众文网1.中国美术史论文,别太专业
中华民族美术过去之灿烂 傅抱石 近时外国人对于中华民族性的批评，总是离不了说中国是"自尊"、"自大"的民族。
殊不知中国人的"自尊"和"自大"，是有原因的，是有道理的。在某种程度上，我们还必须保守着这种"自尊"、"自大"的好国民性。
今日的中国，尤其有急切的需要和重大的意义。 单论美术这一项，其发达之古，创造之精，莫说东方，就是世界上也难寻其匹。
日本还在请中国人办外交主政事的时候，我们已把西域的美术精华吃下肚子。吐出以后的唐宋光辉之花。
埃及是最古不过的了，然而把那粗笨的刻画，和我们三代的玉器铜器比上一比，若根据他的遗物，他就发展到与三代同一时期也办不到的。"铜器时代"，哪一民族拿得出如此雄壮伟大神妙不可言状的宝贝？虽一二遗留，它的价值，除供考古学者的摩娑研究，物器本身，已没有什么，然中华民族在世界美术史上有了最伟大最先进的创造是无疑的。
虽然有许多学者，硬说我们古代那批宝贝，某种是间接学自波斯的，某种又是直接从印度偷来的，总而言之，说我们中国人是没有多大用的东西，然而这无非是因为我们的宝贝太高贵，把他们吓得没有什么可说。眼见中国如何贫弱，所以他们还要这样说："中国何德何能？龟甲铜器，《春秋》三传，完全是伪造，你汉人尚能做什么呢" 虽然，他们尽管侮辱，若是有人送他们一个同治年的瓷器，或是乾隆年的雕漆，保证他脑筋中起不可思议的作用，佩服得五体投地。
难道这又是从英吉利法兰西偷来的么？ 展开东方艺术系统图来看一看，所谓"古代系"、"希腊系"、"印度系"、"中国系"的四大系中，实际上只中国与印度的二大系。假使中华民族不负起吸收、融化和创造的责任，到现在朝鲜有美术么？日本有美术么？"印度系"又走得几步路呢？关于这些理论，姑且不论。
总之我们就是说：中华民族曾经包办东亚的美术，是东亚美术名正言顺的不祧之祖，也不为过。 我中华民族特别的长处，是不但能够闻一知十，而且是只要和别的民族文化见见面，就会造出比人家更好的文化。
一般美术史学者，他们把中国自三国至五代（约西纪二○○--一○○○年）的一个时期，定为"佛教艺术时代"（德人Hirth氏）或是"古典时代"（英人Bushell氏）或是"西域艺术攫取时代"（日人伊东忠太氏），述说当时以后的美术，完全没有独自的发展，而决定中国的中世美术史。我可以举一个极简单的例，来证明这种述说的不确。
诚然，中国的美术，受了不少印度的影响。但是要明白，这些影响，到了六朝初期，早被中华民族聪明的脑袋将它化得干净。
譬如说，张墨顾恺之的《维摩变相图》，陆探微载安道的《无量寿佛》则学印度的么？印度有没有？云岗龙门巩县等佛窟两足交叉的弥勒像，又是学印度的么？印度的弥勒像，是否两双脚交叉还是并垂呢？像这种例，举不胜举，一二学者，觉得中国人太不可方物，于是拼命从佛教经典内，拖出中国佛教艺术的前身来。似乎带哭带骂地说："中国真聪明！印度没有的东西也会造！你看呵！菩萨头背后那道圆光，印度又那里有呢？"我们并不否认人家如此地讥评，这正是我们所欣慰的事。
美术是什么？佛教美术又是什么？朝鲜日本的古美术，都是中国美术的儿孙，然不能说朝鲜日本便没有它自己的美术。这一切，都是中华民族在美术上特殊的伟大的表现！是世界美术史上最光荣灿烂的一页！ 只是创造，创造得不高明是不行的；只是吸收，吞进去受不住也是不行的。
中华民族，有无量成绩做本身最高度文化的证明。纪元前一千年的工世，能作出就是现在五千年后也还是奉为标准的"形式"和"纹样"。
葡萄花纹，就说是外国货，然"云纹"、"雷纹"、"蟠纹"、"饕餮纹"总是本号自造！并且形体周备，意匠完美，会在砖瓦头上刻字描画！会将一双雀子，站在乌龟背脊上做灯盏！檐会飞！柱会雕！凡是与生活有关系的器物，哪一样不施以美的设计？秦始皇为防胡人而筑的万里长城，其雄伟盖世的气慨，又谁不咋舌吃惊？ 绘画较工艺发达稍迟一点。古书上，舜皇帝的妹子，以及"苍颉作书，史皇作画"等等传说，姑不信它。
在今日可得见的古代绘画作品，汉朝的已有很多了。孝堂山武梁祠的石刻画，固然不是二十世纪图案最发达的欧洲画家可以"便化"得出来，就是一块汉画像砖上的人物，也够使现代东西方的人物画家惊异。
藏在英国大英博物馆橱内的东晋顾恺之《女史箴图》，那画上的人物，态度优美而庄重，线条遒劲，布置闲雅，第四世纪的东西，我们不知道那时候欧洲的人物画如何？再说唐代的阎立本，它的驰名世界的《历代帝王像》，听说尚有十三张在福建林氏家中（一说梁鸿志君所）。这稀世的宝物，它的唐代初期绘画的黄金时代，充分表示无遗。
日本帝室御物有一张《圣德太子像》，中间画圣德太子，左右画山背大兄王和殖栗王。这张画，他们的确经过许多人研究，据旧法隆隆寺《寺传》上说，是百济国阿佐太子到日本画的。
许多人不以为然，说《圣德太子像》的服制全是"本邦的古仪"！但是除此以外，可没有第二张和这画逼肖的作品。是天上掉下来的么？实事求是的先生们，不得不怀疑了，不得不恭。
2.美术史论文
