众文网1.大学生艺术论文
艺术理论论文：浅谈舞蹈创作 舞蹈是一种以人体动作为“语言”的 艺术 形式，它有着其他艺术形式所无法替代的 社会 功能。
它“咏歌之不足，不知手之舞之，足之蹈之。盖乐心内发，感物而动，不知手足自运，欢之至也。”
当人们的情感达到及至，用语言与其它方式都无法尽情宣泄时，舞蹈就是最好的抒情表意之举了。当我们大步迈进一步21世纪，经历着我们祖国举世瞩目的变化时，生活在神州大地的人们，无不深切体会到自已周围所发生的和即将发生的事情。
这些令人振奋、使人难以抑情的一切，鼓动着有志者跃跃欲试，激励着人们去表现，去颂扬。正是这些社会内蕴，一些年来，专业的、群众性的舞蹈创作邻域，涌现出大批能拨动人们心弦的优秀作品。
这些作品取材广泛，风格多样，从不同的角度唱人言物，咏志抒情。通过各种表现手段，深刻揭示人的内心世界，挖掘世间美好情感，启示人生追求真谛，收到了很好的社会效果。
同时，我们也应看到，今日的 中国 ，形式 发展 一日千里。高速发展的 经济 ，是益提升着生活水平，已使人们的审美追求攀升到前所未有的高度。
人们在物质生活及在改善的同时，渴求着更多的包括舞蹈在内的艺术精品，满足他们不断增长的精神需求要。因此，多出，快出舞蹈精品，是社会赋于我们的责任。
在这里要指出的是，舞蹈来源于生活，它是人民大众的艺术。舞蹈的本质已决定了它的群众性，因此，舞蹈创作就不是什么神秘王国。
只要掌握了舞蹈创作的基本 方法 ，把握正确的创作途径，紧紧抓住舞蹈艺术表现手段的根本，在不断的 总结 与实践中，就会有许多好作品从你手中涌现出来。 我将从“舞蹈创作的前提”、“舞蹈创作的基本技法”、“与广场舞蹈创作的同与异”、“少儿舞蹈创作的若干 问题 ”等几个方面，漫谈有关舞蹈创作的一些问题，希望能为舞蹈创作的繁荣出一点微薄之力。
我们首先谈舞蹈创作的前提。 要创作出好的舞蹈作品，必需有正确的途径。
前提是创作者必需具备较高的专业修养，这些修养的靠持之以恒的实践与积累逐步形成的。概括讲，要首先从以下几个方面入手。
（一）观察生活，熟悉生活。 生活是艺术创作的源泉，舞蹈作品、舞蹈形象的产生都是从生活当中来的。
舞蹈创作者只有在日常的工作生活中认真细致的观察生活，逐步积累这些来自生活的大量素材，对这些素材进行 科学 的 分析 、理解和熟悉，从中筛选出典型的、具备象征意义的“材料”，并对它们有了真正的切身体会和实践感受之后，才有可能创作出打动人心的成功作品。 例如：浙江省孙红木在谈她创作《养蜂的小妞》的创作过程时说：从表面看，养蜂的工作按照舞蹈创作要求缺乏动态，即可舞性，难以很好的树立舞蹈型像。
但从舞蹈长于抒情的角度认真地思索分析，发现蜜蜂这种神奇的小昆虫勤劳、坚韧、勇敢，它为人类创造财富，送来甜蜜。而养蜂人常年四处奔波，追踪蜜源，工作辛苦、平凡。
养蜂人的工作和蜜蜂的精神都值的我们去赞美。但是如何用舞蹈去表现呢？经过细致的观察，发现养蜂人与蜜蜂有着不同寻常的亲蜜的爱的关系，而这种特殊关系使我们在他们“静态”的劳动中看到他们“动态”的内心世界。
他们那种欢乐、甜蜜、幸福的内心世界洽洽适合用舞蹈去表现。具体的方法就是把思想、情感化为能被观众看见的“动”的形像，这种形像是情感，升华的表现，绝不是去勉强模仿表现他们劳动的外部形态，而是要始终抓住并表现养蜂人的“情”。
艺术作品不夸张就没有表现力，而夸张就必须有丰富的联想——想象力。联想到养蜂人的头、身、手都沾满蜂蜜，引起蜂对人的追逐、嬉戏，从中体现蜂与人之间感情的交流。
这种交流形成的欢乐劳动中的“节奏因素”使舞蹈“形”、“情”具备，由此产生了舞蹈的形像基础。加之巧妙的运用道具，突出养蜂小妞可爱的性格特征等，使《养蜂小妞》给观众留下深刻的印像。
