众文网1.艺术与非艺术有何界限
艺术，是人们为了更好地满足自己对主观缺憾的慰籍需求和情感器官的行为需求而创造出的一种文化现象。艺术，是人们在日常生活中进行娱乐游戏的一种特殊方式，又是人们进行情感交流的一种重要手段，属于娱乐游戏文化的范畴。艺术文化的本质特点，就是用语言创造出虚拟的人类现实生活。艺术发生的基础是人类的语言，有效的艺术创造必须完全借助于语言。人类有什么样的语言形式，就会有什么样的艺术形式。不借助语言的所谓艺术创造，只能算是普通的游戏创造。在娱乐功能的层面上，艺术与普通的娱乐游戏具有同等重要的存在价值和发展价值。然而，艺术与普通的游戏在文化形态上毕竟存在着本质上的差异，在文化的社会功能上也存在着明显的差异，这种差异无论从理论上还是实践上都有着被认真关注的必要。
对于人类所有的娱乐游戏活动，可以把其中的哪些明确地称为艺术，又把其余的哪些明确地称为不是艺术呢？目前似乎还没有人能够明确地回答。但是，问题还远不止于此。如，对于画画这种娱乐游戏活动，人们一般都会认为能够称其为艺术。然而，是不是对于所有的画画活动都能够称为艺术呢？同样都是画画，老画家的绘画就能够称为艺术，这似乎是没有疑问的。随便一个小孩子的信手涂鸦能够称为艺术吗，这似乎有很多人是不赞同的。只有当小孩子的“信手涂鸦”达到了“一定水平”，人们才会称其为艺术。那么，小孩子的“信手涂鸦”的水平达到了什么样的程度才能够称为艺术呢？这又是一个很难回答的问题。据说美国的一只黑猩猩会“作画”，人们给它纸和笔，它能够“饶有兴致”地作出很多“有意思”的“画”来。如果把黑猩猩的“作画”也称为艺术，似乎有很多人更是不赞同了
2.艺术与非艺术界限游移不定
艺术是一种审美的意识形态，它的反映本质是审美的而不是科学的。
是一种不同于科学的反映，是拟人化的反映，即它的反映是体验的、形象的，而不是抽象的、概念的。从哲学和科学角度说艺术是人类表达真理的一种特殊形式；从政治学角度说艺术是阶级斗争的工具；从社会角度学说艺术是对现实生活的反映；从心理学角度识艺术是人类心理需求的补偿形式；从伦理学角度说艺术是道德情感的净化和完美人格的塑造；从工艺学角度说艺术是技艺等。
都是自觉不自觉地将艺术变成了哲学科学、政治学、心理学、社会学、伦理学、工艺学等的附庸。艺术不直接与政治、科学、宗教、道德、法律对话，而是通过美学与他们对话。
艺术是艺术家审美意识的物化和结晶，是艺术家审美创造的产物。艺术家通过艺术不是要表达他的政治意识、哲学意识、道德意识等其他意识形式的，表达这些意识有比艺术这种形式更便捷、更准确、更适当、更纯粹的形式，艺术是为了表达审美意识而创造的。
艺术的主要目的是为了满足人们的审美愉悦，为人们提供美感享受而创造的，因此艺术的目的是为了满足人们的身心和谐的自由体验而创造的，至少遵从一个愉悦的原则。艺术的功能是以审美为中心，兼有认识、教育、娱乐等作用的价值系统，艺术的功能应该主要为我们提供审美愉悦的。
艺术描绘以人为中心，换言之，艺术的对象是以人为中心的社会生活，卢卡奇在《审美悟性》中认为，审美的真理由自我认识和对世界的认识构成一个循环，“认识你自己”的冲动把人们引向世界，使人们转向外部，对社会和自然有所认识，这种对客观现实的追求同时使人们认识到他自己本质的最深层。从写人到写社会，从写社会到写理想之间存在着无限的往复运动，相互支撑，相互深化。
艺术不仅说是一种观念形态的东西，又是一定的物质媒介，不仅是精神创造活动，还涉及到技能技巧，不仅是静态的认识深化过程，被动接受生活的过程，更是随着深入生活，不断对生活提出理想要求并在现实中追求它、实现它的实践过程。艺术家不仅是生活的理性关照者、守护者，更是介入生活的实践者、创造者，因此艺术是物质与意识的统一，是思想与技艺的统一，是认识与实践的统一。