中国美术史 第一讲 陶器 一、艺术的起源 中国原始美术，起源，类型，研究途径两条： 一是考古学，包括文献学；而是社会人类学。
中国原始美术遗存，最有代表性的品种是陶器（尤其彩陶），此外还有雕塑、岩画、地画、装饰品等，石器工具，也具有不同程度的审美特征。 艺术的产生： 1， 模仿说：艺术起源于人类模仿的本能——古希腊 亚里士多德 贺拉斯 柏拉图 人从孩提时候就有模仿的本能，人和动物的区别之一就在于人最善于模仿，他们最初的知识就是从模仿得来的，人对于模仿的做品总是感到快感。
从内因上讲，模仿是一种生存的本能和必要的手段，从其外因上讲，模仿手段则要通过实践努力和后天的教育才能逐渐充实完善。 2， 劳动说：马克思、恩格斯学说，艺术起源于劳动。
3， 游戏说：康德 席勒 艺术起源于游戏 4， 巫术说：英19C人类学家泰勒、费雷泽 艺术起源于巫术 在原始人心中，一切存在物和自然现象中都存在一种神秘属性，也就是神灵， 即万物有灵论，他们企图通过巫术的行为来控制主宰人类的鬼神，艺术形式是 巫术观念的物化。 二、陶器 1、制陶的发明 一说从制作物质生活的容器开始，原始人在藤条容器上涂泥巴，用火烧，发现泥巴可以变成陶质，同时发现可以不需要中间藤条，直接用泥巴烧制也可以达到同样目的。
另一说为制陶术的发明并不是从制作物质生活容器开始，而是从制作巫术礼仪的偶像开始。 发明制陶术的三个基本条件：水 土 火 人类的生产有两种，一方面是生活资料即衣食住行以及工具的生产；另一方面是人类自身的生产，即种的繁衍——所以在原始时代，泥塑偶像的制作，出于一种后代繁衍的巫术祈祷。
原始人们相信，如果大量制作人偶，本部落就会子孙繁衍，人丁兴旺，从而就加强可同大自 此外，在原始社会中，火种的保持是女性的专职。而保管火种的火窑又形似妇女的腹部，所以在制作泥偶时，很自然会放进火窑里烧制一下。
2、陶器的分布和种类 ① 分布地位 仰韶文化—黄河流域，河南、山西陕西；马家窑-甘肃、青海； 龙山文化—黄河下游，东部沿海 ② 种类 仰韶文化、马家窑文化的彩陶；龙山文化的黑陶 3、陶器的做法、原料 ① 制作 手制体小的手捏而成 体大的陶器以条泥盘筑成型 “泥条盘筑法” 模子成型 “轮制”：仰韶文化技术进步。“慢轮修正” 大汶口文化晚期“快速” ②经实验表明是含铁量较多的黑土、沉积土和其他粘土 4、纹样 1蛇纹和人首蛇身纹 2鱼纹和人面鱼纹 3人形纹 4蛙纹 5鸟纹和鸟啄鱼纹 6旋涡纹和波浪纹 7花叶文和编织纹 例子：《鱼纹彩陶盆》《人面鱼纹彩陶盆2》《鹳鱼石斧图形陶缸5》《彩陶瓶1》 《舞蹈纹彩陶盆》《人形浮雕形陶壶》《女娲头像》3 《船形彩陶壶》7 第二讲 青铜器 一、青铜的由来及美术史上的“青铜时代” 中国文化史上，把夏商周三代称为青铜时代，原因有二： 一是这三个时代铸造的青铜器所蕴含的历史文化价值和审美价值，在整个中国青铜艺术史上的成就最高，最有代表性； 二是由于这三个时代流传下来的青铜器数量最多，最能反映当时的精神面貌。
（产生原因：文化背景，技术水平，社会分工） 《考工记》是中国春秋时期记述官营手工业各工种规范和制造工艺的文献（30多种工艺） 二、青铜器艺术的分期 1，青铜器育成期：夏—商早期（公元前21C—公元前14C） 这一时期的青铜器多为小件使用工具，形制粗糙，铸造技术较落后，纹饰简陋 2，青铜器鼎盛时期：相当于商中期—西周早期（前14C—前10C） 这一时期的青铜艺术成就最为辉煌，多用于巫教祭祀活动的礼器，以鼎、簋等——多为“五臣器”（天子、诸侯、卿、大夫、士） 随着“列鼎”制度的实施，“礼乐”也理所当然的被纳入到“文物制度”内，规定不同场合、不同人物出场是的调、曲、词也有所不同。此外车马装备、装饰等一贯制度同样也有严格的等级规格要求（在上层建筑和意识形态领域，以礼为旗号，以祖先祭祀为核心具有浓重的宗教性质的巫史文化）。
所以有“藏礼于器”一说。 作品形制厚重，刻镂深沉，纹样有兽面、夔龙、凤鸟、云雷等纹，大都通体满饰，具有威慑力量—“狞厉之美” 3青铜器转变期：西周前期—春秋前期（公元前10C—前6C） 这一时期的青铜器制作，不如之前兴隆，纹饰浮浅、程式化，带状花纹增加，不再具有威吓的力量。
这实际上反映王室权威的解体，以五等为中心的祭祀活动日趋式微——“礼崩乐坏” 4青铜器更新期：春秋后期—战国（公元前6C—公元前2C） 一种堕落式风格，沿袭转变期更加式微、一种精进式，多制作日常生活用品，纹饰精美细腻，神秘、恐怖感一扫而空 三、青铜器种类 礼器（炊煮器、食器、酒器、水器） 乐器、兵器、工具、车马器 四、青铜器的审美追求 三代政治制度是严格的等级制度，在上层建筑和意识形态，以礼为旗号，以祭祀祖先为核心，具有浓重的宗教性质和巫史文化。三代的物质文化代表是青铜器，青铜器是所谓的“重器”，铜合金在当时是贵重金属，不是贵族日常用器，是祭祀、宴席才使用的器物。