生活美不等于艺术美。创作者对生活中各种美的事物要进行高度的浓缩与升华，要善于像蜜蜂吮吸花蜜那样，吸取生活中最甜美的营养，进行艺术的高度概括，使其成为鲜活动人的舞蹈形像，给观众以美的享受与薰陶。
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2.求一篇 <浅谈艺术作品的魅力 > 1500字左右的论
艺术导论论文 浅谈艺术的永恒魅力 缤纷斑斓、瑰丽多彩的艺术世界，令人心醉神迷、流连忘返。
然而，艺术究竟是什么？关于这个问题，不同时期的专家和学者都有各自不同的观点。柏拉图认为，理性世界是第一性的，感性世界是第二性的，而艺术世界仅仅是第三性的。
康德认为，艺术纯粹是作家艺术家们的天才创造物，这种“自由的艺术”丝毫不夹杂任何利害关系，不涉及任何目的。俄国19世纪革命民主主义者车尔尼雪夫斯基从他关于“美是生活”的论断出发，认为艺术是对生活的“再现”。
18 世纪德国哲学家席勒认为艺术活动或审美活动起源于人类所具有的游戏本能。目前似乎谁也不能够明确地给予回答。
撇去文献资料的繁冗，哲学观点的争辩不休。笔者仅以自己的浅薄之识谈一下对艺术的理解。
什么是艺术？艺术就是对人类对世界的认识的情感表达。艺术无处不在，无处不有。
艺术时刻点缀着我们的生活创造生活中的美，艺术拥有永恒的魅力。 一、艺术让我们懂得去发现美 青山绿水，鸟语花香，你视而不见；蓬莱文章，古今佳作，你望而生厌；巍巍泰山，绵绵长城，你望而却步；阡陌交通，鸡犬相闻，你嗤之以鼻。
生活在同一个世界，为何你的眼中就没有美？那是因为你不懂得去欣赏。而如果你懂得什么是艺术，你就会发现原来身边的世界如此美丽。
艺术给了我们一双善于发现美的眼睛。当重新审视这个世界的时候，你会发现美无处不在。
山有稳健之美，水有静柔之美，草有苍翠之美，花有香艳之美，海有辽阔之美，溪有清澈之美，天空有高远之美，自然有和谐之美。艺术我们美丽双眼的滋润液，带我们走进色彩斑斓的大千世界，让我们学会审美。
审美并不一定要有《兰亭序》、《米洛的维纳斯》、《蒙娜•丽莎》和《田园交响曲》。 其实，每个人自己的大脑在那颗智慧果的营养中已经获得了令人难以置信的创造力，它有足够的能力随时创造出比迄今为止所有的自然美景和艺术品更加扣人心弦的壮丽画卷（这并不为多数人所理解和接受，但它却是实实在在、千真万确的），从而随时使自己跨入无限辉煌的审美时空，随时使自己在瞬间获得永恒！ 二、艺术让我们懂得去追求美 一幅书法作品《兰亭序》被誉为“天下第一行书”，不仅因为笔意流畅，灵活多变，其中更赋予了王羲之对艺术执著不懈的追求。
不论是科学界还是哲学界，总有一种力量在激励着我们，让我们去追求美的东西。 马克思四十年如一日的终日苦读，源于他对哲学美不断追求。
最终，他集德国古典哲学，英国资产阶级政治经济学和法国空想社会主义与一体，完成了唯物主义的哲学观点。《命运交响曲》唱尽了贝多芬人生的悲怆和同命运作斗争的艰难与不屈；《蒙娜丽莎》更是达芬奇将内心永存的永恒的微笑尽画其中。
张恨水一生勤于笔耕，3000多万字的文学作品流传于世，真可谓著述丰厚，像他这样勤于创造的一生，不仅展露了他人生的智慧，也尽显了他对生命之美的不懈追求。 生命之美更存在于不息的创造之中。
有一首歌唱得好，“幸福在那里？朋友啊告诉你，它不在柳荫下，也不在温室里，它在辛勤的工作中，它在艰苦的劳动里。”其实，生命之美又何尝不是如此？只有当生命在不断的耕耘不断的创造时，才能完善自我超越自我升华自我，才能体现出生命的意义和价值，生命的美也就尽含其中。
正因为蜜蜂从不间歇地辛勤采撷，所以蜜蜂不仅自己欣赏了百花争妍的大好自然，而且也成为了人们眼中勤劳使者的象征，当然，人们也就不惜用一切好词佳句来讴歌蜜蜂的生命之美；蚂蚁整天东奔西跑，忙忙碌碌，从不疲倦，只要它出了洞口，就会不苛求劳动的条件，从不休息，而愉快地劳作，因而，蚂蚁也就在忙碌中创造了生命之美。 世间一切撼人心魄的美，均源于生命，而生命之美又源于灵动和不停息的创造，所以，只有一个懂得珍惜生命的人，才能真正创造生命的美，展现生命的美，享受生命的美！ 艺术，让我们明白什么是真善美，什么是假丑恶，什么能够遗传千古，什么够流芳百世。
