行,内容为小4号

楷体。

(5)关键词4号黑体,内容为小4号黑体。

(6)目录另起页,3号黑体,内容为小4号仿宋,并列出页

码。

(7)正文文字另起页,论文标题用3号黑体,正文文字一

般用小4 号宋体,每段首起空两个格,单倍行距。

(8)正文文中标题

一级标题:标题序号为“一、”, 4号黑体,独占行,末

尾不加标点符号。

二级标题:标题序号为“(一)”与正文字号相同,独占

行,末尾不加标点符号。

三级标题:标题序号为“ 1. ”与正文字号、字体相同。

四级标题:标题序号为“(1)”与正文字号、字体相同

五级标题:标题序号为“ ① ”与正文字号、字体相同。

(9)注释:4号黑体,内容为5号宋体。

(10)附录: 4号黑体,内容为5号宋体。

(11)参考文献:另起页,4号黑体,内容为5号宋体。

(12)页眉用小五号字体打印“大学XX学院

级XX专业学年论文”字样,并左对齐。

5、纸型及页边距:A4纸(297mm*210mm)。

6、页边距:天头(上)20mm,地角(下)15mm,订口(左)

25mm,翻口(右)20mm。

7、装订要求:先将目录、内容摘要、正文、参考文献、写作

过程情况表、指导教师评议表等装订好,然后套装在学校统一

印制的论文封面之内(用胶水粘贴,订书钉不能露在封面外)

1.纸张与页面设置

(1)A4,纵向;

(2)页边距:上1.0cm,下2cm,左侧2.5cm,右侧2cm

2.页眉

(1)设置:1.4cm

(2)字体:统一使用汉语:小五号宋体。

(3)分割线:3磅双线;

(4)内容:**学院本科期末论文,居中。

3.页脚

内容:页码,居中。

4.论文基本内容与要求

(1)论文题目:单独成行,居中,

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2.美术鉴赏论文

2007.8 43

论及近现代中国绘画,假如让您只说出一个人的名字作为代表,笔者

想人们都会不约而同地想到一个人,那就是——齐白石。

曾几何时,中国艺术品市场十年来的发生、发展,几乎就是以齐白石的

作品为先导的。从嘉德杨永德收藏齐白石作品拍卖专场的滑铁卢到2003年

中贸圣佳白石山水册页1650万元的天价成交,齐白石的作品像是一架天

平,衡量导引着中国近现代画作的市场走势,也标榜着收藏家与投资人的

趣味和取向一直没有离开这位集书法、篆刻、绘画、诗歌为一身的通才、大

才。因为他是齐白石,也只有齐白石才会有着如此大的感召力,而这种感召

力之大正是基于白石老人艺术创作的伟大。这种伟大是一种至“简”至

“朴”、至“拙”至“厚”的,尤其是他的山水画,构图出奇出新,无常法而又合

法,貌似平淡的笔调,大气磅礴、纯净明丽。在似与不似之间,把山水灵性的

本质,或轻或重、或明或暗地表现出来,大开大合中又见细腻、朴素的善良

与乐观的坚强。在白石老人的山水画中,每一笔似乎都含着家乡的泥土气

息,每一根线条似乎都凝结着大自然的露珠,清新而华滋、深厚而通俗。

白石老人的书法之好,在中国近现代画家中是少有的,好得让我再看

白石以后“画家”们的字款简直不好恭维。白石老人专临“爨龙颜碑”,后学

“郑文石碑”,五出五归后又学李北海、何绍基、金农和“天发神谶碑”。他的

绘画成就如此之高是与他的书法水平高密不可分的。古往今来,大画家没

有一个不是大书家,董其昌、八大山人、齐白石无不是这样的人物。

他的字,气魄雄强而峻朗、舒峭,但不失拙意。他擅使长锋,故可以充分

利用笔锋吸水墨多的特点,气贯而神完,一气呵成。由于有好的书法根底,

在白石老人的作品中,几乎没有经不住推敲的线条,他的线条质量表现在:

绵而挺。“棉里裹针”、细中寓柔、柔中见刚。

润而满。不滞、不滑,骨力洞达却将霸悍之气藏于水墨之间不露痕迹。

雄而强。他的字款在所有的转折处都是留得住笔、留得住墨的,特别是他书

法线条的过渡,如锥画沙般的笔锋似乎能把纸切开。他的飞白也极有个人

气质,特别是他的“撩笔”,峭拔中虽然略带习气。

论及齐白石对近现代中国绘画的贡献,半个世纪以来,无论是美术史

学界的专家,还是画家、收藏家,甚至普通的百姓,齐白石的艺术成就是公

认的。齐白石就像一座高峰,就像一把标尺,他的绘画是中国画笔墨情趣的

绝对体现,更是中国文人绘画近现代的高峰。他的绘画在走进市场后,更是

当今中国艺术市场的晴雨表、风向标。

山水画,毕业论文

3.关于中国画的论文(和山水有关的)

山以厚德载物,水以流澈养人。当人们为生活节奏的加快而感叹,为艺术的标新立异而辩解时,为当下的实时消费和图像为王的表象所迷惑时,山水以它的博大、清澈包容着我们的文明进步所带来的种种不安。山水画作为中国传统文化的一种表现形式,依附于传统文化的哲学理念——庄禅、佛道这种玄虚空灵的体现,成为中国人追求理想境界和寻求精神蔚籍的一种手段和方式。

而目前我们绝大多数人对于山水画的欣赏趣味,是在明清时期的艺术和观念下形成的。正如董其昌说的:“以境之奇怪论,则画不如山水;以笔墨之精妙论,则山水绝不如画”。大致上讲,董其昌的话集中代表着中国文人们的一种“正统”的艺术态度,以及他们关注自然并在平面上予以表现的方法和语言。然而,要解读这些绘画艺术中的态度、方法和语言,观察者首先必须要具备相当的文化和知识,因为在更多的情况下,这些山水画的范本是令人联想的,而不仅仅是给人“观看”的。

在当今的中国画创作领域,对于继承传统和创造新的图示,这对矛盾且始终伴随着中国画前进步伐的论战,一直就没有停止过。80年代李小山的“中国画已经到了穷途末路”的叫喊中,中国画家的生存方式、艺术观念、创作态度都发生了新的分化组合,新文人画和实验水墨的出现都表明这一时期中国画创作的新出路,水墨画领域的拓展和中国画坛的新艺术格局也渐渐确定下来。

在中国人的审美习尚中,山水画是无所不包的大千世界,其理想的艺术境界是现实生活中无法实现的,因此,山水画便成为中国人实现理想生存环境的一种方式,满足了人们审美的需求,美化了人们的生存空间。这也是中国的山水画艺术历千年而不衰,且不断向前发展的根本之所在。

在当代的艺术界,艺术家不仅需要掌握自然对象的语言表现能力,而且还应该在一定的题材中去寻找更多的适合自己的表现空间。

4.与美术有关的论文,2500字以上

齐白石作品收藏与鉴赏论及近现代中国绘画,假如让您只说出一个人的名字作为代表,笔者想人们都会不约而同地想到一个人,那就是——齐白石。

曾几何时,中国艺术品市场十年来的发生、发展,几乎就是以齐白石的作品为先导的。从嘉德杨永德收藏齐白石作品拍卖专场的滑铁卢到2003年中贸圣佳白石山水册页1650万元的天价成交,齐白石的作品像是一架天平,衡量导引着中国近现代画作的市场走势,也标榜着收藏家与投资人的趣味和取向一直没有离开这位集书法、篆刻、绘画、诗歌为一身的通才、大才。

因为他是齐白石,也只有齐白石才会有着如此大的感召力,而这种感召力之大正是基于白石老人艺术创作的伟大。这种伟大是一种至“简”至“朴”、至“拙”至“厚”的,尤其是他的山水画,构图出奇出新,无常法而又合法,貌似平淡的笔调,大气磅礴、纯净明丽。

在似与不似之间,把山水灵性的本质,或轻或重、或明或暗地表现出来,大开大合中又见细腻、朴素的善良与乐观的坚强。在白石老人的山水画中,每一笔似乎都含着家乡的泥土气息,每一根线条似乎都凝结着大自然的露珠,清新而华滋、深厚而通俗。

白石老人的书法之好,在中国近现代画家中是少有的,好得让我再看白石以后“画家”们的字款简直不好恭维。白石老人专临“爨龙颜碑”,后学“郑文石碑”,五出五归后又学李北海、何绍基、金农和“天发神谶碑”。