祭司和宴席都是告慰祖先神灵，所以总体精神气势磅礴神秘威严。 第五讲 中国古代绘画理论 一、中。
3.求一篇美术鉴赏论文2500到3000字
著名行销专家、梦无极商学院黄涛老师（左一），奥克兰河南同乡联合会张鹏会长（左二），茅台集团汉酱河南运营高斌总经理（左三），河南中医学院原副院长刘文第（左五），郑州越秀酒家总经理崔乃宝（左六），新西兰UUNZ学院院长陈金明博士（左七），著名画家赵庆国先生（左八），河南消化内科专家冯常炜（左九），三门峡市中心医院原正县级领导王渭营院长（左十），整形美容专家、澍青医学院教授高洪君（右一）等教育界、商界、医药界、文化界精英2019年05月19日相聚绿城，感受赵清国大师风采、共商美好未来。
赵大师的作品国际知名，价值不菲。
4.与美术有关的论文,2500字以上
齐白石作品收藏与鉴赏论及近现代中国绘画，假如让您只说出一个人的名字作为代表，笔者想人们都会不约而同地想到一个人，那就是——齐白石。
曾几何时，中国艺术品市场十年来的发生、发展，几乎就是以齐白石的作品为先导的。从嘉德杨永德收藏齐白石作品拍卖专场的滑铁卢到2003年中贸圣佳白石山水册页1650万元的天价成交，齐白石的作品像是一架天平，衡量导引着中国近现代画作的市场走势，也标榜着收藏家与投资人的趣味和取向一直没有离开这位集书法、篆刻、绘画、诗歌为一身的通才、大才。
因为他是齐白石，也只有齐白石才会有着如此大的感召力，而这种感召力之大正是基于白石老人艺术创作的伟大。这种伟大是一种至“简”至“朴”、至“拙”至“厚”的，尤其是他的山水画，构图出奇出新，无常法而又合法，貌似平淡的笔调，大气磅礴、纯净明丽。
在似与不似之间，把山水灵性的本质，或轻或重、或明或暗地表现出来，大开大合中又见细腻、朴素的善良与乐观的坚强。在白石老人的山水画中，每一笔似乎都含着家乡的泥土气息，每一根线条似乎都凝结着大自然的露珠，清新而华滋、深厚而通俗。
白石老人的书法之好，在中国近现代画家中是少有的，好得让我再看白石以后“画家”们的字款简直不好恭维。白石老人专临“爨龙颜碑”，后学“郑文石碑”，五出五归后又学李北海、何绍基、金农和“天发神谶碑”。
他的绘画成就如此之高是与他的书法水平高密不可分的。古往今来，大画家没有一个不是大书家，董其昌、八大山人、齐白石无不是这样的人物。
他的字，气魄雄强而峻朗、舒峭，但不失拙意。他擅使长锋，故可以充分利用笔锋吸水墨多的特点，气贯而神完，一气呵成。
由于有好的书法根底，在白石老人的作品中，几乎没有经不住推敲的线条，他的线条质量表现在：绵而挺。“棉里裹针”、细中寓柔、柔中见刚。
润而满。不滞、不滑，骨力洞达却将霸悍之气藏于水墨之间不露痕迹。
雄而强。他的字款在所有的转折处都是留得住笔、留得住墨的，特别是他书法线条的过渡，如锥画沙般的笔锋似乎能把纸切开。
他的飞白也极有个人气质，特别是他的“撩笔”，峭拔中虽然略带习气。论及齐白石对近现代中国绘画的贡献，半个世纪以来，无论是美术史学界的专家，还是画家、收藏家，甚至普通的百姓，齐白石的艺术成就是公认的。
齐白石就像一座高峰，就像一把标尺，他的绘画是中国画笔墨情趣的绝对体现，更是中国文人绘画近现代的高峰。他的绘画在走进市场后，更是当今中国艺术市场的晴雨表、风向标。
——文森特•威廉•梵高 始终无法忘记初中时刚接触绘画，听老师讲起梵高，在美术书上看到他的向日葵，我说不出他的画那里好，但他的画就是让我着迷，如痴如醉。我看了一遍又一遍，也许是他的热情感染了我，我希望我就是那朵向日葵，永远向着太阳。
后来慢慢的对梵高有了深入的了解，他生性善良，热爱生活，但在生活中屡遭挫折，艰辛倍尝。他献身艺术，大胆创新，在广泛学习前辈画家伦勃朗等人的基础上，吸收印象派画家在色彩方面的经验，并受到东方艺术，特别是日本版画的影响，形成了自己独特的艺术风格，创作出许多洋溢着生活激情、富于人道主义精神的作品。
《向日葵》、《星夜》、《麦田群鸦》等代表作，大都是在他生命最后的六年中完成的，表现了他心中的苦闷、哀伤、同情和希望，透过这些作品，我可以看到一个更加真实的梵高，更加理解画家的精神和思想。 文森特•威廉•梵高，出生于荷兰赞德特镇一个新教牧师家庭。
24岁之前曾在海牙、伦敦、巴黎等地的古匹尔画店当店员，后来成为传教士，在比利时西南部的博里纳日矿区传教，由于同情和支持穷苦矿工的要求而被解职。在度过了一段极度失望和贫困的生活后，他决定在艺术的探求中完成自我的解脱。
1880年以后，他到处求学，向比利时皇家美术学院求教，向荷兰风景画家安东•莫夫学画，但最后还是决定自学。在1886年以前，他的作品还都处于探索的时期，代表作有《吃土豆的人》、《纺织工》等。
1886年梵高随他担任古匹尔画店高级职员的弟弟来到巴黎，结识了图鲁兹一劳特累克、高更、毕沙罗、修拉和塞尚，并参加印象主义画家们的集会，在色彩方面受到启发和熏陶。1888年2月，他同高更结伴同行，到法国南部的阿尔写生作画，长达一年之久。