人们希望在有限的生命里追求无限的价值，在相对的存在中追求绝对的意义。对艺术的执著精神激励着人们惜时如金，不负年华，积极向上，建功立业。
三、艺术让世界多姿多彩 从古埃及大漠中的金字塔、罗马庞培城的斗兽场到中国的古长城，从秩序井然的北京城、宏阔显赫的故宫、圣洁高敞的天坛、诗情画意的苏州园林、清幽别致的峨眉山寺到端庄高雅的希腊神庙、威慑压抑的哥特式教堂、豪华眩目的凡尔赛宫、冷峻刻板的摩天大楼，无不闪耀着人类智慧的光芒。而这些正是建筑艺术给我们带来的艺术盛宴。
建筑的文化内涵表明，建筑艺术风格的形成和发展不只是物质因素的作用，同时可能是，甚至更主要的是精神文化因素促成的结果。建筑艺术中蕴藏着时代的、民族的文化气息。
飘若浮云，矫若惊龙的王羲之书法，颠狂醉态的张旭狂草，“颜精柳骨”……书法艺术是中华民族特有的一种传统艺术形式，它主要通过汉字的用笔用墨、点画结构、行次章法等造型美，来表现人的气质、品格和情操，从而达到美学的境界。 1841年3月，恩格斯听了《命运交响曲》的演出。
他在写。
3.艺术概论论文怎么写 2000字 5个论点以上
艺术的继承是历史的必然的，任何艺术都是不断地继承者前代的艺术，这是艺术发展的历史必然。
其次，创新是艺术发展的必然规律。艺术的创新与发展规律是哲学上发展规律地具体体现，发展是普遍的，是新事物取代旧事物，这在艺术上就体现为对前代艺术的创新，即对过去的文化遗产取其精华，去其糟粕，同时，对艺术进行创新。
没有创新的艺术注定没有生命，唯有创新才能给艺术带来旺盛的生命力。那佛教艺术在中国的曲折发展为例，早起佛教传入中国，保留了大量的印度佛教的形式内容，包括经文、雕塑、壁画等，这些文化艺术与当时中国的儒家文化、道家文化及法家文化有很多冲突之处，佛教在中国的传播受阻，甚至无法传播。
为了适应中原文化而实现弘扬佛教的目的，佛教僧侣在佛教义理、艺术形式等方面做了大量的改革创新，变佛经梵文为“俗讲”、“变文”，以中原人物原型制作壁画，仿造中国建筑构造佛寺佛塔，各种塑像也加入了中国神话传说中的诸方神仙鬼怪等，这些无疑给原本不适应中国文化的佛教艺术注入了新鲜的血液，佛教也在唐朝时期达到了全盛。 艺术的范围实为广泛。
我们从事的各项工作都或多或少跟艺术有着千丝万缕的联系。今年，融合了法兰西艺术气质与干邑文化的马爹利再次与艺术携手，令独具慧眼的鉴赏家们体会到了非凡的品鉴乐趣。
马爹利推崇“独具慧眼，领悟非凡”的品鉴艺术，自2004年起倾力呈现的年度“马爹利非凡艺术人物”大奖便是对那些在艺术世界里充满灵感与才华的艺术家们的欣赏与褒奖。他们的创造力、独立而充满灵性的思维，也正为懂得鉴赏非凡才情的马爹利所推崇。
今年，马爹利在北京中国美术馆隆重举办马爹利非凡艺术盛典。五位来自不同领域的艺术家荣膺2006年度“马爹利非凡艺术人物”。
他们分别是：当代油画家张晓刚，当代女性艺术家林天苗，新媒体独立艺术家王功新，中国先锋雕塑家展望以及法国摄影大师马克·吕布（MarcRiboud），马爹利为拥有高尚品味和独到智慧的品鉴者提供了又一次共同领悟艺术家独特艺术气质的机会。 马克·吕布：自由激情的行者 马克·吕布（MarcRiboud）是一名真正意义上的行者。
在世界各国旅行期间，他敏感地拍摄当地人民的生活变化，通过细微的生活细节来反映出一些重大和深远意义的内容。他对人性的执著和关注为推崇领悟非凡的马爹利所欣赏，并推选为2006年度“马爹利非凡艺术人物”，以此来表达对这位非凡艺术家的深深敬意。