他的绘画成就如此之高是与他的书法水平高密不可分的。古往今来,大画家没有一个不是大书家,董其昌、八大山人、齐白石无不是这样的人物。

他的字,气魄雄强而峻朗、舒峭,但不失拙意。他擅使长锋,故可以充分利用笔锋吸水墨多的特点,气贯而神完,一气呵成。

由于有好的书法根底,在白石老人的作品中,几乎没有经不住推敲的线条,他的线条质量表现在:绵而挺。“棉里裹针”、细中寓柔、柔中见刚。

润而满。不滞、不滑,骨力洞达却将霸悍之气藏于水墨之间不露痕迹。

雄而强。他的字款在所有的转折处都是留得住笔、留得住墨的,特别是他书法线条的过渡,如锥画沙般的笔锋似乎能把纸切开。

他的飞白也极有个人气质,特别是他的“撩笔”,峭拔中虽然略带习气。论及齐白石对近现代中国绘画的贡献,半个世纪以来,无论是美术史学界的专家,还是画家、收藏家,甚至普通的百姓,齐白石的艺术成就是公认的。

齐白石就像一座高峰,就像一把标尺,他的绘画是中国画笔墨情趣的绝对体现,更是中国文人绘画近现代的高峰。他的绘画在走进市场后,更是当今中国艺术市场的晴雨表、风向标。

——文森特•威廉•梵高 始终无法忘记初中时刚接触绘画,听老师讲起梵高,在美术书上看到他的向日葵,我说不出他的画那里好,但他的画就是让我着迷,如痴如醉。我看了一遍又一遍,也许是他的热情感染了我,我希望我就是那朵向日葵,永远向着太阳。

后来慢慢的对梵高有了深入的了解,他生性善良,热爱生活,但在生活中屡遭挫折,艰辛倍尝。他献身艺术,大胆创新,在广泛学习前辈画家伦勃朗等人的基础上,吸收印象派画家在色彩方面的经验,并受到东方艺术,特别是日本版画的影响,形成了自己独特的艺术风格,创作出许多洋溢着生活激情、富于人道主义精神的作品。

《向日葵》、《星夜》、《麦田群鸦》等代表作,大都是在他生命最后的六年中完成的,表现了他心中的苦闷、哀伤、同情和希望,透过这些作品,我可以看到一个更加真实的梵高,更加理解画家的精神和思想。 文森特•威廉•梵高,出生于荷兰赞德特镇一个新教牧师家庭。

24岁之前曾在海牙、伦敦、巴黎等地的古匹尔画店当店员,后来成为传教士,在比利时西南部的博里纳日矿区传教,由于同情和支持穷苦矿工的要求而被解职。在度过了一段极度失望和贫困的生活后,他决定在艺术的探求中完成自我的解脱。

1880年以后,他到处求学,向比利时皇家美术学院求教,向荷兰风景画家安东•莫夫学画,但最后还是决定自学。在1886年以前,他的作品还都处于探索的时期,代表作有《吃土豆的人》、《纺织工》等。

1886年梵高随他担任古匹尔画店高级职员的弟弟来到巴黎,结识了图鲁兹一劳特累克、高更、毕沙罗、修拉和塞尚,并参加印象主义画家们的集会,在色彩方面受到启发和熏陶。1888年2月,他同高更结伴同行,到法国南部的阿尔写生作画,长达一年之久。

这是他艺术风格形成的最重要的时期,南国的强烈阳光和阳光照耀下的市镇、田野、花朵、河流、农舍和教堂,使他禁不住一遍又一遍地高喊: “明亮一些,再明亮一些!” 但后因两人意见不合,高更离去,梵高的精神也开始逐渐分裂。梵高于1888年12月23日发病后,病情时好时坏,时重时轻,一次次住进医院。

1889年5月他被送进离阿尔一公里的圣雷米神经病院,成了彻头彻尾的精神病人。但就在这时,奇迹出现了,梵高的绘画竟然突飞猛进,风格迅速形成。

然而这奇迹的代价却是一个灵魂的自焚。1890年,经过圣雷米的德莫索尔精神病院的长期住院治疗,病势稍有好转后,梵高回到巴黎,住在瓦兹河畔的奥韦尔,接受伽塞医生的专门治疗,并勤奋作画,作有《伽塞医生肖象》、《奥韦。