这是他艺术风格形成的最重要的时期，南国的强烈阳光和阳光照耀下的市镇、田野、花朵、河流、农舍和教堂，使他禁不住一遍又一遍地高喊： “明亮一些，再明亮一些！” 但后因两人意见不合，高更离去，梵高的精神也开始逐渐分裂。梵高于1888年12月23日发病后，病情时好时坏，时重时轻，一次次住进医院。
1889年5月他被送进离阿尔一公里的圣雷米神经病院，成了彻头彻尾的精神病人。但就在这时，奇迹出现了，梵高的绘画竟然突飞猛进，风格迅速形成。
然而这奇迹的代价却是一个灵魂的自焚。1890年，经过圣雷米的德莫索尔精神病院的长期住院治疗，病势稍有好转后，梵高回到巴黎，住在瓦兹河畔的奥韦尔，接受伽塞医生的专门治疗，并勤奋作画，作有《伽塞医生肖象》、《奥韦。
5.怎么写艺术论文
要写篇关于一件艺术品的论文最好要注意以下两点：1、艺术家想要表达什么？2、艺术家表达得怎么样？这个标准在可以在几种情况下使用。
这是相对而言较好的标准（如果你不会不切实际地看待作品的话），这个标准划出了一道底线，在这道底线上看作品就会避免出现过好或者过低的评价。你可以用这种方法去写书籍、电影、戏剧表演、绘画、音乐以及任何创造性艺术作品。
写艺术论文的大量工作时间是用在分析作品以及写提纲上的。在写作中，会面临许多挑战，不过要是你有个足够完美、坚实的大纲的话，论文就会很好写了。
难度：比较简单说明你需要的东西：你要写的作品的图文本，电脑/纸和笔分析作品1、写出你认为艺术家想通过作品表达什么。16世纪莱昂纳多·达·芬奇画的著名的《蒙娜丽莎》，众所周知，而且高深莫测。
很明显，你不能准确知道达·芬奇本人通过这幅肖像画究竟想传达什么。许多有成就的艺术史家写了大量关于这幅画的文字。
所以，你能表述些什么呢？很多很多。在这个例子里，在一篇关于名画《蒙娜丽莎》的论文中，你可以总结说艺术家试图透过肖像画讲述一个特殊女人的故事。
这可能看起来很明显，不过你要记得，你要描述的作品是很不一样的，比如，一张宗教教学画作，或者一副现代抽象画，因此，关于这种特殊作品的评价就会变得完完全全的不同。2、写出你看到这件充满创造力的作品时的认识和感受。
举例而言，从达·芬奇画的女人身上你感受到了什么？这些感受不用和她的身份有关，但如果你知道了她背后的故事，会更加令人印象深刻。尽量忠实具体地描述你的反应。
别在意自己有没有权威性。你要写篇关于《蒙娜丽莎》的好文章，不必先成为一个专业艺术批评家，或者曾画过意大利式杰作。
3、检查一下第1步和第2步，你的反应是否和艺术家想要表达的相符合——这件艺术作品是成功的么？记住，你喜不喜欢你写的东西不重要。重要的是，你正在用你自身的感受去写一篇艺术作品分析。
记住，你可以写篇文章，比较一下用同样的表现手法的成功与不成功的作品。4、把所有创作作品过程中的变量都列下来——所有艺术家自觉或不自觉做出的决定。
在《蒙娜丽莎》的例子中，这种变量可以是主题、构图、材料（颜料和肌理）、色调、笔触和细节表现程度。5、在每个变量下写个短小的简介。
比如，《蒙娜丽莎》，你可以写“主题——女性”，“构图——肖像近照，画面中心”，“色调——宁静”，等等。论文发表声明与大纲敲定1、用上述步骤写一份发表声明的粗稿。
别用第一人称，即使你的自身感受影响了你的很多想法。发表声明粗稿可以是“莱昂纳多·达·芬奇的《蒙娜丽莎》是一副优美的画作，运用文艺复兴的绘画技巧，但主题仍然成谜。”
你的发表声明可不能是“《蒙娜丽莎》真是太美了啊”。2、在发表声明里把变量整合一下。
你不用把列表里的变量一一写出来，可以每个变量写段话。3、把每个变量如何使作品成功（或者不成功）表现记下来。
写正文1、描述变量的时候写得越详细越好，把你的感受也写进去。一般来说。
这些描述会让读者更相信你的观点。2、写个引人入胜的介绍和令人满意的总结。
3、校对文章。
6.大学美术鉴赏论文
众所周知，美术的鉴赏是运用感知、记忆、经验、知识，对美术作品进行感受、体验、分析、判断而获得审美享受和美术知识的过程。
本学期，我选择了“世界美术赏析”这门艺术学科进行了选修。原因其实很简单，我自小非常喜欢美术方面的东西，对这些看似神秘的艺术形态十分好奇，很想从这课程当中得到一些艺术的知识与熏陶。
通过选修这门课程，我逐步了解了许多关于绘画的知识。学下来收获很大，我逐渐可以感受到了文艺复兴意大利艺坛三杰之一的拉斐尔那作品散发出一种令人愉快的笃定，那种归属感；意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家和建筑师，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表米开朗基罗.博那罗蒂在他的作品中的寓意；了解了被可视为法兰德斯巴洛克风的具体象征的鲁本斯的作品；当然还有现在被我认为是世界上最美的油画之一的伦勃朗的“泰特斯”等等这些经典的西方美术艺术。