艺是指工艺，术是方法、途径。艺术可以理解为，在一定的道德理念下，经过人为的发现和改变，将人类社会和大自然中最为美好的事物的生动再现，是一种方式、方法或技巧。
在这里有个前提，也就是说，这种方式方法必须得到多数人们按照当时审美观念的认可，艺术才能够成立。若不认可的，也就称不上是艺术。
艺术是伴随时代的境迁而发生变化，是特定时代的产物。因此，在某种程度上也可以说艺术什么都不是！当今世界基本都是众说纷纭，各有所论，也很难为艺术下一个完整而统一的定义。
那么，我们为什么要去搞艺术呢？究竟什么才算是艺术？发现美、展示美是我们人类最美好的本性。从人们还是孩童时起，就逐渐的建立起对审美的认识。
人们在穿着打扮中创造美，在居室摆设中构建美，在言谈举止中塑造美，在道德品质中完善美……这些都是人类出于内心善待生命、热爱生活的美好愿望。可以说，人人都在创造艺术，追求艺术。
对于艺术的向往是人类不断进步的一个重要外在表现。因此，就不可避免地出现了各层次、各类别的艺术群体。
艺术具体说来，可大可小。小到衣食住行，大到园林建筑。
其种类纷繁、科目众多，涉及到我们生活得方方面面。举例来说，我们欣赏的影视剧是一种艺术，演员的表演是一种艺术，书法、绘画、摄影、雕塑是一种艺术，时装设计、表演是一种艺术，音乐、歌唱、舞蹈是一种艺术，装潢、装饰是一种艺术，诗歌、散文等文学作品是一种艺术，纹身是一种艺术，美容、美体是一种艺术，甚至一盘佳肴、美羹也是一种艺术，艺术几乎充斥在我们身边每一个角落。
艺术凝聚了人们那丰富的智慧和辛勤劳动，展现了人类对一切美好事物的向往。能够体验和感觉到艺术那无穷的魅力，将让我们在精神上得到无与伦比的享受。
当然，能否欣赏到艺术美的真谛，能否去创造美，提升艺术修养和艺术品味将起到决定作用。那么，我们如何去提升自身的艺术修养呢？简单来说，一切知识都有利于提升艺术修养和艺术领悟能力。
因为，知识与知识之间往往有着必然的联系，它们绝不是孤立存在的个体。因此，多学习各种类型的，多种层次的知识都有利于提升我们的艺术修养，尤其是艺术工作者，就必须极力地拓展知识面。
只有掌握的知识达到一定程度，才能够更深入地理解艺术的真正价值所在，才能够创作出更精美、更超前的艺术作品。意大利文艺复兴时期的莱昂纳多·达·芬奇是整个欧洲文艺复兴时期最杰出的代表人物之一。
他既是一位伟大的画家，也是一位思想深邃、学识渊博、多才多艺的艺术大师、科学巨匠、文艺理论家、大哲学家、诗人、音乐家、工程师和发明家。他，之所以伟大，不仅仅是头上挂了这么多头衔儿，而是他在这么诸多的领域都达到了别人无法超越的境地！这些知识无遗对他艺术道路的成长起到了不可低估的推动作用！我们艺术工作者都应该向这样的大师多学习才对。
3.艺术与非艺术有何界定
艺术与非艺术之间的界线，在不同的社会时期，其界定的标准是不一样的。它是随着社会发展和理想标准的不断变化而变化的，但是我们仍然可以从其发展变化中，分析其背后所蕴涵的价值。
艺术不仅仅是一种技能、手艺，而且还是人类创造的情感性和形象性的精神产品，是人们情感的物态化形式。对中国古典美学中艺术与非艺术界定的历史发展进行梳理，可以使我们在不同时期的界定标准中发现艺术界定的本质。一、中国古典美学中艺术界定的标准我们发现在中国古典美学发展过程中，虽然没有专门界定艺术与非艺术标准的论著，但在少数著作中散落了一些艺术界定标准的观点，对于我们了解中国古典美学的发展脉络具有重大的借鉴意义。1·《乐记》：“乐有中出，礼由外作。”在《乐记》中，第一次隐含艺术界定的标准。“乐”在我国古代是当时各门艺…
4.求一篇《艺术概论》的论文,3000字以上
浅谈服装，转自[星论文网]设计与艺术