5.求以《国画所带来的思考》为主题的论文一篇

南中国画现状的思考 ──师法自然、逾古出新才能振兴云南中国画 刘怡涛 内容提要:云南独特的自然景观和民族文化是我们云南画家取之不尽,用之不竭的源泉。

绘画艺术中的形物,没有不是来自于自然的印象,反映自然生命的。尤其以画家自己从生活中、从自然中直接感受到的形象可贵。

所以,我们说,创新,必须是源于生活的创新。继承与创新,是相互依存而又相互排斥的一对矛盾,继承,是承古人之心,而不是师古人之迹。

承古人之心,就是研究历代大师的步履,领悟其艺术形成的诸多因素,深究其艺术思想和艺术技巧形成的心路历程,仿其创新精神。 关键词:云南,中国画,创新 绝壑连碧水 王晋元 云之南独特的山川、奇花异鸟、民族风情,正是绘画艺术创作取之不尽的源泉 我们应该庆幸生活在这样一块得天独厚的土地之上,师法自然,对我们来说是近水楼台。

老一辈的画家如袁晓岑先生──以云南特有的孔雀等入手,形成自己的风格;当代著名画家王晋元先生──以云南特有的热带植物景观和滇西北高山植物景观入手,形成了自己的独特绘画风格。他们就是师法自然的成功典范。

然而这似乎并没有引起广大云南中国画家们的重视,看着外省画家源源不断地涌来云南写生,我以为,现在到了该大声疾呼的时候了。 云南的中国画,有得天独厚的一面,那就是我们这块丰富多彩的土地,有先天不足的一面,那就是我们传统文化的底蕴和积淀薄弱。

好在我们已经进入到了信息时代,要借鉴古人的东西,要看到当今大师作品的风貌都已不是难事,制约我们发展和创新的仍然是观念问题。绘画艺术的创新在于观念的更新。

学中国画当从传统入手,这是大多数人的共识,然而许多人学传统便被传统俘虏而不能自拔;一些人不从传统入手,而从抽象或形式入手,却感觉无论怎么画,都显得底蕴不足。 故国秋 王晋元 画家绘画,总要有一形象原型,或是从继承而来,或是自己去寻找。

我们提倡自己去找,从生活中,从大自然中。有人说他是闭上眼睛,什么也不看、不想,靠下意识来画画,我认为,这是不成立的。

绘画艺术中的形物,没有不是来自于自然的印象,反映自然生命的。只要他是一个建全的人,那么,他的下意识所反映的东西,或多或少总是带有他过去视觉的经验、经历和映象,没有真正意义的无意识、下意识。

相对的下意识,是受到人的主观意识的潜在操纵的。只有那些先天的盲人,在没有触摸任何物品情况下的下意识,才是真正的下意识。

因为他们没有视觉的经历,也没有触摸物品的经历。世界上无绝对的离象之外象,离有之无,离实之虚,就是说没有完全与直接感触之象绝缘的“无形之象”的存在,没有完全离开感觉而独立自生的超感觉,这是不可能,也是不存在的。

象之再远,终是其之余;味之再不尽,亦不过其之尾,犹如血肉相连。虚实、有无、象内象外、画尽意不尽,它们之间若即若离,似有似无,既虚又实,在离即之间、有无之中、虚实之际。

是为相渗、相融、相补。无形之象,是相对有形之象而言,是有形之象的象外之象,是由情感、心境而生的意象。

从有形之象到无形之象的认识,是意境发展的一个重要里程碑。然而没有有形之象就没有无形之象,无形之象是情感的升华,是天人合一的再现。

玉羽金翎,庚申之秋九月,袁晓岑任作于首都之藻鉴堂 只有绘画观念的更新,才会带来绘画技法的变革。 从古到今,凡艺术变革者,如只是技法上的变革,反映在绘画中则仅仅是画面形式的小变,而当审美观念亦随之改变,则从形式到技法皆须服从于新观念产生变革,于是大的流派、新的艺术形式亦随之产生。

只有绘画观念的更新,才会带来绘画艺术形式的创新。 创新,必须是源于生活的创新。

艺术来源于生活,而生活带给画家原始的直觉感,这种直觉感正是艺术创作丰富的源泉。不断地在生活中寻求新的美的东西,才能激发起最强烈的情感和审美感受,启发并感受到生活与我胸中原有的艺术形象的不同,从中度出新意。