通过不断的美术鉴赏活动，可以提高人的审美趣味、陶冶高尚情操，通过美术鉴赏，提高我的艺术品味，吸收前人优秀技法，在中国传统美术教育中是一种重要的方法。而且在我看来从实际情况作为起点，由于经济生活的变化，各种思潮的影响，社会活动空间的扩大，学生产生了一些需要重视和解决的问题。
“高分低能”是一种表现。学生有较多的知识和专业文化，并不一定代表他具有其他方面的素质和修养。
所以要呼吁素质教育。
7.艺术设计论文
一、广告与文化： 1. 传统文化与现代广告的关系 2. 东西方文化差异与商业广告的关系 3. 现代传播手段的进步与广告形式的演变 4. 艺术表现与广告文化的面貌 5. 广告的韵味与品味 6. 文化的对冲与调和——中外文化在广告中的冲突与交流 7. 广告中的人文主义表现 8. 文化因素对广告创意的影响 9. 中国传统文化元素在广告创意中的应用 10. 后现代主义对现代广告的影响 11. 广告中（怀旧主义、现代主义、后现代主义等）的表现 12. 现代社会亚文化（如左岸、布波等）文化在广告中的应用 13. 现代主义艺术流派对广告设计的影响 二、广告创意与构思： 1. 广告创意艺术谈 2. 创意就在你身边——广告创意的几种方法及其应用 3. 创意与生活经验 4. 广告创意的设计要求 5. （恐惧、悬念、幽默、拟人等）技巧在广告设计中的应用 6. 广告的“神似”与“形似” 7. 公益类广告的创意与构思特点 8. 动画脚本的构思与设计 三、广告表现： 1. 论视觉传达设计的创新 2. 谈平面设计的本土语言 3. 图形创意的表现在广告中的运用 4. 中国传统符号在现代招贴设计中的应用 5. 平面广告中色彩要素与人的情感联系 6. 多媒体广告与平面广告的表现特点 9. 计算机数码技术与手绘原创结合 10. 平面广告的形式美 11. 动漫广告设计的创意思维 12. 视觉传达的艺术手法 13. 构成理论在广告设计中的应用 14. 广告作品中节奏感的控制 15. 网络媒体在当今广告行业的应用 16. 公益类广告的表现手法 17. Flash广告的使用与特点 18. 技术突破与艺术表现的结合 艺术设计论文题目 《绘画与平面设计》 《‘全球化’图景中的差异性选择》 《“慨当以慷”与“与忧从中来”》 《“灵”与“肉”的交融》 《“中西合壁”要用中国文化底蕴来作为自己的根基》 《Flash广告发展前景初探》 《包装设计与环境的融合》 《包装设计中人文思想的再思考》 《被人遗忘的艺术》 《标志设计潮流的风格演变》 《标志设计的视觉语言》 《标志设计要素浅谈》 《标志设计中的虚形应用》 《陈设艺术在现代室内设计中的地位和作用》 《触目的真实比漂亮的谎言要美》 《传统工艺美术中吉祥图案的文化意蕴》 《传统酒包装设计的新理念》 《传统美学观对现代广告招贴设计的影响》 《传统美学观对现代广告招贴设计的影响》 《传统文化对现代设计的影响》 《传统与变革》 《传统装饰纹样中的吉祥观念与现代设计》 《从“摄影作为艺术”到“艺术作为摄影”》 《从波谱艺术看美术与设计的互融关系》 《从零度空间到多维空间》 《大学集体宿舍的室内设计和智能话探讨》 《对产品广告样本设计的探讨》 《对农村户外广告设计定位的探议》 《对数码革命与平面设计的一些思考》 《对中国当代艺术的反思》 《感性诉求广告创意新思维》 《关于CI设计的论文》 《观念艺术-后现代探索》 《观念艺术形式中的传统文化资源分析》 《广告创意对品牌的作用》 《广告艺术设计中的情感因素》 《广告中女性形象的四考》 《汉字字体设计与民族文化的融合》 《吉祥符号在现代标志设计中的运用》 《劳动者美术（民间美术）的造型观念与方式初探》 《论“美术”》 《论产品的文化意蕴设计》 《论传统的继承和发展》 《论汉字的魅力与发展》 《论科学美与艺术美》 《论审美创造力与艺术表现语言的统一》 《论中国当代艺术从‘理想’到‘时尚’的嬗变》 《平面设计常用表现手法》 《平面设计从混沌中走出》 《平面设计的现状与思考》 《平面图形设计中的符号原理》 《平面艺术设计的本土语言》 《浅论点、线、面及其综合运用》 《浅谈版式设计》 《浅谈包装设计的文字艺术》 《浅谈波普艺术》 《浅谈技术的发展对插图设计的影响》 《浅谈美术教学过程中创新能力的培养》 《浅谈美术教学中，如何培养中学生的创造能力》 《浅谈企业文化中文化管理的特点和标志》 《浅谈如何更好的在现代图形设计中运用汉字》 《浅谈色彩语言中的色彩对比》 《浅谈设计美学》 《浅谈书籍装帧的封面设计》 《浅谈图形的张力》 《浅谈网页设计技术与艺术的紧密结合》 《浅谈线造型教学与儿童创造力的培养》 《浅谈药品的包装设计》 《浅谈艺术创作》 《浅谈印刷的基础知识》 《浅析21世纪中国艺术设计的信息社会化》 《浅析CI设计中的企业文化冲击力》 《浅析表现与再现》 《浅析灵感的产生在艺术摄影中的体现》 《浅析现代标志设计与传统图形艺术的结合》 