【摘要】艺术对于服装设计的影响无疑是深刻的，从服装史的演变中不难看出艺术思潮的痕迹。艺术的每一次进步都和服装携手并进，艺术让服装品牌升华，而时尚的终极目标就是艺术。 【关键词】服装 艺术 时尚 商业化 一、服装与艺术互生好感 服装设计并不是展示在我们眼前的某一件衣服，而是一种过程，一种被创作的结局。设计师多年的知识全部溶解在这个创造中，因此使得设计后的衣服有了“精神”和“魅力”，好的设计为服饰增添了附加值。 我们容易把时尚潮流看作是外在的，将艺术看作是内在的，时尚与艺术是有着合集的两个不同集合，都隶属于“生活”这个巨大的容器。好比Vivienne Westwood崭露头角的那个年代，在被称为“颓废一代”的朋克青年们的世界里，紧身萝卜裤、带有金属环扣的皮夹克、爆炸头便是“时尚”的代名词。但被包裹在萝卜裤和皮夹克之下的“讨厌工作、厌倦现有社会体制”的反叛内心才是本质。在那个年代，这种本质被表现为摇滚乐等其他“不合适宜”的艺术形式。
阅读全文请到： 时尚与艺术两者的源起其实有很大的重叠性，正如服装设计师胡蓉讲到“艺术是我疲惫时的一剂兴奋剂，或是一片混沌中，转自[星论文网]重要的。无论是服装设计师还是艺术工作者，都要有自己的主观感受，然后才能去感染别人。服装设计摆脱不了物质的本性，也摆脱不了商业的影响。 二、时装是商业和艺术的结合 服装设计是商业和艺术的混血儿，设计80%倾向于商业化，是为了实际的销售，20%是为眼睛和心灵所做的，是艺术性的拓展，可能性的尝试。 艺术是不着边际，没有限制的一个东西，它可以完全表达艺术家的理念。你当然可以用艺术去包装这件产品。服装设计就是一门生意，但这丝毫不影响设计师们用艺术的手法去呈现自己的作品。设计师的设计理念，设计作品都可以用非常艺术化的形式表现出来。一个成功的设计师必定有他特有的理解，诠释和驾驭商业成分的能力。艺术素养对于设计师品牌的商业成功来说是至关重要的，但商业性毫无疑问才是服装真正的特性。 在工业技术日益发达的今天，人文艺术修养可能是设计师们相互竞争的最后一厘米，决定成败的那一击。但我们应该将艺术追求放在心中，而不能把自己当作艺术家来生活，背离了商业性的设计终究会无人问津。时尚是一种更新自我的生活方式，主导设计的基本价值观是力图在各种矛盾冲突中寻求一种相对平衡。优秀的设计师应该在坚持自我价值观的前提下，根据时间空间的变化不断自我更新，以生活为灵感不断创造出兼具艺术性和商业价值的作品。
5.急需一篇关于艺术的论文
英国美学家克莱夫贝尔说：“艺术是有意味的形式”。
从古希腊、文艺复兴时期的作品中，我们可以很明确地看到，写实性的风格是占了绝对的优势的：无论是从数量上，还是从质量上。著名雕塑大师罗丹就多次表示：艺术家应该抄录自然。
抄录自然，简而言之就是写实，是对自然的再现。艺术要反映客观世界的真实性，就是说，艺术品中所表达的形象要符合它所反映的客观事物的实际，符合它所反映的社会生活实际。
对于一般的写实作品来说，再现的真实是基本要求和基本特征。但写实有来自于各方面的限制性。
在写实上首先要处理的就是来自于风格的限制。风格又分为时代的风格、个人的风格。
同一时代的作品总是有一个相关联的风格。古埃及公式化的绘图方式是时代性的风格，波斯细密画在一定阶段有意识地忽视透视法则的绘画方式，也是时代的风格化的体现。
生产方式和生产力水平是相适应的，不同时代各有不同的时代性风格。这就在写实的道路上给艺术家们划定了一个范围。
“心理定向”的存在，使艺术家们具有了各自不同的关注焦点。在艺术创作这个过程中，艺术家们不是在表现他所看到的东西，而是在看他所能表达的东西。
艺术家在创作中所表达出来的不同的要点，正是他们的风格之所在。与此同时，技法也限制了写实。