这位满头白发的摄影大师以他那锐利的目光注视着人类社会的每一个角落。他的足迹遍及全球，尤其是印度、中国、越南、美国和中东；他的底片上记录着他与当地人民自然地交流；他的作品追求平实自然的玛格南摄影风格；他坚持抓拍，不干涉对象，只用现场光，其作品注重细节与内涵，平实的画面耐人寻味。
为了保证视觉效果的真实，他习惯使用莱卡M6型相机，配用35毫米的镜头，以其宁静柔顺的快门而不致惊动被摄的对象。他的作品在全世界摄影界产生过巨大的影响。
他报道过越南战争以及其它许多历史事件。在1957年他发表了报道中国的第一张图片。
从那时起他先后6次访问中国，观察和记录了在中国发生的许多事。他以其独到的眼光拍摄了很多具有典型代表意义的照片，对于反映当时中国的社会现状与历史特色起着见证与忠实纪录的作用。
他热爱中国和中国人民，他用友善、温和的画面去赞美东方的和谐之美。 展望：回归物质技艺的雕塑家 在当代中国艺术家中﹐展望是最早深入地思考雕塑与当代艺术的关系的艺术家之一。
从雕塑的角度看﹐展望的思考出发点是如何通过技艺来表现观念。展望对工艺性和物质本质的执著关注使他为倡导领悟非凡的马爹利所推崇，从而成为2006年度的“马爹利非凡艺术人物”。
展望的雕塑作品希望利用物质材料的社会属性，来展现一种现代感受力。他从物质的工艺实践中体会到了物的“社会性”和“文化性”。
但是﹐他的“物质即观念”的想法并没有使他完全进入一种纯抽象的关于雕塑哲学的思考。相反﹐则显示了他越来越关注雕塑客体与外部环境以及社会的关系和对话。
展望的《假山石》系列创作有10多年历史，他常年研究各种奇石，以不锈钢的材质塑造了人工化、现代化的“假山石”，意在对中国传统文化进行重新阐释，表现城市工业化进程。冰冷的简单重复体现出现代都市的大环境，也是他一贯的对材料语言运用充分的表现。
这一观念还引导他进行了多次的行为艺术创作，例如将“假山石”流放太平洋、到珠穆朗玛峰等。 张晓刚：负责内心的艺术家 张晓刚从1980年代初至今一直活跃在中国艺术界的创作前台，所以有人说，从张晓刚身上可以投射出中国二十多年新艺术发展的历史。
在他的作品里，艺术常常与“生命”、“心灵”这些概念联系在一起，他相信直觉甚于对观念的探索，依凭体验甚于借助知识，注重情感而仰慕理性的光芒，因此他对生命形式不竭的追问常常会以某种“内心独白”的方式流淌出来。也正是由于他对个体人性敏锐的洞察力和表现力，使他为倡导领悟非凡的马爹利所推崇，从而成为2006年度的“马爹利非凡艺术人物”。
4.求一篇艺术与生活的论文
原发布者：中国学术期刊网
浅谈艺术与生活摘要：有人说：“艺术高于生活，甚至是艺术家的一种故弄玄虚的把戏。”我并不这么理解。我所理解的艺术，应该是一种可以亲近的，即使是玄妙的，它的本意也应该是对生活的诠释。艺术源于生活，体现生活。艺术成为一种大众的精神交流方式之一。关键词：艺术生活时代体验如今在中国几千年传统文化和异域文化的撞击之下，艺术将渐渐的变成一种协调统一的，并存兼有的状态。这正符合了当今时代一体化的趋势。在这种趋势下，艺术越来越成为一种大众的精神交流方式。当然在发展的道路上会有些幼稚，不成熟，也或许只处在试验阶段，只有经过时间的过滤和历史的积淀，它们才会逐渐变得生动和深邃。例如当前盛行的装置艺术，dv影像艺术等等。但是我们应看到各种艺术形式交错的背后，都体现着这个时代政治、经济、文化的烙印，或者说是一种时代发展的精神。艺术源于生活，体现生活。一首先以杜尚为例。杜尚，法国画家，生于美术世家。1917年他把一个小便器命名为《泉》送入艺术展厅。1919年他在巴黎与第一个达达小组建立联系，创作《带胡须的蒙娜丽莎》，即在《蒙娜丽莎》的画像印刷品上加上胡须。“——杜尚现象指出了：当把一件生活中普通的物品，经过我们对生活的感受，用自己的方式体验表达我们对生活的一些认识，此时这件普通的事物就会有了艺术的效果。”小便器在生活中无疑只是一个生活用具，人们使用它，也是极普通、极平常的生活行为，本无特异之处。当杜尚把小便器送去展厅时，从某种角度看，就已经把普通生活用