《浅议设计思维的主体——符号》 《情感的艺术表现论》 《认识新媒体广告》 《如何推进新传统之我见》 《乳品包装设计现状与展望》 《色彩与设计》 《设计、文脉》 《设计底蕴》 《设计界面说——探讨设计艺术》 《设计是空——极简思维》 《设计引导人与人引导设计》 《设计与美学》 《设计专业对传统图案的学习》 《视觉传达艺术——论独立创作》 《视觉文化到来的几点因素》 《试论广告人格化》 《室内环境设计的基本内涵》 《室内装饰设计的功能、设计与审美》 《书籍装帧中的文字版式设计探讨》 《数字空间——浅谈数码设计》 《谈民居研究的实质手法》 《谈色彩设计》 《谈通过幼儿创造性的美术活动发展幼儿创造能力》 《谈我国工艺品的市场前景与创新设计》 《探悉我国北。
8.怎么写美术论文
摘 要：学校美术文化的构建是当前“文化立校”的重要组成部分。
学校美术文化的构建包括美术教研组文化、美术课堂文化、校本美术课程文化的建设等。只有不断地在价值引领、有机渗透，课改创新、有效生成，校本课程、形成特色的学校美术文化构建途径上行走，才能在常态中培养师生的美术文化意识，逐步形成一种美术文化习惯，为学生的终身发展服务。
关键词：学校 美术文化 构建 文化是一定民族经过长期的物质活动和实践活动积累起来的为一定民族（或种族或集群）共同认同的活动方式及其产生的物质成果和非物质成果，包括民族心理和价值观念的总体〔1〕。一般认为，学校文化是指学校主体在整个学校生活中所形成的具有独特凝聚力的学校面貌、制度规范和学校精神气氛等，其核心是学校在长期的办学中所形成的共同价值观。
也可理解为学校全体成员或部分成员习得且共同具有的思想或行为方式。对于学校文化的理解，陶西平先生认为，学校网文化有两个关键的词：一是学校文化一定是“形成共识”的；二是学校文化是一个“价值观体系”。
作为学校文化的重要组成部分的学校美术文化建设包括美术教研组文化、美术课堂文化、校本美术课程文化的建设等。那么在学校大文化建设中，如何去构建学校美术文化？笔者做了如下的探索，以求教于大方之家。
一、价值引领，有机渗透——学校美术教研组文化的构建 学校美术教研组文化其发展状态呈现并经历四种类型： 1. 无意识没感觉的散漫化状态。美术教师只是忙于日常教学等工作，对学校美术教育的追求和文化愿景浑然不知，对学校美术教育的文化内涵和文化生态也茫然不知。
只体现在学校环境建设中，作为用来美化校园的一种后勤保障方式而已。这时的学校美术文化基本处于顺其自然、走到哪里算哪里的散漫状态。
2. 有意识没思想的点状化状态。学校领导意识到美术教育存在的文化内涵，也努力去改造和提升美术教育的文化品质，但处于东一榔头西一拐杖的状态，既缺少对学校美术文化的价值引领，也缺少改造和发展学校美术文化的整体规划。
把它只作为学校其它亚文化形成中的辅助手段，仅仅是教室、专用教室的环境布置，装裱制度、名人名言上墙的制作工具，或者设计一下舞台、报栏，美化一下橱窗、黑板报等。 3. 有策划有思想的结构化状态。
随着学校文化意识的觉醒，学校管理者开始有步骤、有策略地整体性和结构性地打造学校美术文化，并有明确的价值追求蕴含其中。此时，学校管理者成为学校美术文化的推进者和领导者，学校美术教师则成为学校美术文化的策划者、管理者和实践者。
4. 有特质有品位的特色化状态。通过美术教师群体的共同努力，学校美术文化在长期的活动中形成了与众不同的文化精神和价值追求，并形成了系列化的教师群体层面上的文化产品，一言蔽之，形成了富有特色的学校美术文化形态。
如陶艺文化中心，版画艺术交流馆等等。学校美术文化形态的出现，就是这种特色文化形成的标志。
如何构建学校美术文化呢？首先，学校管理者和美术教师要对时代的文化精神保持敏感，我们这个时代的文化精神的核心是人的主体性的张扬，是对人的生命自觉的培育和彰显。其次，将时代文化的核心精神吸纳到学校文化中，形成具有时代特色的学校文化〔2〕。
再次，美术教研组全体成员要在高度认同所在学校的文化精神的基础上，结合本教研组的具体情况，通过共同研讨和协商，形成本教研组成员共育共享的文化。 美术文化一旦形成，其带来的直接效应就是以文化育人，以文化培育教研组品牌。
品牌学校的形成，除了需要有品牌教师、品牌校长之外，还需要有品牌教研组，它是品牌教师形成的摇篮，是品牌学校形成的重要引擎之一。学校管理者应不断地去思考：美术文化的创建，为学校文化带来了什么（从硬件上加强了学校物质文化建设，让每一块墙壁说话，让每一个景点育人等），改变了什么（改变了学生的粗言秽语、乱丢乱画等坏习惯，陶冶了学生情操，推动学生文明行为的生成和促进良好习惯的形成等）丰富了什么（丰富了学校文化氛围，增强了浓浓的文化、艺术气息，活跃了学生生活等）还缺失什么？美术文化如何根植于学校文化之中？学校文化品牌和教研组文化品牌的内在关联性何在？美术教研组长则要思考：通过美术文化的创建，本组教师改变了什么，发展了什么，本教研组为学校文化贡献了什么？ 在这种情况下，美术文化就与学校文化形成了双向构建、双向转化、双向互动的关系。