毕加索说：“我在他们这个年纪时就能画得像拉菲尔一样好，但我却花了终生的时间去学习如何画得像这些孩子一样。”但事实上儿童画为何不能被称为是优秀的艺术作品呢？儿童受限于艺术语言的学习。
他们无论有再敏感的内心，但还是没有没有过硬的表达技巧。正是因为这个原因，他们的作品不能，也不可能被看作是优秀的写实作品。
写实之路充满了主观方面的种种阻碍。在当代艺术的语境里，写实好像已经变得无足轻重了，这样的时代风格是不是也是作为写实的限制性的一种新的应对方式。
事实上，我所理解的再现的真实并非是表现出视网上的所见，而是如罗丹所说：“通过表达外在形像，体现内在真实。”也就这才是对应写实的限制性的行之有效的方案。
（1）艺术用形象反映世界，艺术与哲学等其他社会意识形态的根本不同，最基本的一点就是它的具体可感的形象性。一切文学艺术作品都具有一定的形象性，可以说，形象性是文学艺术区别于其他社会意识形态的基本特征。
如读李白诗，观庐山画。李白诗，庐山画都是艺术，而这些艺术是通过形象去反映认识庐山的。
有些理论文章，理论著作也有形象的成分，有丰富的形象语言，如《欧也妮。葛朗台》是通过塑造一个个活生生的人物形象，揭示资本主义社会虚伪的家庭关系的。
来看看葛朗台临死时的表现：“本区的教士来给他做临终法事的时候，十字架，烛台，和银镶的圣水壶一出现，似乎已经死去了几小时的眼睛立刻复活了，目不转睛的瞧着那些法器，他的肉瘤也最后的动了一动。神甫把镀金的十字架送到他的唇边，给他亲吻基督的圣像，他却做了一个骇人的姿势想把十字架抓在手里，这一下最后的努力送了他的命。”
他至死都在想着占有别人的财富。总之，没有形象，就没有艺术，失掉形象性这一基本特征的作品，也不能称作文艺作品。
（2）艺术形象是感性与理性的统一。米开朗基罗的《大卫》和《奴隶》，莎士比亚的《哈姆雷特》、贝多芬的《英雄交响曲》等等，都是以生动的感性形式表现出深刻的理性内容。
إ （3），艺术形象是客观与主观的统一。罗中立运用照相写实主义手法创作的《父亲》，表面上看起来似乎是完全客观的再现，非常注重细节的逼真。
但观众站在这幅画前被强烈地感染和震撼了，他们体会到，在这一客观地再现的艺术形象里面，恰恰表现了作者强烈的情感和主观态度，以及他对现实的认识和理想。 （4），艺术形象是内容与形式的统一 （5），艺术形象是个性与共性的统一。
艺术创造艺术美。比起现实美来，艺术美则是比较鲜明，比较集中，比较完全，比较充分。
比如郑板桥的《竹》，其作品的美虽根源于现实中竹子的美，却不是现实的机械反映，而是他对现实审美认识的表现。他在一篇“题画”中写道：“江馆清秋，晨起看竹，烟光日影露气，皆浮动于疏枝密叶之间。
胸中勃勃遂有画意。其实胸中之竹，并不是眼中之竹也。
因而磨墨展纸，手中之竹又不是胸中之竹也。”郑板桥在这里提出了四种竹子：园中之竹，这是现实中的竹子；“眼中之竹”，是画家所直接看到、观察到的竹子，虽经过眼球的改造，但改造不大，基本上是现实的忠实反映；“胸中之竹”则是经过画家头脑改造而形成的审美意象，这意象由于主体审美认识时的精神作用而使现实美得到强化、集中化、概括化或典型化，同时也渗透进画家的思想情感和审美理想；“手中之竹”即是完成了的作品。
画家在用笔墨纸张传达表现其审美意象即“胸中之竹”时，舍去了一切与美无关或关系不大的枝节，使意象中的美又一次得到强化和改造。于是“手中之竹”的美比起园中之竹的美，更为鲜明和完满，因此是更高一个等级的美。
启发：情感是人类喜怒哀乐等心理形式，它反映人对世界的对象和现象的主观态度，情感是在一。
6.艺术与非艺术的区别
艺术与非艺术之间的区别也在日益模糊。
这种发展方向是耐人寻味的。在传统文化中，贵族文化通常是从民间文化中寻求素材和灵感，然后经过文人雅士的提炼、抽象、改造，演变为一种具有生命力的高雅的艺术形态，进入高层次的正统主流之中。