5.艺术与生活论文八百字
艺术在常总是十分高雅而不可及的，其实它可以是一首歌、一次展览、一段经历……有艺术的生活就有欢乐，就有美。
生活处处有艺术，当然我们家也不例外。当我小学一年级的暑假时，妈妈带着我来到了一个弦乐培训班，当我还没搞清楚是怎么回事时，一个慈祥的老爷爷递给我一把奇怪的东西，接着一个大哥哥手把手地教我怎么拿，还告诉我这把奇怪的东西叫“二胡”，从此，我的二胡学习生涯便开始了，刚开始还真是十分的“新鲜” 那时候，只知道新奇，根本不知道学习弦乐的艰辛，每天一放学回家就拿起二胡，拉着弓，内外弦地拉换，觉得很有趣，可学了一段时间，新鲜瘾过了，我便尝到了学二胡的“艰辛” 先是找音很困难，因为二胡没有像笛子、古筝那样有个固定的音准，所以只能靠耳朵来找音调，在音准问题上是需要学者下许多工夫。
接着，我天生就是个慢性子，对快弓的掌握十分吃力，一练几个小时还得不到什么见效。为此，我常常是边哭边学，再加上小孩子贪玩，可练二胡常常是好几个小时，练完了还得做作业，哪还有什么时间玩。
那时，我对二胡还真是厌倦至极，还想过放弃，可每次还是坚持下来了。练了几年，上了轨，也就不用那么辛苦了，其实练二胡也是有技巧的，我也终于感受到了音乐、艺术带给我的“乐趣” 随着学习二胡等级的升高，曲子也越来越有难度。
可是，我却不再像以前那样厌倦，而是从中寻找乐趣。其实有没有学会固然重要，但过程，克服困难的过程更重要。
当我开心时，我用音乐表达我的欢乐，当我悲伤时，我也用音乐来发泻、表达，将我的感情融入二胡，这也许是最好的表达方式吧！学二胡，真的令我“受益匪浅” 学二胡，不仅仅让我有了这一技之长，更重要的，是使我收获了克服困难的毅力与良好的心理状态。至今，我已经逐步学会如何良好把握和调解心理，使钉在面临重大事件前不会惊慌失措、紧张而导致没能发挥自己应有的水平。
不仅这样，学一门乐器，还使我的乐感有了提高，陶冶情操。丰富了我的课余生活，使我的生活中也飘满了艺术的芳香。
有了艺术，生活才有美，有了生活，也才有艺术。生活处处都是艺术，不需要刻意发现。
自然产生美，自然才有艺术。
6.艺术与生活论文八百字
艺术在常总是十分高雅而不可及的，其实它可以是一首歌、一次展览、一段经历……有艺术的生活就有欢乐，就有美。
生活处处有艺术，当然我们家也不例外。当我小学一年级的暑假时，妈妈带着我来到了一个弦乐培训班，当我还没搞清楚是怎么回事时，一个慈祥的老爷爷递给我一把奇怪的东西，接着一个大哥哥手把手地教我怎么拿，还告诉我这把奇怪的东西叫“二胡”，从此，我的二胡学习生涯便开始了，刚开始还真是十分的“新鲜”
那时候，只知道新奇，根本不知道学习弦乐的艰辛，每天一放学回家就拿起二胡，拉着弓，内外弦地拉换，觉得很有趣，可学了一段时间，新鲜瘾过了，我便尝到了学二胡的“艰辛”
先是找音很困难，因为二胡没有像笛子、古筝那样有个固定的音准，所以只能靠耳朵来找音调，在音准问题上是需要学者下许多工夫。接着，我天生就是个慢性子，对快弓的掌握十分吃力，一练几个小时还得不到什么见效。为此，我常常是边哭边学，再加上小孩子贪玩，可练二胡常常是好几个小时，练完了还得做作业，哪还有什么时间玩。那时，我对二胡还真是厌倦至极，还想过放弃，可每次还是坚持下来了。练了几年，上了轨，也就不用那么辛苦了，其实练二胡也是有技巧的，我也终于感受到了音乐、艺术带给我的“乐趣”
随着学习二胡等级的升高，曲子也越来越有难度。可是，我却不再像以前那样厌倦，而是从中寻找乐趣。其实有没有学会固然重要，但过程，克服困难的过程更重要。当我开心时，我用音乐表达我的欢乐，当我悲伤时，我也用音乐来发泻、表达，将我的感情融入二胡，这也许是最好的表达方式吧！学二胡，真的令我“受益匪浅”