这正是我们希望看到的一所学校理想的文化生态。 二、课改创新，有效生成——学校美术课堂文化的行动 课堂文化的育人功能，一般教师仅仅理解为知识内容的育人方面，这种理解是十分片面的。
其实课堂文化的内涵是十分丰富的。诸如，课堂中的内容开放文化，民主关系文化，创新评价文化等等，这些要素在学生素质提升、个性张扬中的作用和影响是十分巨大的。
1.教学内容的开放——成为学校美术文化构建的源动力。 美术课教学内容既有与学生认知、美术素养水平相一致的，也有不相一致的。
只有把满足学生发展需要、符合学生最近发展区，并与学生原。
9.美术毕业论文怎么写
美术毕业论文 学前美术教育的现状与研究 摘要：本文分析了我国学前儿童美术教育的现状，对美术教育改革进行了思考，并提出了相关的建议。
关键词：学前教育，美术，现状，研究 一、当前我国学前儿童美术教育的现状 （1）在教育目标方面，出现两个误区：其一，把美术教育等同于技艺教育，认为教会孩子画出一张美丽的图画，做出一件有趣的玩具便完成了任务，把重点放在培养孩子的正确描写和表演能力上，把技能技巧的培养作为重要任务；其二，把美术作为实施德育、智育的手段，作为完成某一中心任务的从属部分，没有本身的独立体系。殊不知美术教育本身是一个独立的领域，是一个具有极大潜力的领域，它的任务是既培养儿童对艺术美的欣赏、识别，又培养儿童的审美心理素质，帮助他们学习用美的眼光来把握世界。
（2）在教育内容方面，强调对自然的模仿和再现。模仿现实生活中的简单物体和图片是美术教育的主要内容。
于是儿童作品中的模式化倾向非常突出，无论在一个幼儿园里、一个班级里，甚至在儿童作品展览上，从花花绿绿的各式各样的作品中，我们都可以看到许多带有模式化的人物、动物形象。固然，学龄前儿童从自我中心转化到以客体意识为主的过程中，概念画的出现是不可避免的，然而，我们也发现教师、家长在这方面起了推波助澜的作用。
因为依靠学前儿童自身的能力和自发性发现是很难有“好”的作品出现的，为了“早出成果”，教师往往采取简单的临摹方式，用孩子的手，画出成人期望的画，不断地临摹，造成儿童思想僵化，失去了探索学习的兴趣和能力。社会上充斥于市场的儿童图书、练习册、电视中的动画片又为儿童提供了绘画范例，于是，大量的儿童失去了他原有的稚拙天性，有些儿童画在成人的加工下，故作“天真”，仍然会令人感到失去了真正的童趣。
（3）在教学方法方面，灌输法仍然被大量使用。在美术教育中，用简单的几何形体作为标准模式，给儿童临摹学习，让其画出各种形状。
教师是美术活动的中心，教师提供的形象是孩子们的典范，培养出来的几乎是一个模子里倒出来的式样，没有“自我”和“感觉”。教师为了寻找大量的模式给孩子临摹，于是“简笔画”应运而生，它的影响几乎席卷全国，为灌输法大开方便大门。
现在，关于“简笔画”的功过，还在热烈争辨之中。我们认为根本问题在于教育观，希望培养什么样的孩子，用简笔画提供的种种图式直接灌输给孩子，从表面上看，孩子的画面内容丰富。
但是，孩子们学得被动了，画出来的画就模式化了，它代替了孩子的感觉、思考和想象，使他们失去了对周围事物的敏感性，失去了孩子自己的绘画语言和个性风格，最重要的是对孩子潜在的创造力的扼杀和自我创造意识的摧毁。 二、我们对学前美术教育改革的思考 结合我国当今儿童美术教育的现状，笔者在教育的指导思想、教育目标、教育内容和方法方面作了较为深入的思考，在实施艺术综合教育的过程中，同时也对美术教育进行了全面革新，现概括如下： 1、以培养深层次的审美心理结构为中心 美术教育内容和形式的多样性、丰富性，为儿童的审美心理建构提供了丰富的审美客体和探究刺激。
儿童在美术活动中运用审美感官，在遗传获得和以往实践中形成的原先的心理结构基础上，通过同化作用，形成同形同构或异质同构的关系，融人新的艺术对象，丰富了原有的心理结构，或者在新旧信息相互比较、分析、综合中发生顺应作用，充实、改组和重构原有的心理机构，使之发生质的变化。审美心理结构以系统结构的方式内化，沉淀于人的心理构成审美心理的整体结构系统。
美术教育可以帮助儿童进行整体的系统的审美感知，形成完整的心理结构。美术实践使儿童产生了审美的需要，形成了特定的审美个性，只有长期的艺术熏陶，艺术实践和审美环境才能使一个普通的人建构和发展较为完善的个体审美心理结构，变为审美和创造美的人。
从这种意义上看，美术教育就是塑造个体审美、创美的个性教育。 （1）培养敏锐的审美感知能力 幼儿的审美感和特点： 一是直觉性。
幼儿对事物的认识，特征在于对感性经验的全面依赖。在他们的心目中的事物就是他所看到的、听到的、接触到的那个样子。
二是整体性。幼儿对事物的感知是从笼统到分化。
幼儿的视、知觉一开始把握的材料，是对事物整体的粗略的结构，先认识树，再进一步认识它是由树干、树枝、树叶构成的整体。 三是同一性。