而当今的文化发展似乎正呈现相反的趋向，大众文化不仅自身在生产和流通的规模上超出了其他文化，而且还掠夺其他文化资源，并把这些资源最终改造成适于大众文化逻辑的共享性的文化。大众文化不断地在吸收利用雅文化的各种材料，形式和主题，并将这些材料很快处理成流行的熟悉的和易于接受的东西。
如果说雅文化对民间文化的吸纳是一个“陌生化”的过程，那么大众文化对雅文化材料的吸收，则是从“陌生化”转向“流行化”、“通俗化”。近年来中国结、唐装的盛行，从高档的手工艺术品到低档廉价物品，满足着各种消费层次、审美层次的需求。
陶吧在都市生活中的盛行也是一个例证，陶艺从神秘的艺术殿堂里走出来，让每个人都可以亲身体验创作艺术的感受，不管做出来的东西如何，重要的并不在于此，而是艺术生活化的体验。大众文化的这种改造，使原先局限于少数人的文化产品，变成了大众可以消费的对象。
大众文化通过吸收雅文化的特质，并对其加以改造和变形，以丰富自身文化的内涵，实现大众自身的创造生活的愿望。
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艺术与生活：多远？多近？——审美 — 艺术观念流变考察[日期：2008-08-24] 来源： 作者：张婷婷 [字体：大 中 小] 【 内容 提要】一般地说，古典审美— 艺术 观念（包括 现代 之“古典”审美—艺术观念）多强调艺术与生活的距离，看重艺术与生活的区别，认为艺术之所以是艺术，就在于它的不平常性；古典美学批评，总是千方百计寻找艺术之巧夺天工的特异、艺术家之非同寻常的“绝活”。
而大约从20世纪开始，特别是20世纪80年代以后，这种观念发生了变化，在整个世界范围里出现了所谓“审美生活化”（艺术生活化）和“生活审美化”（生活艺术化）的趋向，对此，不但有美学 理论 家和艺术批评家在鼓吹，且有创作家在实践。艺术与生活的界限越来越模糊不清。
一艺术与生活，这是一个非常古老的话题，也是一个被说烂了、提起来便令人兴味索然的话题。今天又来说它，不是为了自找没趣，而是想借此审视一下审美—艺术观念的流变，特别是近年来审美—艺术观念的新动向。
宏观地看，古往今来艺术与生活的关系大略经过了三个阶段：口传文化时期艺术与生活直接合一；印刷文化时期艺术与生活疏离对立； 电子 文化时期艺术与生活再次走向融合。 口传文化时期或再加上手写文化的前期（特别是纸张发明之前），艺术与生活曾经是混沌一体、不分彼此的。
那时艺术是生活的一部分，譬如渔猎 时代 人们的弓箭既是工具也是心爱的“艺术”品（如果当时有所谓“艺术”观念的话），“艺术”与生活的界限是模糊的，或者说当时艺术还没有从生活中分娩，人们的审美意识还萌动在生活实践的母胎中，譬如 中国 古代的玉璧、玉璜、玉琮……以及佩带的各种美玉，既是艺术品，同时也是祭祀用品和某种观念的象征物，具有原始宗教的、伦理道德的、政治 活动的实用意义。 即使到了孔子那个时代，艺术仍然很难同生活分得那么清，诗、乐、舞（如孔子说到的“八佾”舞）并不是后来人们观念中的纯粹艺术。
甚至中古时期（例如魏晋）的佛教石窟壁画雕像，很难说当初有多少人是把它们当作“艺术”品去塑造的。西方亦如是。
连古希腊戏剧，当初也是酒神节祭祀仪式性活动的一部分。 后来，艺术逐渐“独立”了，艺术与生活疏离开来。
手抄文化后期纸张出现了，这对审美—艺术的独立 发展 是一个重大促进；特别是到了印刷文化时期，艺术更是以它的“精英化”、“贵族化”甚至“神圣化”姿态去与“生活”拉开距离，艺术被供奉在高高的奥林匹亚山顶上。 当时的人们认为，正因为艺术与生活不同，它才是艺术，而且，似乎离普通老百姓生活越远、越是高高在上，就越是好的艺术。