学二胡，不仅仅让我有了这一技之长，更重要的，是使我收获了克服困难的毅力与良好的心理状态。至今，我已经逐步学会如何良好把握和调解心理，使钉在面临重大事件前不会惊慌失措、紧张而导致没能发挥自己应有的水平。不仅这样，学一门乐器，还使我的乐感有了提高，陶冶情操。丰富了我的课余生活，使我的生活中也飘满了艺术的芳香。
有了艺术，生活才有美，有了生活，也才有艺术。生活处处都是艺术，不需要刻意发现。自然产生美，自然才有艺术。
7.艺术与生活论文1000字
从小学到现在的作文课，觉得只有一句话对作文的本质概括得较到位，那就是"作文是'源于生活而高于生活'的艺术作品"在我的理解，"源于生活"就是材料的选取是来自于平时的生活，而"高于生活"则是要求作文要以审美的眼光对一般材料进行艺术加工。
其实说起来容易，做起来难，像做每一件事一样，要有源于生活的材料，则必须有敏锐的观察力和灵敏的感受力。而要有灵敏的感受力则又要有敏感的思维和感官，要在每时每刻留心身边的每个人，每件事，特别要抓住一些细小的细节，也就是说感受要深刻、独特、细腻。
这样才会在作文时不必担心无话可说，无字可写，硬是把作文变成"榨文"。 谈起感受，不由想起清代扬州八怪里的郑板桥，大家都知道郑氏瘦竹不仅反映了郑板桥的高尚人格，而竹本身的削俏、挺拔，竹之神韵更被表达得淋漓尽致。
板桥为什么能把竹画为"神品"呢？据说，板桥在空闲时就站在竹林里，默默的观察竹的一举一动，看竹的傲对冰霜，看竹的迎风送雨。通过对竹的深刻感受，于是就能很轻易地把它的神韵表现出来。
另外达o·芬奇画蛋也是训练感受的一个例证。 艺术是相通的绘画和写作都属于艺术，所以写作也要通过不断的接触现实生活、感受现实生活，才能生动、准确地表现事物和道理。
当在写作中觉得无话可说，你就感到平时仔细观察的重要性了。 也许，有人会说我平时的生活实在是太单调了，并没有别人文章里所描写的大喜大悲、大起大落，每天就是由"家"--"学校"--"家"三点运动，而大多的时间都是在学校渡过，只有单调的学习，很少有机会到社会上去了解一些情况，也很少有时间与社会进行交流，每天都是固定陈式似的生活着，突发事件几乎不会出现，一点新鲜材料也没有，而以前的材料又已写了若干遍，再写也无甚意义。
于是到了写作就有江郎才尽的感觉。 其实，哲学上讲过，世界是不断发展的，世界上不可能存在绝对相同的东西，即使你每天过着同样单调枯燥的生活，这只是一种表面现象，你并没有仔细的观察和感受其中的细微变化。
如果你无时无刻都做个有心人，不时的以敏感的心努力去挖掘事物的细微变化，并把它放大，同时加入你的想象和联想，这样你就能在细微中见伟大，于无声中见有声。那么你在以后的写作中就觉得有事可写，一改以前"榨文"的状态。
当然，有了材料还只是成文的一半，要文章有生命力，则还必须对材料进行一定的艺术加工，这样你写的才能称得上是一篇合格的文章。那么又要怎样加工，如何让自己加工的东西有一定的艺术性呢？这就要求每一个为文者注意在平时训练培养自己的审美能力，如果让一个思想龌龊的人写一些有很高意义，让人赏心悦目的文章，这可能是很难的，勉强为之，只会写出一种"四不象"的文章。
而要培养良好的审美能力，在我看来就要求你先树立正确的世界观、人生观，在这基础上多阅读优秀的文学作品、精美的艺术作品。从别人的作品里寻找适合自己的风格和样式，感受绘画、音乐，动物、植物等里面所蕴涵的美感。
同时经过自己的取舍以培养自己独特的审美观点和审美能力，从而用自己独特的语言组织形成文章，这样的文章才能吸引读者，感动读者。 "文章本天成，妙手偶得之。
"其实文章的所有材料都已存在，只是等你去发掘，去利用，用自己的语言去组织成文，让读者感知，使其感动。