幼儿常常拟人化地观看世界，把外部的一切都看成和自己一样具有生命力，认为自己感受到的东西，物也一样能感受到。美术作为视觉艺术，具有增强感知能力最强有力的手段，通过美术活动可以培养幼儿审美器官的灵敏度、活跃性和统摄力，激活幼儿对生命特有形式的感受能力。
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《撑阳伞的女人》Femme a l'ombrelle 作者： 克劳德 莫奈 Claude Monet 印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。
以"光为画面主角"的印象派最伟大的大师莫奈曾经画过二幅《撑阳伞的女人》，一幅作于1875年，一幅画于1886年。 首幅画里的采用仰视的角度来表现画面的人物，女人半侧着身子，衣褶因为她的转动也在旋转，动态的呈现着这一微妙的动作，而平衡女子动作的是她手持的阳伞。
阳伞的灰绿色调与天空融合在一起把人物既与画面结合又使人物跳出背静那澄明的天空动感在人们眼前。画面中的远处的小男孩儿又拉深了画面的层次感，不仅突出了撑阳伞的女人也把远处的天空显得更加高远。
但，在印象派中"光才是画面真正的主角"。在这幅画中，采用原色并列、重叠和补色手法，形成新的绘画语言。
为了表现物体的动态变化和光色的斑斓绚丽、光怪陆离，画家采用小笔触和色调并列方法，有些颜色不再在调色板上调配，而是黄、蓝并列，时而重叠，并把黄和绿、蓝和橙色补互对比，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。 光与影正是依托于这两个人物跳跃穿梭在人们眼帘中的。
女人身后的天空如同水一般透明多变，仿佛一指就可以戳破。 阳光透过湛蓝的天空洒到女人的衣裙上，正因为光影的作用，女人的上半身色调昏暗表明她处于伞的阴影之下。
微风扬起的裙袂上有莫奈最擅长捕捉的光与影——蓝天的光彩、女子脚边墨绿的草与淡黄的花朵的颜色。它们反衬在女子的裙子上，袖肘上。
女子脚下顺着微风倾斜的花草，仿佛可以闻到泥土与花草混合的清新气味。 用模糊大块的笔触来描绘，是莫奈在绘画技法上的一大特点。
这也是印象派不注重所描绘的主题本身而注意光影的需要所产生的必然结果。在这幅画中，我们尚且可以看出撑伞女人的外貌，但是她和她构成三角型起稳定画面作用的儿子的面貌却被简化成了仅有两个黑洞洞眼睛长相的人。
可是，也正因为这样，我们不必纠缠在画面的技法上而能把更多的心思花在画面所传递的，清晨，母亲和孩子散步的惬意及其中的微风，蓝天那种恬静美好当中。 所以印象派的胜利在于它不仅仅是开拓了一条奇路使人们耳目一新更在于它可以把画家自身的感受记录下来传递给他人。
这种心灵上的震撼是其他流派所无法比拟的。 从中也可看出当时莫奈初期作品风格强调瞬间的感官色彩来搭建一座用色彩构成的绚丽的世界。
突破当时束缚绘画的古典主义，把绘画从单纯的照物写实中解放出来，开拓了一条用眼睛捕捉"瞬间美好"的新的绘画流派。 作于1886年的《撑阳伞的女人》和第一幅画在构图上相差不远，人物在衣着上更是如出一辙。
但，比起第一幅，人物处于更次要的位置，印象派很少画人物，风景中的色彩变化才是莫奈的永恒主题。所以第二幅《撑阳伞的女人》足以看出莫奈及整个印象派的走向。
画中大块的墨绿和棕红的，凝重的颜色。不再看见早期注意天空光影的纠缠和光影对人物的影响，换而之是大块更大块的颜色铺成一幅画甚至连人物本身都只是画中颜色的一部分（上一幅中女人的尚可辨认的面目在这里彻底被简略掉）。
或者说我们可以感受到画面里的风不再是清晨的微风而是夕阳落下的晚风，吹的人物身后的云彩在大块急速的运动，炽热的阳光照在草上淹没了女人的脚，女人上半身因为撑阳伞形成的阴影和下半身被阳光照耀仿佛要燃烧的裙子形成强烈的对比，加上飘扬的纱巾给人以视觉冲击。 两副几乎同样的以撑阳伞的女人为主题的作品，但是意境却相差万里。
这就是印象派的核心所在——此时此刻的光和影。而光与影永远在变，水中的浮光掠影，空中的色彩万千，地上的花朵妖娆。
不变的是对影的捕捉对光的追随。 这件作品是莫内早期的印象技法画作。
画面正中偏右站着一位撑阳伞的女仕，而画面偏左较远处的就是她的儿子。这是一个晴天的早上，两母子在草地上漫步。
整幅画只用了简单的蓝、绿、棕等自然的色彩，给人一种宁静舒适的感觉。画中的女仕占了画面大部份的空间，成为画的趣味中心。
但左侧的小儿子与阳伞和女仕也构成一个三角形，得到一个平衡的作用。 虽然此画是莫内早期的作品，但也可见他已很好地捕捉光影和画中的瞬间印象感觉。
画中女仕面部和上半身都用上较暗的色彩，表明是处于阳伞的阴影之下。而整个阳伞、面部、衣裙和草地上的阴影区，与女仕衣裙上向光一面的光影形成对比（小儿子方面也一样），就如现实中看到的一样。
另外，女仕摆动的头巾和长裙上的绉褶也加强了画面的动感。