同时也将激发你冲破原有的技法、程式,开拓出与之相适应的新的富有艺术个性的形式、技法。然画新的题材,新的内容,亦是促发观念变革的契机,一种全新的事物,会给人予不同一般的感受,迫使你在表现它时极尽所能,甚而摒弃传统技法,而创新法以应新的命题,触发艺术观之突变或渐变,从而达到创新之目的。

当然,观念之变革,还需有学识的支撑,没有渊博的学识,艺术观的转变往往也是浅薄的。 袁晓岑 版纳林泉处处幽 立轴 创新,有两种途径。

一是摒弃本国的文化渊源,引进全新的舶来艺术观念、技法、形式。只仅仅保留作画的工具,以为只要是用毛笔在宣纸上作画,就应该算是中国画。

二是继承民族传统不但包括绘画的精髓,还包括民族的气质、审美情趣和中国画的特点,如:重意境、求神似、泛时空等审美观及笔墨与心态同时构筑形成作品。重意境,在某种意义上说,就是重虚实。

虚实结合是气之形,气是虚实之魂。虚与实结合而生气,气韵生动者为尚。

孟子说“……充实之谓美,充实而有光辉之谓大,大而化之之谓圣,圣而不可知之之谓神。” 即是说:虚实之中,虚。

6.关于国画的论文

国画的审美 一:国画独特的审美 中国画从工具材料、艺术追求、审美理想等方面与西方有着明显的不同,具有鲜明而独特的艺术形式。

1:工具材料 中国画的工具材料是笔、墨、纸、绢。与西方绘画所使用的画笔颜料相比,存在着显著的不同。

中国画用笔即毛笔。毛笔的特点是柔软而富有弹性,笔端尖而有锋,有利于线描勾勒,并可以发挥多种笔法,以绘制流畅婉转、富于动感的线条见长。

中国画的一大特色为用线条来塑造形象、表达感情。 墨,传统的中国画用墨,以纯细的桐油烟或松烟精制而成。

根据与水的调和比例的大小,可以有微妙的浓淡变化。中国画家一定程度上摆脱了自然界玄目光色的困扰,专注于画面笔情墨韵的营造和对象精神气质的捕捉,成就一个清淡幽雅的艺术境界。

中国画用的纸绢,有较好的韵墨性能,使墨汁在上面渗化开来自然形成浓淡不同的层次。 可以说中国画的笔墨与纸绢相辅相成、相得益彰,共同构筑了一个浓淡相宜、笔歌墨舞的艺术世界。

2:描绘手段 中国绘画描绘形象的目的,不象西方写实绘画那样欲创造一个视觉幻想的世界,而是从一定程度上把绘画当成一种"示意"行为,即通过笔下的形体表示创造者的情意。明暗光影、色彩斑斓都引退到创造者的关注视野之外,而借助灵活飞动的线条,挥洒自如的笔墨,造就一个饱含创作主体情感和意志的独特的艺术世界,这才是中国画画家描绘形象时的真正目的。

3:整体效果 与西方绘画相比,中国绘画在整体效果上有一个值得注意的特点就是"空白"。中国画家在描绘出主体之外,大多不画背景,在画面上留有较多的空白。

中国画形状各异的空白本身,既形成一种节奏变化,有给人留有想象的余地,具有不可替代的艺术效果。画面的空白时画家简约笔墨的结果。

中国画素有崇尚简练的传统。 二:国画的美学特点 绘画是一门运用线条、色彩和形体,在二维空间的范围内,反映现实美、表达人的审美感受的艺术。

绘画艺术的一般审美特征主要表现在:线条美、色彩美和构图美上。中国传统绘画有其独特的美学体系,美学观点,美学范畴。

1:意境 意境是中国古典美学的重要范畴,也是中国传统绘画最富民族特色的审美标准,既是画家创作的原则,也是欣赏的原则。 意境就是情与景的完美交融。

能够产生意境的形象,并不是一般的普通形象,而是富有生命力的形象,这种形象能体现出主体与客体、形与神、虚与实、动与静、情与景诸方面的高度完美的统一。它根本的美学不满足于有限事物的外在形式模仿,而要在有限中去表现无限,塑造出"象外之象"、"景外之景",从而能引发看图人的审美想象。