8.我要两篇谈艺术的文章
色彩中的抽象世界 ——康定斯基《艺术中的精神》 刘苇 20世纪艺术特征在总体上都趋向于音乐——含混、变形、抽象、直觉和梦导。
当时的艺术家们已经清醒意识到必须打破传统框架。任何时代都没有像20世纪现代派艺术家们那样，以不同方式、在不同的领域共同背叛古典艺术——建筑、诗歌、小说、戏剧、舞蹈等。
我们可以从那时的许许多多实验中找到他们超越的指向：靠向音乐。 在这一集体的现代主义运动中，绘画发展也不例外。
从印象派、野兽派、立体主义、表现主义到抽象主义，表现手法逐渐从具象、变形，演变为纯粹的抽象；艺术主体从反映客观对象逐渐演化为表现主观意志。 正是在这样背景下，康定斯基发表了具有抽象主义宣言性质的理论著作《论艺术中的精神》。
在这本书中，康定斯基第一次系统地阐述了抽象绘画理论。他一开始就宣称，时代的变化要求艺术形式进行相应的革新，20世纪的艺术已经不可能复原古希腊艺术，否则作品将毫无生气，因为时代在变化。
他在书的卷首第一行就说：“任何时代的艺术品都是自己时代的孩子”。他认为，只有纯粹的艺术家，“力图在自己的作品中只传导内在的和本质的东西，同时，自然而然地绝弃了外在的偶然”，才能找到与这一时代精神相适应的艺术形式。
他在书中把艺术运动划分成一个三角形。三角形底座两端是古典艺术和自然艺术，它们艺术的宗旨是准确地描摹和再现客观现实；三角顶点则是现代艺术，其艺术宗旨是表达艺术家的内在精神和灵魂。
这一三角形是不断地向上运动的，其顶端犹如宝塔尖顶，它并不在乎底部艺术家们的不理解。“在上部的最顶端，有时只有一个人，他欢快的眼光是内心无比忧伤的不露痕迹的标记。
那些离他最近的人也不理解他。”在康定斯基看来，底部反映的是“物质的真实”，而顶端表现的则是“精神的真实”，完全等同于音乐中的真实。
而物质只不过是蒙在精神表象上的一层迷雾。康定斯基在书中进一步指出：“艺术家必须对思想感情有所传达，掌握外形并非目的，而要代之以符合内涵精神的形象。”
在这样一个精神领域中，康定斯基将抽象绘画中的色彩运用类比音乐中的音符，在他看来， 色彩同样具有音响和旋律效果，甚至具有交响乐般的震撼力量。用色彩来展现音乐中的心灵震荡的效果，并直接达到精神深处，是那些只将眼光盯着客观世界的艺术家们所不具备的能力。
这是一种直接倾听和再现“内在声音”的能力。抽象绘画是超越于古典艺术之上的只表现“内在声音”的艺术新形式。
坦率而言，康定斯基的抽象绘画理论的建立离不开实验心理学。在哲学上，似乎更是靠向贝克莱的“知觉意识”和休谟的“感知印象与联想”。
他使绘画更具有符号性质和表意功能，同时，也更注重画面的“隐性形象”和观赏者的心理互动作用。从某种意义上说，他开拓了绘画表现新领域，推动了绘画艺术的形式革命向前发展。
无疑， 这具有深远的意义。 1896年康定斯基从俄国移居德国，放弃了法哲学研究，决定从事艺术创作，在德国广泛接触具有革新精神的青年艺术家，并先后组建了“慕尼黑新艺术家协会”和“青骑士”，出版了具有前卫思想的《青骑士年鉴》。
1912年撰写《论艺术中的精神》一书，该书立刻获得了现代派艺术家们的赞誉。1917年康定斯基回到了俄国，被任命为莫斯科人民教育委员会，最终因与苏维埃文艺主张相背，于1921年接受德国包豪斯学院邀请离开莫斯科。
在包豪斯期间，他进一步撰写了《形式问题》、《具体艺术》、《点、线、面》等有关抽象艺术的论文。有趣的是，他在莫斯科期间，曾有一位名叫马列维奇的学生听了他的课，受到康氏抽象绘画理论的影响，创立了“至上主义”。
“至上主义”要比“抽象主义”更前卫，几乎抛弃了绘画中的色彩元素，朝纯黑和纯白的方向发展。后来，“至上主义”的思想又流传到欧美，逐渐演变成“极简主义”。
而“极简主义”没有在绘画领域留下过多的痕迹，却在戏剧、建筑、音乐、电影、服装设计等领域影响深远。这恐怕是康定斯基始料未及的，。