这个时期可称为审美—艺术的古典时期。高雅的古典艺术，崇奉艺术为生活之精华的古典美学观念，是印刷文化时期审美—艺术现象的典型形态。
与那时的 社会 状况和精神理念相应，艺术活动被认为是高于生活的创造，艺术产品被认为是出乎其类、拔乎其萃的产物，是超越凡俗的圣果。 印刷文化所处的那个 历史 时代，是人类不平等的时代，是“劳心”者役使“劳力”者的时代，艺术创造似乎只能是“劳心”者的专利，而“劳力”者则被驱逐出审美—艺术的大雅之堂。
就连那位号称诗风平易通俗、追求妇孺皆懂的唐代大诗人白居易，也无法掩饰其骨子里审美观念的贵族心态，“岂无山歌与村笛，呕哑嘲哳难为听”（《琵琶行》），自觉或不自觉流露出对下等民众文艺活动的鄙视。 审美—艺术活动因为是精英者的活动，是人上人的活动，是高雅人的高雅活动，艺术作品也就被看成与凡俗生活不同的高雅、特殊、精贵之物。
中国古典艺术家和艺术评论家就特别强调艺术与生活的距离与差异。在他们看来，艺术几成神物，或具有几分魔力。
传说顾恺之“常悦一邻女，乃画女於壁，当心钉之，女患心痛，告於长康，拔去钉，乃愈” ① 。又传说南朝梁代画家张僧繇画“金陵安乐寺四白龙，不点眼睛，每云，点睛即飞去，人以为妄诞，固请点之，须臾，雷电破壁，两龙乘云腾去上天，二龙未点眼者见在” ② 。
这两则故事当然不可信。但它们表露出当时人们的一种观念，即艺术是不同于生活的神异奇妙的东西；至少它们渲染了艺术的神异与奇妙。
中国古代艺术批评家也常常以艺术如何不同于生活、如何超越凡世来品评其高低优劣。魏晋以来“九品论人、七略裁士”之风甚浓，亦波及美学，无论书画诗文，大多要分三六九等。
例如南齐谢赫就说：“夫画品者，盖众画之优劣也。” ③ 他的《古画品录》把画家分为六品。
梁朝钟嵘则把诗分为上中下三品。之后的许多艺术评论家据此加以演绎，区分各种不同标准的艺术和艺术家。
唐·张怀较画家优劣为神、妙、能三品，朱景玄又将神、妙、能各别上、中、下三等，此外又加逸品，依次为：神（上中下）、妙（上中下）、能（上中下）、逸共十等。 张彦远不同，最高等的艺术品格是 自然 ，置于神之上，分为自然、神、妙、精、谨细。
他说：“夫失于自然而后神，失于神而后妙，失于妙而后精，精之为病也而成谨细。自然者，为上品之上； 神者，为上品之中；妙者，为上品之下；精者，为中品之上；谨而细者，为中品之中。
余今立此五等，以。
8.艺术与非艺术的区别
艺术与非艺术之间的区别也在日益模糊。
这种发展方向是耐人寻味的。在传统文化中，贵族文化通常是从民间文化中寻求素材和灵感，然后经过文人雅士的提炼、抽象、改造，演变为一种具有生命力的高雅的艺术形态，进入高层次的正统主流之中。
而当今的文化发展似乎正呈现相反的趋向，大众文化不仅自身在生产和流通的规模上超出了其他文化，而且还掠夺其他文化资源，并把这些资源最终改造成适于大众文化逻辑的共享性的文化。大众文化不断地在吸收利用雅文化的各种材料，形式和主题，并将这些材料很快处理成流行的熟悉的和易于接受的东西。
如果说雅文化对民间文化的吸纳是一个“陌生化”的过程，那么大众文化对雅文化材料的吸收，则是从“陌生化”转向“流行化”、“通俗化”。近年来中国结、唐装的盛行，从高档的手工艺术品到低档廉价物品，满足着各种消费层次、审美层次的需求。
陶吧在都市生活中的盛行也是一个例证，陶艺从神秘的艺术殿堂里走出来，让每个人都可以亲身体验创作艺术的感受，不管做出来的东西如何，重要的并不在于此，而是艺术生活化的体验。大众文化的这种改造，使原先局限于少数人的文化产品，变成了大众可以消费的对象。
大众文化通过吸收雅文化的特质，并对其加以改造和变形，以丰富自身文化的内涵，实现大众自身的创造生活的愿望。
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