意境是中国绘画美学体系的精髓,凝聚着中国艺术的根本精神,绘画作品追求的最高境界。 2:形神统一观 形就是形似,是对物象外形的描绘;神即神似,是对事物内在本质特征的把握。

3:气韵生动 气韵生动最准确、最几种地概括了中国绘画艺术的审美特征和基本精神,是构成中国绘画艺术的传统审美尺度最根本的审美要求。 气韵生动着眼于宏观的自然与人生,立足于艺术的生命结构和自然生命运动的统一,更具有艺术本体论的深刻涵义。

绘画作品如果气韵生动,就会给观赏者造成一个形有尽而意无穷的审美想象空间。 4:天人统一观 其大致内涵是人和自然的关系是亲密无间、相互统一的。

艺术家应将自己融入自然。 5:心物统一观 "心"在中国古典美学中表示审美主体,也就是人,"物"则表示审美客体,即客观事物。

心物统一是中国古代画论的重要范畴。 6:虚实统一观 虚实对立统一,"虚"指虚构、虚灵、虚幻;"实"指实体、实事、实物。

中国画十分讲究虚实关系,中国画讲究含蓄,追求诗情画意,反对直露,正确处理虚实关系,是构成中国画意境的重要表现手段。 7:中和为贵 中和就是指统一体的协调性和韵称性。

孔子的中庸之道,即为中和。中国画十分重视主体心境的和谐。

中国画基本技巧之一 --用笔 唐代张彦远说:"夫物象必在于形似,形似须全其骨气,骨气形似皆本于立意而归乎用笔。"张彦远在此强调了用笔与立意造型的关系。

立意须造型、造型须用笔,用笔便成了中国画基础的基础。 1:笔与线 中国画的用笔实即用线,线是中国画最基本的造型手段。

线在形体的塑造中绝不是一种对轮廓线的描摹,还能表现出物体的质感、量感和动感。比如在山水画中,斧劈皴给人坚挺硬朗的感觉;披麻皴则给人松软的感觉等等。

线的运用,体现了中国画家对客观形象的概括、提炼和理解能力,体现了他们驾驭物象的巨大创造力。 在中国画中,线及其塑造的形体之间的关系,主要体现在线条自身的品格特征与作者之间的沟通。

正如石涛所说:"借笔墨以写天地万物而淘泳乎我也。"笔墨(线条)所具有的这种抒情写意性,是由于画家在运笔中出现的各种变化,使线条自身具有了千变万化的姿态。

一方面,线条丰富多姿的形态可以唤起欣赏者对现实生活的万般物象中类似物体形态美的联想,使抽象的线条成为现实事物形体美的一种间接曲折的反映,因而唤起人们的不同感受。另一方面,画家在运笔过程中个人情绪、意趣、思想的灌注,使得中国画中的线条具有明显的画。

7.谁有关于“山水画的艺术分析”文章

中国山水画是中国人情思中最为厚重的沉淀。

游山玩水的大陆文化意识,以山为德、水为性的内在修为意识,咫尺天涯的视错觉意识,一直成为山水画演绎的中轴主线。从山水画中,我们可以集中体味中国画的意境、格调、气韵和色调。

再没有那一个画科能向山水画那样给国人以更多的情感。若说与他人谈经辩道,山水画便是民族的底蕴、古典的底气、我的图像、人的性情。

中国山水画较之西方风景画,起码早了1000年。它所呈相的图义,实际上是一部中国思想史。

早在7000多年以前,先古的觉醒便以图案方式纪录下来。新石器的河姆渡文化,已用线刻表达着观念性文化的内涵,定居的农耕文明起源,不仅让人认知了工具美,亦让人于器之上认知了形上美。

艺术不但是一种征服自然的想象,还是一种征服自然想象的象征。先古与自然一开始便用艺术的方式对活,逻辑的发现与艺术的鉴赏推演着人们的双眼,让一个天人合一的中国图式由混顿而至清晰。