然而， 却也进一步证明了，艺术是无疆域的， 它们是在彼此影响和相互推动中发展的。 -----------------分割线-------------------------- 玛丽·洛朗桑：巴黎的玫瑰 ——20世纪女性艺术家扫描之一 刘苇 宛如出于一种共谋，在艺术史专著中，女性艺术家的地位从未予以充分的确认。
一种令人困惑的沉默现象始终笼罩在那些卷帙浩繁的书中。无论是出于有意还是出于某种疏忽，撰述者像是被奇特的观念所束缚从而盲视她们的存在。
真相绝非如人们想像那样：女性艺术家寥若晨星；也非编撰者出于男性偏见与误解。其背后更深刻的原因似乎是审美观念在确立之初就将女性柔婉情愫排斥在美学领域之外。
翻开黑格尔的《美学》著作就可窥见一斑，统治其中被宣扬为正统的审美观是：理念、崇高和神性。虽然，20世纪晚期掀起的“后现代”艺术打破了黑格尔的美学理念；同时，也在这股纷杂无序的运动中涌现出各种艺术的新观念、新样式，女性艺术家的地位也得到相应的改观。
但从整体看她们仍处于从属地位。因此，我们有理由把艺术史中被湮没的那些优秀女性艺术家。
9.求一篇论文,题目"浅谈中国艺术与我"400
我们也是看书才理解到的啊，通常艺术和个人的社会环境、人文风气、历史文化相关联，加上设计者本人对世界的理解，所做出的作品。
那么，设计通常要结合以上各点（社会环境、人文风气、历史文化）。 其实我有许多想说 但此时却不知道该重那里说起。
总之 设计出的作品本身也是一种艺术.必然要通过中国传统文化来解释这个问题，儒家和道家对中国传统文化产生了根源的影响。所以中国文化的进程就是中国传统艺术的进程。
它有许多的特点，像天人合一、外师造化，中得心源、融化物我，创制意境。体现在国画上就是意存笔先，画尽意在达到以形写神，形神兼备，气韵生动。
这是一些资料，希望对你有用。 道家之“道”，尤其是庄子之所谓道，从抽象上去体悟时，是哲学的、思辨的；从具象上去把握时，是艺术的、生活的。
是故庄子之道，本质上是最高的艺术精神。这一艺术精神的旨趣，意在成就艺术的人生，使人生得到“至乐”、“天乐”，从而在精神上实现真正的解放与自由。
因此，庄子讲“心斋”与“坐忘”，讲“物化”与“物忘”，讲“忘我”与“丧我”，教人以虚静之心，不谴是非，脱离世俗的沉浊，“而游乎四海之外”，以达“独与天地精神往来”的境界。由是而观，庄子是最具艺术精神的思想家，而庄子思想中的艺术精神，在中国绘画艺术中又得以最生动地展现出来。
庄子的艺术精神，原本不在艺术创作，而是落实于人生态度上，钱穆先生对此有见道之言：“循庄子之养论，而循至于极，可以使人达至于一无上之艺术境界。庄生之所谓无用之用，此惟当于艺术境界中求之，乃有以见其真实之义也。”
（语见《老庄通辩》）虽然，庄子不言艺术，却对中国艺术发展产生了重要影响。尤以水墨丹青，由魏晋时人物转向山水，至宋而后山水画成为主流，受庄学影响至大。
山川大地清洁秀美，不似人间污浊世界，实宜于安顿人之心灵，也宜于激发人的想象力，天然山水成为审美对象、描摹对象自在情理之中。山水画中的逸品，所表现出的空灵玄远之意境，乃是画者在忘我、丧我状态下，以“虚静之心”观照天地间“素朴之美”的影像呈现，与庄子“天地有大美而不言”的纯艺术精神正相冥契，它完全摆脱了传统笔墨技巧的束缚，进达到人与自然谐和统一的境地。
人与天地万物融为一体，由此也就获得了精神上的无限自由。所以说“山水画的出现，乃庄学在人生中、艺术上的落实。”
徐著循庄学而“体道”，诠释探讨“气韵生动”、“魏晋玄学与山水画之兴起”、“唐代山水画之发展及其画论”、“荆浩之笔法与山水诀”、“逸格地位之奠定”、“郭熙的山水创作体“宋代的文人画论”以及“环绕南北宗诸问题”，皆是从宏大处着眼，于深细处用力，见解独到，不同凡响。