自仰韶文化起,人与自然的关系便具有了象征性。在几何装饰的手法中,对称、运动等构成概念己明显地运用于时空的表现之中。

特别让人感动的是《稷神祟拜图》。在以农立国的背景上,祭祀稷神一直成风。

而这幅图中的禾、田、人的关系传达了先祖对生命意义的一种素朴理解。在沉淀了人与动物、植物的自然关系认知的基础上,社会意识又成为最为关键的文明起源。

沧源文化的《村落图》,用岩画形式记述了人类对农耕定居的“家”的理解。这幅画最有视觉趣味的是以村落为中心的道路关联,以及押俘、赶畜、祭天、跳神等场面围绕正面中心的梯度延深,平面中的深度己在这幅画中得到有力的体现。

人与自然的关系,人与社会的关系,就这样拌随着艺术的看,不断地深化与发展。 到了秦汉时期,描绘劳动生活的场面,由乡土而至皇权,殿堂宫室的壁画成为时代的主流。

这种以宫室喻家室的认信取向,使中国美术摆脱了原始形态。统治阶级士大夫文化开始占主导地位。

士者文化实现了与乡土文化的分离。对于山水画而言,这一分离是深刻的。

若我们认真研究一下曲阜石刻的《庭院图》,就会被其视错觉创意震撼。这是两种视觉冲突的艺术:在满足正面的平视前题下,建筑物的平移重迭与倾斜重迭构成了矛盾的主要方面,两种不同透视法则所致生的力的碰撞,使画面具有了超现实的立体感。

有趣的是,先贤的艺术家一开始便使用了纵横平移重迭、视线具有深度却不消失的重迭透视法则,而且在复合视域中能将正面与倾斜两种透视法则艺术的冲突起来。应该说这一法则较之当今的西方立体派早了近两千年。

正如本书一再所讲的,祖先的聪慧绝非三言两语可以道白,只要我们认真地凭藉科学的双眼走入先贤的思想,我们一定会发现经学方式能告知我们的更多更多。 这种用视觉形式冲突所构成的艺术感动,在石刻画的《春雨图》、画像砖的《宅门图》、《收获戈射图》等等古远经典中可以得到更为丰富的体验。

一个十分明显的指向是,随着人与自然、社会的认识关系的深入,人们看的方式也发生了变化,由观念为象、装饰为用、几何为图的原始图式,演化为意志为象、生活为用、境界为图的古典图式。这一看的历程,认信的积淀,山水画构成要素的萌芽集合,都为山水画的问世奠定了基础。

从个体生命的角度体验天地宇宙的永恒,体味人在此中的自由,是魏晋山水诗的开启。谢灵运的意义就是在文的自觉时注重形的依托,从哲学的本体论出发,追求玄远的神超理得。

真正代表中国山水情怀的是陶潜。陶诗是超越玄言的哲学深刻,它没有放弃玄言诗的宇宙本体和生命本体的体悟,并通过某种特定的媒介去捕捉和体现这种体悟的本质和意义,把它们变成一种可触知的东西。

一个有艺术的创意,就是将亲身体验到的无形结构找到形状。山水草木在陶诗中是真意深情,是体现中国精神的哲学,是超然事外,是平淡中和。

顾凯之《洛神赋图》局部 现今,用“确立”二字来正名山水画的众说是顾凯之的《洛神赋图》和《女史箴图》。在这类摹本的分析中,我们可以看到峰、石、云、水、树的复杂表现。

这位“发前人所未发,开后人之师承”的艺术家,第一次将山水搬上了中国美术的表现舞台,他的《画云台山记》可算山水画论的开山之作。虽然文题中心是赵升舍命从师的故事,但其环境刻划部分却成为中国山水画的后来观照。

这一模板作用的确立,主要源于以下几点: a . 山有受光面、背影,水有倒影,祥云可成为东与西的重要观照,水天的“空青”可托出有太阳的天气。 b . 按照东西的顺序排置远近山峰,营造一个高峻险绝的境地。

c . 中段布局主要讲求取势的“对峙”,具有相对意义。 d . 东、西、中三段山要用“紧凑性”将长卷关联起来。

在山的三分之一以上部位,做清气使之分为两重。 顾氏的理论之所以重要,在于他提出了行云流水的线性形状,鸟瞰呼应的重迭形式,三段山、三分位的空间模式。

被称为中国第一篇山水画论的是宋宗炳的《山水画序》。宗氏提出了著名的透视法则:“竖画三寸,当千刃之高;横墨数尺,体百里之远”。

与宗氏同代的王微,亦是纵情丘壑的人物,他在《叙画》中提出了“。

山水画毕业论文5000字

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